SED DE VIVIR

Por: Mario Arango Escobar.

Vincente+MinnelliVINCENTE  MINELLI

Nació en Chicago (Estados Unidos) en 1913. Era miembro de una familia de cómicos ambulantes que recorrían Norteamérica actuando donde se presentaba la ocasión.

Siendo un adolescente trabaja como vendedor callejero y se apasiona por la pintura. En el teatro, es fotógrafo, decorador, y realizador hasta 1940.

Debutó como director con el musical “Una cabaña en el cielo” (Cabin in the Sky, 1943). Es la historia de Joe, un jugador profesional que se debate entre dos amores: su esposa y su amante.

Su primer film importante es “Cita en San Luis” (Meet me in Saint Louis), un musical de 1944 que narra la historia de una familia feliz que debe trasladarse desde San Luis, hasta  Nueva York, donde el padre ha conseguido un mejor empleo.

En 1948 realiza una de las obras en la que más se deja entrever su personalidad y su forma de entender el cine: “El pirata” (The Pirate) una película que organiza como una parodia de los filmes de capa y espada, de una forma trepidante y alegre.

“Un americano en París” (An American in Paris, 1951). Terminada la Segunda Guerra Mundial, Jerry Mulligan, un pintor americano, se queda en París y expone sus cuadros en Montparnasse, pero no logra vender ninguno. Un día tiene la suerte de conocer a una americana millonaria que decide promocionarlo.

“Cautivos del mal” (The Bad and the Beautiful, 1952) inaugura la nueva perspectiva del cine de Minnelli. Es un tema que más tarde repetirá, el del cine dentro del cine.

“Sed de vivir” (Lust for Life, 1956). Aproximación a la vida y obra del pintor holandés Vincent Van Gogh. Película presentada en el cineclub, parte del ciclo de biopics de pintores de este semestre.

Con los sesenta se inicia su decadencia, y sólo cabe mencionar “Castillos en la arena” (The Sandpiper, 1965), como su último trabajo de relativa importancia. Laura es una pintora inconformista. No ha querido casarse con el padre de su hijo y no desea someterse a las reglas morales imperantes en la sociedad. Vive con Danny, su hijo de nueve años. El pequeño es detenido por matar a un animal y, como ya había cometido otros pequeños delitos, el juez exige que sea internado en un colegio.

“Nina” (A Matter of Time, 1976). Protagonizada por su hija Liza Minnelli, nos narra la historia de una vieja condesa, famosa por su belleza e inteligencia que vive en total decadencia sus últimos años en un hotel de segunda categoría. Allí conoce a Nina, una joven camarera, que no tarda en convertirse en su mejor amiga y defensora.

Vincente Minnelli falleció mientras dormía el 25 de julio de 1986 en su casa de Beverly Hills, California. Padecía una grave enfermedad respiratoria.

lust-for-life-1956SED DE VIVIR/LUST FOR LIFE (1956). GÉNERO: DRAMA-BIOGRÁFICO. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 123’.

Dirección: Vincente Minnelli. Guión: Norman Corwin (Novela: Irving Stone). Intérpretes: Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Pamela Brown, Everett Sloane, Jill Bennett, Henry Daniell, Niall MacGinnis, Lionel Jeffries. Fotografía: Freddie Young & Russell Harlan. Música: Miklós Rózsa.

Sinopsis: Biopic del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh, que retrata su atormentada vida a partir de su obra, que no es más que un reflejo de la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura. Basado en la novela de Irving Stone.

“Sed de vivir”, nos introduce en la atormentada y trágica existencia de Vincent Van Gogh, y su relación con el mundo del arte. La narración sucede en forma cronológica, de tal manera que inicialmente, acompañaremos a Van Gogh en su papel de pastor evangélico. Posteriormente, le seguiremos por la región minera de Bélgica, donde lo lleva su afán de servir a los más necesitados.

Después de varios intentos fallidos por encontrarle un sentido a su vida, Vincent regresará a su casa en Holanda, donde descubre que la pintura es su verdadera pasión. Allí empezará a trasladar al lienzo o al papel, todo lo que le rodea.  Seremos testigos de su aprendizaje, de sus obsesiones y de sus relaciones familiares, especialmente con su hermano Theo, motor providencial de su obra. Le acompañaremos a su encuentro con los maestros parisinos y su deslumbrante encuentro con el nuevo movimiento, el impresionismo…hasta su trágico final.

