UN ASUNTO REAL

Por: Mario Arango Escobar.

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NICOLAJ ARCEL

Nació en Copenhague (Dinamarca) en 1972. Se licenció en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca en 2001. Su película de graduación “La última sinfonía de Woyzeck” (Woyzeck’s Last Symphony), obtuvo el Premio al Mejor Corto en los festivales de Múnich y de Clermont-Ferrand.

Debutó en el largometraje en el año 2004 con “El juego del Rey” (King’s Game), adaptación de la novela del mismo nombre de Niels Krause-Kjær. Crónica sobre la manipulación como instrumento para conquistar el poder político.

Posteriormente, en el año 2007, realiza “La isla de las almas perdidas” (De Fortabte Sjæles Ø). Película de género fantástico, en el que una niña de 14 años logra realizar todas las aventuras que imagina.

Ha escrito varios de los guiones que ha dirigido, muchos de ellos, los ha escrito en colaboración con el también danés, Rasmus Heisterberg. En el 2009, escriben el guión para cine de “Los hombres que no amaban a las mujeres” (Män som hatar kvinnor) basado en la serie de novela policíaca, Millennium de Stieg Larsson.

“La verdad sobre los hombres” (Sandheden om mænd) realizada en el año 2010, es la historia de Mads: tiene 30 años, tiene una novia, y aunque no es la mujer que él desea, planea tener hijos con ella. En definitiva, Mads no sabe lo que realmente quiere en su vida.

En el 2012, dirige “Un asunto real” (En kongelig affære), película que presentamos en el cineclub.

A-Royal-AffairUN ASUNTO REAL/A ROYAL AFFAIR. (2012). GÉNERO: DRAMA-HISTÓRICO. DURACIÓN: 137’. PAÍS: DINAMARCA.

Dirección: Nikolaj Arcel. Guión: Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg, Lars von Trier. Intérpretes: Mads Mikkelsen, Alicia Vikander, Mikkel Boe Følsgaard, Trine Dyrholm, David Dencik. Títuo original: En kongelig affære. Fotografía: Rasmus Videbæk. Música: Gabriel Yared, Cyrille Aufort.

Sinopsis: Dinamarca, último tercio del siglo XVIII. Carolina Matilde, dama perteneciente a la alta aristocracia inglesa, es casada con su primo el trastornado rey de Dinamarca y Noruega. Poco después de la boda, la joven reina se da cuenta que sus ilusiones de un feliz matrimonio no se harán realidad, dada la personalidad de su extravagante marido. Ante esta situación, se verá impulsada a convertirse en la amante de Johann Friedrich Struensee, médico personal del monarca e intelectual de ideas ilustradas.

La película está basada en hechos reales, que plasmó Bodil Steensen-Leth,
en su novela “Prinsesse af blodet”.

El Siglo de las Luces recorre a Europa, y con él, las ideas de los pensadores de la Ilustración, que buscan reivindicar la razón y defender la libertad de los pueblos. No obstante, en Dinamarca, la Iglesia y la nobleza manejan a su antojo el poder mediante la opresión de sus súbditos, y no se vislumbra ningún cambio. En este contexto, ocurre el matrimonio por conveniencia entre Carolina Matilde (Alicia Vikander) y el rey Christian VII (Mikkel Boe Følsgaard).

El film se inicia con un extenso flashback, en el cual, mediante una voz en off, la reina, cuenta a sus hijos, y a nosotros, como transcurrieron los años de su desgraciado matrimonio con su primo.

Matrimonio desgraciado ya que el rey es completamente opuesto a ella, refinada, educada, con ideas progresistas, de gran sensibilidad social, asidua lectora de escritores como Voltaire, Rousseau y Diderot. Carolina, ante esta situación optará por resignarse y asumir su papel…

Sin embargo, la vida de la desdichada reina experimenta un cambio radical, cuando el rey contrata al doctor Johann Friedrich (Mads Mikkelsen), como su médico personal. Entre éste y Carolina existen varios intereses comunes. Él también frecuenta a los escritores “prohibidos”, y sus ideas están acordes con los conceptos de la Ilustración. Poco a poco, Johann logra que el rey le entregue toda su confianza, llegando a ser un personaje de gran importancia para él. Lo mismo sucede con Carolina, quien termina convertida en su amante.

“Un asunto real” se inscribe dentro de los dramas de época, al que Nikolaj Arcel ha querido darle un toque netamente clásico. Magnífica la reconstrucción de época, con sus lujosos decorados y los espléndidos escenarios que nos trasladan al momento histórico narrado en la película. Sobresaliente el trabajo de vestuario y maquillaje.

Mención aparte para el excelente trabajo de fotografía, sobre todo en exteriores, que muestra muy ricamente los hermosos paisajes daneses.

De la banda sonora, a cargo de Gabriel Yared y Cyrille Aufort, decir que sus melodías cálidas y pausadas, están en perfecta armonía con la historia.

En cuanto a los intérpretes. Notable el trabajo de Mikkel Boe Følsgaard en el papel del perturbado rey, quien logra una caracterización soberbia. A su lado Mads Mikkelsen, como el médico progresista e ilustrado, confirma su talento y el bien ganado prestigio como uno de los actores más talentosos en el cine europeo actual. Por su parte, Alicia Vikander, nos entrega una interpretación creíble y natural, muy destacable.

“Un asunto real”. Nos habla de política, de poder pero también de amor. Nos ayuda a entender la Ilustración y la Edad Media y plantea una reflexión sobre un período de la historia, muy poco conocido, en el que, debido a la influencia de la iglesia y unos valores arcaicos difíciles de superar, la sociedad permanecía sin experimentar ningún progreso.

Premios:
2012: Oscar: nominada a la Mejor Película Extranjera.
2012: Globos de Oro: nominada a Mejor Película Extranjera.
2012: Festival de Berlín: 2 Osos de Plata: Mejor Actor (Mikkel Boe Følsgaard) y Guión.
2012: Premios César: nominada a Mejor Película Extranjera.
2012: Festival de Toronto: nominada al Premio del Público (mejor película).
2012: Festival de Sevilla: Sección Oficial Largometrajes a Concurso.
2012: Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones: Mejor Música y Diseño de Producción.
2012: Satellite Awards: Mejor Vestuario. 3 nominaciones.

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LA VIDA DE PI

Por: Mario Arango Escobar.

Lee Ang attends a special screening of the film "The Life of Pi" in Los AngelesANG LEE

Nació en Taiwán, en 1954. Durante su infancia fue extremadamente aficionado a la lectura de cómics chinos, taiwaneses y japoneses, ya que sus padres le prohibían la lectura de los americanos. En 1978, se traslada con su familia a Estados Unidos.

Tras graduarse en la Universidad de Bellas Artes de su Taiwan natal, una vez en Norteamérica se especializó en dirección de teatro en la Facultad de Illinois, estudios que luego amplió con un máster en producción de cine en la Universidad de Nueva York. Su mediometraje “Fine Line”, que presentó como tesis en 1984, recibió el premio al mejor director y al mejor corto en el festival de cine de la universidad.

Debuta en el largometraje con “Manos que empujan” (Pushing Hands, 1992) narra la historia de un padre que viaja desde Taiwán hasta Norteamérica para vivir con su hijo y la esposa norteamericana de éste. Pero la actitud de su nuera y las diferencias culturales dificultarán la convivencia.

Luego dirige “El banquete de boda” (The Wedding Banquet, 1993). Es la historia de una pareja de homosexuales, uno de ellos, que oculta su condición, decide fingir una boda de conveniencia con una bella mujer para evitar las sospechas de sus padres. Con este trabajo, Lee obtiene el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

En 1994, realiza “Comer, beber, amar” (Eat, Drink, Man Woman), película con la cual completa una trilogía en torno a las relaciones familiares y la identidad nacional, que catapultó definitivamente a Ang Lee hacia la industria de Hollywood.

El reconocimiento internacional le llega con “Sentido y sensibilidad” (Sense and Sensibility, 1995), excelente adaptación de la novela de Jane Austen, en la cual dos hermanas deben enfrentarse al amor y a las adversidades de la vida, después de la muerte de su padre. Película galardonada en el Festival de Cine de Berlín con el Oso de Oro.

Poco después rodó “La tormenta de hielo” (The Ice Storm, 1997). Una radiografía irónica de la burguesía de EEUU. En 1999 realiza “Cabalga con el diablo” (Ride With the Devil) película que se desarrolla durante la Guerra de Secesión Norteamericana y narra la historia de dos amigos que se suman a la lucha del Sur contra el Norte.

Una de sus obras más aplaudidas fue la que estrenó en el año 2000: “El tigre y el dragón” (Crouching Tiger, Hidden Dragon), fantasía histórica de artes marciales, premio Oscar a la Mejor Película Extranjera.

En el 2003 adaptó el cómic “Hulk” (The Hulk) a la gran pantalla. Luego vendría “Secreto en la montaña” (Brokeback Mountain, 2005) de nuevo, aborda una historia de amor homosexual, esta vez entre dos jóvenes vaqueros, con la cual obtuvo el Premio Oscar al mejor director.

“Deseo, peligro” (Lust, Caution, 2007) película donde Lee regresa a sus raíces asiáticas para contarnos una impactante historia de espionaje y amor que sucede durante la ocupación japonesa en el Shangai de la Segunda Guerra Mundial. Galardonada con el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia.

“Destino: Woodstock” (Taking Woodstock, 2009), versión libre del nacimiento del festival más famoso de la historia.

En el 2012 realiza “La vida de Pi” (Life of Pi), que analizaremos en nuestro cineclub.

life-of-pi-ang-leeLA VIDA DE PI. (LIFE OF PI). (2012). GÉNERO: AVENTURAS. DURACIÓN: 125’. PAÍS: ESTADOS UNIDOS.

Dirección: Ang Lee. Guión: David Magee (Novela: Yann Martel) Intérpretes: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Rafe Spall, Tabu, Adril Hussain, Shravanthi Sainath, Ayush Tandon, Vibish  Sivakumar, Gérard Depardieu. Título original: Life of Pi. Fotografía: Claudio Miranda. Música: Mychael Danna.

Sinopsis: la película narra las aventuras que experimenta un joven llamado Pi, cuando el barco en el cual viajaba con su familia, naufraga en medio del océano Pacífico. Pi y un tigre de bengala son los únicos sobrevivientes. Entre ambos se establecerá una relación inesperada…

Un escritor interesado en conocer la verdadera historia de quien protagonizó el naufragio, se reúne con Pi, ya mayor, quien le compartirá algunos momentos de su infancia y de su juventud en la India. Con esta conversación entre los dos hombres, se inicia la película. En este primer tramo del film llama la atención el dominio de Ang Lee en el manejo del tiempo, al alternar de una manera magistral los acontecimientos del pasado con los del presente.

Seguidamente, llega el momento clave de la película, el momento del naufragio. Después de una terrible tormenta el barco en el cual viajan Pi y su familia, se hunde. Los dos únicos seres que logran sobrevivir son el joven y un tigre de Bengala llamado Richard Parker.

A partir de este suceso, asistiremos a la lucha que tanto Pi como el tigre, van enfrentar para asegurar su supervivencia. Pero también seremos testigos excepcionales de la particular relación que, finalmente, se establecerá entre el joven y el animal, como única forma de lograr su objetivo. Es evidente el talento del director, ya que con sólo dos protagonistas y un espacio tan pequeño, logra capturar, por completo, la atención del espectador más desprevenido.

La habilidad de Ang Lee para emocionar y conmover queda de manifiesto con el imponente espectáculo visual que aparece en la pantalla, y que es fruto del uso notable de todos los elementos del lenguaje cinematográfico. Los soberbios planos, esos desplazamientos magníficos de la cámara, y por supuesto, la inclusión de excelentes y coloridos efectos visuales.

En este despliegue prodigioso de técnica, merece mención especial el trabajo fotográfico que logra Claudio Miranda, especialmente en lo que respecta a la iluminación de las escenas del mar.

Otro de los puntos fuertes del film, es su sólido y bien estructurado guión, y las destacables actuaciones de todos los actores, especialmente sobresalientes la interpretación de Suraj Sharma, que en este, su primer papel, da muestras de su talento, asumiendo su rol con sobrada solvencia. A su lado, Irrfan Khan, Rafe Spall, Adil Hussain, bordan su papel excelentemente.

“La vida de Pi” es una obra que nos ofrece varias lecturas. En primer lugar, el evidente mensaje de profundo trasfondo espiritual, místico y filosófico. También podemos hablar de la película como una reflexión sobre el arte de contar, al hacer de la historia de Pi, un cuento de nunca acabar, pues como dice el narrador del film, “ahora la historia nos pertenece”, cada espectador tendrá nuevas versiones.
De otro lado, la historia nos habla acerca de la capacidad del hombre para sortear las adversidades más grandes, con fe y tenacidad.

PREMIOS:
2012: 4 Oscar: Mejor Director, Fotografía, Banda Sonora y Efectos Visuales. 11 nominaciones.
2012: Globos de Oro: Mejor Banda Sonora. 3 nominaciones, incluyendo Mejor Película Dramática.
2012: 2 Premios BAFTA: Mejor Fotografía y Efectos Visuales. 9 nominaciones.
2012: Critics Choice Awards: Mejor Fotografía y Efectos Visuales. 9 nominaciones.
2012: Satellite Awards: Mejor Guión Adaptado y Fotografía. 5 nominaciones.
2012: American Film Institute: Top 10 – Mejores Películas del Año.
2012: Premios Annie: Mejor Animación de Personajes en una Película No Animada.
2012: Directors Guild of America (DGA): nominada a Mejor Director.

AMOR

Por: Mario Arango Escobar.

AmourLes-adieux-à-la-reine-y-Camille-Redouble-encabezan-los-César

MICHAEL HANEKE

Nació en 1942, en Munich (Alemania). Hijo del director y actor alemán Fritz Haneke y de la actriz austriaca Beatrix von Degenschil. La niñez y la juventud las pasó en un suburbio de Viena. En esa ciudad asistió a la universidad para estudiar filosofía, psicología y drama, después de fracasar en sus primeros intentos en la actuación y la música.

Una vez finalizó sus estudios universitarios, se convirtió en crítico de cine y entre 1967 y 1970 trabajó como editor y dramaturgo en una estación televisiva del sur de Alemania.

Como dramaturgo dirigió varias producciones escénicas, entre ellas obras de Strindberg, Goethe y Heinrich Von Kleist en Berlín, Múnich y Viena. Hizo su debut como director televisivo en 1973.

Dirigió “El séptimo continente” (Der siebenteKontinent) en 1989, que muestra la historia de una familia que vive en un mundo terriblemente frío: los padres parecen haber perdido su alma y los niños languidecen hasta que todos deciden resolver la situación de forma drástica. Con esta película Haneke da inicio a su Trilogía sobre la violencia en la sociedad moderna. Trilogía de la que también hacen parte, “El video de Benny” (Benny’s Video, 1993) y “71 Fragmentos de una cronología del azar” (71 Fragmente einerChronologie des Zufalls, 1994).

En 1996, Haneke filmó una adaptación inteligente y expresiva de la novela de Kafka, “El Castillo” (Das Schloss). Según él, a partir de Kafka la narrativa fragmentaria ha sido una de las condiciones básicas para un enfoque de la realidad.

Su film “Horas de terror” (Funny Games), de 1996 plantea la influencia de los medios audiovisuales y la ola de violencia que sacude el centro de Europa. Fue premiado en Cannes en 1997.

En 1999, realiza “Código desconocido” (Code inconnu) con guión de su autoría, en el que plantea cuestiones como la confusión babilónica de lenguas, la incapacidad de comunicación, la frialdad de la sociedad de consumo, la xenofobia…

“La profesora de piano” (La pianiste, 2001), basado en la novela de la Premio Nobel Elfriede Jelinek. Con ella gana el prestigioso Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2001.

En el 2003, realiza “El tiempo del lobo” (Le Temps du loup) que nos introduce en las vivencias de una familia de clase media que huye de la catástrofe ocurrida en la ciudad, refugiándose en su casa de campo. Piensan que así lograrán librarse del caos generalizado, pero pronto, y muy a pesar suyo, se irán dando cuenta de lo contrario…

Su siguiente trabajo, “Caché/Escondido” (Caché, 2005), es otro viaje a los oscuros secretos del alma humana. Con esta película, Haneke fue galardonado como mejor director en Cannes y recibió el premio a la mejor película en la ceremonia de Premios del Cine Europeo.

En el 2009, recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, por su película “La cinta blanca” (Das weisse Band), que ganó el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y a la mejor fotografía en los premios Oscar. En ella, Haneke disecciona los orígenes del nazismo.

“Amor” (Amour, 2012)  es su último trabajo, que apreciamos en el cineclub.

Desde el 2002, ejerce como profesor de dirección en la Academia de Cine de Viena y desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, siendo Don Giovanni y Cosi fan tutte de Mozart, sus producciones más destacadas.

Cirujano de las pulsiones más oscuras e inconfesables del alma; las películas de Haneke, no ofrecen respuestas ni finales felices. Son películas perturbadoras y sombrías, no son comerciales ni las realiza para complacer a nadie.

AMOR

WFTCRMImageFetch.aspxca-f-amour-01AMOR. (2012). GÉNERO: DRAMA. DURACIÓN: 127’. PAÍS: AUSTRIA.

Dirección y guión: Michael Haneke. Intépretes: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Drukarova. Título original: Amour. Fotografía: Darius Khondji. Música: Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach.

Sinopsis: una pareja de ancianos, ambos profesores de música, disfrutan su tiempo de retiro en su casa de París. Sorpresivamente, la mujer sufre un derrame cerebral quedando con la mitad de su cuerpo paralizado. A partir de este momento, el amor que siempre ha existido entre ellos, será puesto a prueba….

Un grupo de bomberos irrumpe violentamente en un apartamento. Un fuerte y desagradable olor llena el ambiente. Cinta de embalaje cubre algunas de las puertas interiores. La cámara sigue a los bomberos que finalmente llegan a una habitación donde se encuentra el cadáver de una mujer. Aparentemente, lleva varios días de muerta.

Con este revelador inicio, Haneke nos introduce en esta historia de amor-dolor y nos prepara para lo que viene a continuación. Pasado este primer momento, la historia retrocede hacia el pasado. Es claro, que este transcurrir antes de la ocurrencia de la muerte de la mujer, es lo que en verdad le interesa al director. Cómo se llegó a este desenlace, qué ocasionó la tragedia… Por eso, luego de las escenas que nos muestran a la mujer en su lecho de muerte, le vemos con su esposo, en una gran sala, disfrutando de un concierto que presenta uno de sus alumnos destacados. Una imagen que ya es habitual en varios films de Haneke y que tiene el objetivo de involucrarnos, directamente, en la historia. En este momento, pasamos a convertirnos en voyeurs de toda la cotidianidad de Georges y de Anne. Y para que podamos percibir cada uno de los sentimientos que el par de ancianos va experimentando; Haneke hace uso magistral de la cámara, situándola al nivel de nuestra mirada (y de los actores) y conservando un gran respeto por la intimidad de sus personajes, nos hace partícipes de su dolor, de su amor, de su tragedia. La cámara se desplaza lentamente, o permanece estática, como si el tiempo no pasara, incrementando la verosimilitud de esa rutina en la que esta inmerso el matrimonio protagonista.

Veracidad que se verá reforzada por las magistrales y conmovedoras interpretaciones que logran Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva. Ambos dejan claro, a través de la complicidad que surge entre ellos, y de la entrega con la que asumen sus respectivos papeles, todo el bagaje acumulado en su larga trayectoria.

Técnicamente, “Amor” es una película excelentemente bien lograda. Más allá de lo ya dicho sobre el uso de la cámara, Haneke sorprende una vez más, como guionista excelso, lleno de inteligencia para hacer de una historia, por cierto muy sencilla, una verdadera obra de arte.

No obstante que los actores protagonistas cuentan con una trayectoria bastante amplia y que han encarnado los más disímiles personajes, es necesario reconocer que gracias al talento del director, han logrado la excelencia ya mencionada.

En cuanto a la fotografía, en colores agrisados, al igual que el manejo de la iluminación, están perfectamente acordes con el tono y la atmósfera de la historia.

La banda sonora, que no incluye música contribuye a que los silencios, y los sonidos del medio ambiente adquieran una connotación casi protagónica, y sirvan para crear ese ambiente lento, propio de las personas mayores.

“Amor”, una historia de amor que llega a su final, una oda a la lealtad entre dos seres humanos que se aman de verdad, y que Haneke nos presenta de una manera muy personal, conmovedora, llena de ternura. Una verdadera lección de humanismo.

Premios:
2013: Premios Oscar: Mejor Película Extranjera. Nominada a mejor Director, Mejor Actriz Principal y Mejor Película.
2012: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor Película).
2012: Globos de Oro: mejor Película Extranjera.
2012: Premios César: 10 nominaciones, incluyendo Mejor Película.
2012: Premios del Cine Europeo: Mejor Película, Director, Actor y Actriz. 6 nominaciones.
2012: Critics ChoiceAwards: Mejor Película Extranjera. 2 nominaciones.
2012: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor Director y Actriz (Riva).
2012: Independent Spirit Awards: nominada a Mejor Película Extranjera.
2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Película Extranjera.
2012: NationalBoard of Review (NBR): Mejor Película Extranjera.
2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor Película.
2012: Satellite Awards: nominada a Mejor Película Extranjera y Mejor Actriz (Riva).
2012: Premios Guldbagge: Mejor Película Extranjera.

UN REINO BAJO LA LUNA

Por: Mario Arango Escobar.

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Nació en 1969 en Houston, Texas (Estados Unidos). Estudió Filosofía en la Universidad de Texas, donde conoció a Owen Wilson y comenzaron a rodar cortometrajes, uno de esos cortos fue “Ladrón que roba a ladrón” (Bottle Rocket, 1994) en blanco y negro con 13 minutos de duración que participó en el Sundance Film Festival, logrando el apoyo de James L. Brooks para realizar el largometraje de “Ladrón que roba ladrón” (Bottle Rocket) en 1996, historia de unos ladrones se unen para desvalijar al jefe de la banda.

Motivado por su fulgurante debut, Anderson continúa explorando el género de la comedia, y en 1998 realizan “Academia Rushmore” (Rushmore) en la que nos ofrece una reflexión llena de ironía, sobre la juventud y los sueños frustrados.

En el año 2001, dirige “Los Tenenbaums. Una familia de genios” (The Royal Tenenbaums). Historia de un hombre que regresa al seno de su familia, después de muchos años por fuera, fingiendo que sufre cáncer terminal de estómago.

Su siguiente trabajo, “La vida acuática de Steve Zissou” (Life Aquatic with Steve Zissou, 2004), es una comedia coral con ambiente oceanográfico en la cual Anderson rinde un homenaje a Jacques Cousteau.

En el 2007, realiza “Viaje A Darjeeling” (The Darjeeling Limited), comedia dramática donde tres hermanos viajan a la India para reencontrarse con ellos mismos y su madre, un año después del funeral de su padre.

Posteriormente vendría la incursión del director en el género de la animación con “Fantástico Sr. Fox” (Fantastic Mr. Fox, 2010). Un astuto zorro llamado Fox, vive feliz con su esposa y su hijo. Pero en las noches se dedica a robar gallinas y pavos en el vecindario, motivo por el cual los granjeros del lugar deciden cazarlo.

Su último trabajo hasta el momento es “Un reino bajo la luna” (Moonrise Kingdom, 2012) que discutimos en el cineclub.

Wes Anderson está considerado como uno de los cineastas menos convencionales de todos los tiempos. Poseedor de un estilo muy personal, su cine se caracteriza por la inclusión de personajes estrafalarios, el uso de los colores primarios, y un elenco de actores y técnicos que suele trabajar en todas sus películas.

Moonrise-KingdomUN REINO BAJO LA LUNA/MOONRISE KINGDOM. (2012) GÉNERO: COMEDIA-DRAMA. DURACIÓN: 94’. PAÍS: ESTADOS UNIDOS.

Dirección: Wes Anderson. Guión: Roman Coppola, Wes Anderson. Intérpretes : Jared Gilman, Kara Hayward, Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Harvey Keitel. Título original: Moonrise Kingdom. Fotografía: Robert D. Yeoman. Música: Alexandre Desplat.

Sinopsis: verano de 1965. Dos adolescentes deciden escaparse hacia una isla cerca de Nueva Inglaterra, para vivir su sueño de amor. Mientras tanto, la tranquila comunidad donde viven sus familias, está conmocionada por la desaparición de los jóvenes.

Wes Anderson, secundado en el guión por Roman Coppola, nos entrega una película que desde las primeras secuencias nos remite, por su estética, por su elaborada puesta en escena, a los cuentos infantiles. Un recurso narrativo que el director estadounidense utiliza muy acertadamente para hablarnos de los temas que le intrigan: amor, aventura, problemas familiares, soledad…

Dentro de esta narrativa tan personal, el director se aparta de la realidad convencional para crear un universo propio, lleno de fantasía, que el espectador acepta sin oponer resistencia. Los niños de este impecable y evocador film sorprenden por su madurez, contrario a como ocurre con los adultos que les rodean, infantiles e ingenuos. Este hecho está reforzado por el notable reparto de actores ya reconocidos (Edward Norton, Bruce Willis, Bill Murray, Tilda Swinton…), cuyos personajes están todo el tiempo en función de dos actores primerizos, Kara Hayward y Jared Gilman que interpretan a Susy y Sam, los dos jóvenes enamorados que protagonizan, con total solvencia, la historia. Que el relato recaiga sobre los pequeños tiene una explicación: el director quiere mostrar el amor, inscrito en el universo infantil, en el cual priman los sentimientos sobre la razón. Pero también es cierto que esta mirada busca que nosotros, adultos, nos veamos representados, con todos nuestros defectos e hipocresías en los personajes mayores.

De otro lado, para completar de construir este universo mágico, tan propio de los niños, Anderson trastoca las proporciones de los espacios donde viven los personajes; asignando áreas y espacialidades mayores para las estancias donde suelen pasar los pequeños, en contraposición a las habitaciones donde habitan los adultos, que aparecen claustrofóbicas, ya que su tamaño ha sido reducido.

Además de un excelente director de actores, el talento de Anderson queda de manifiesto en su impecable y estético manejo de la cámara, con esos travelling perfectos, los hermosos planos secuencia, y el uso de la cámara lenta. La mayoría de los planos, casi siempre fijos o de suaves movimientos constituyen un verdadero deleite visual.

De igual manera, la estética que el cineasta emplea, habla de un artista consumado, pues elementos como la fotografía, el vestuario, el uso de esos colores pasteles y fríos, el esmerado cuidado en cada composición, hacen que cada encuadre parezca un verdadero cuadro.

Esta estética visual tan lograda, tiene su contrapunto en una banda sonora de gran delicadeza, a cargo Alexandre Desplat. Sorprende la originalidad en las secuencias iniciales y en los créditos del final, donde el uso de la música cumple, además una función didáctica.

Otro elemento a destacar en este evocador film, ese humor muy particular, cercano al absurdo, que impregna todo el metraje y que está en perfecto equilibrio con las situaciones dramáticas que viven los personajes.

“Un reino bajo la luna” es una película sencilla, de argumento nada complicado, que nos sumerge en un universo entrañable y que además, mueve a la reflexión en varias líneas.

Premios:
2012: Oscars: nominada a Mejor Guión Original.
2012: Globos de Oro: nominada a Mejor Película Comedia.
2012: Premios BAFTA: nominada a Mejor Guión Original.
2012: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor Película.
2012: Festival de Cannes: Sección Oficial de Largometrajes.
2012: Premios Gotham: Mejor Película, nominada a Mejor Reparto.
2012: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor Película y Director.
2012: Satellite Awards: nominada a Mejor Película y Mejor Guión Original.
2012: American Film Institute: Top 10 – Mejores Películas del Año.
2012: Premios Guldbagge: nominada a Mejor Película Extranjera.