Gracias al esmero de Minnelli en la puesta en escena y a su conocimiento de la historia del Arte, somos partícipes de una película que en todo momento es un verdadero placer visual. Es tal la calidad de la ambientación, que toda la película se asemeja a un magnífico cuadro impresionista.

De otro lado, Minelli sorprende en su acertada y preciosa recreación de algunos de los lugares que fueron pintados por Van Gogh, como El café nocturno, El dormitorio del artista, el Sanatorio de Arles…. Lugares que son captados  por una fotografía absolutamente maravillosa. A través de todo el film se percibe un gran trabajo de investigación por parte del director, y esto es evidente en las reproducciones que decoran las paredes y el estudio del insigne pintor.

Uno de los puntos más fuertes de la película es, sin lugar a dudas, el bien elegido elenco de actores protagonistas. Kirk Douglas, en uno de sus mejores trabajos de toda su carrea, interpreta, a la perfección,  a Vincent Van Gogh. Su caracterización logra trasmitirnos toda la angustia, pero también toda la alegría que este artista experimentaba cuando estaba pintando. Anthony Quinn, en el papel de Paul Gaugin, el mejor amigo de Vincent, borda magistralmente su personaje, que le valió el Premio Oscar al mejor actor de reparto. Entre los secundarios, habría que mencionar la más que decorosa participación de James Donald como el noble Theo.

Vincente Minnelli con este magnífica obra, rinde un hermoso y emotivo tributo a uno de los genios indiscutibles de la pintura moderna, a un artista que como Vang Goh,  pese a ser rechazado e incomprendido por la sociedad de su época, se entregó en cuerpo y alma a descubrir el verdadero sentido del arte.

Premios:

1956: Oscar: Mejor actor secundario (Anthony Quinn).

1956: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Kirk Douglas).

Nota: Para acentuar el realismo del film, los más famosos y prestigiosos museos y colecciones de todo el mundo facilitaron los originales de Van Gogh. A partir de ellos, se realizaron fotografías en placas de gran tamaño, de 8x 10 pulgadas. Luego se proyectaron en unas mesas especiales, con tableros traslúcidos, y expertos pintores copiaron, pincelada a pincelada, cada cuadro, logrando reproducciones perfectas.

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(1) Autorretrato. 1887. Óleo sobre lienzo. 41 x 33.5 cm. Wadsworth Atheneum. Hartford Connecticut, U.S.

(2) El café nocturno de Arlés. 1888. Óleo sobre lienzo. 44.4 x 63.2 cm. Colección H. R. Hahnloser. Berna. Suiza.

(3) La habitación de Van Gogh en Arles. 1888-1889. Óleo sobre lienzo. 57 x 74 cm. Museo de Orsay. París.

(4) La casa amarilla. 1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

(5) La llanura “La Crau” cerca de Arles con Montmayour al fondo. 1888. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

(6) Noche estrellada sobre el Ródano. 1888. Óleo sobre lienzo. 72.5 x 92 cm. Museo de Orsay. París. Francia

(7) Trigal. 1888. Óleo sobre lienzo. 50 x 61 cm. Fundación P. y N. de Boer. Amsterdam. Holanda.

(8) Delante del manicomio de Saint-Remy. 1889. Óleo sobre lienzo. 58 x 45 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

(9) Jardín del hospital de Arles. 1889. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm. Colección Oskar Reinhart. Winterthur. Suiza.

(10) Field with Poppies. 1889. Óleo sobre lienzo. 71 x 91 cm.  Kupferstichkabinett Kunsthalle, Bremen. Alemania.

(11) Retrato del Doctor Gachet. 1890. Óleo sobre lienzo. 67 x 56 cm. Colección Privada. Tokyo. Japón. El Dr. Gachet era un famoso médico homeópata que trató a Vincent al final de su vida en Auvers-sur-Oise, localidad a donde fue a vivir el pintor tras el espantoso episodio de la oreja.

(12) Campo de grano con cuervos. 1890. Óleo sobre lienzo. 50,5 x 100,5 cm. Rijksmuseum Vicent Van Gogh. Amsterdam. Holanda.

vincent-van_goghVINCENT VAN GOGH

Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés.

Con 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa “Los comedores de papas” (1885. Museo Vincent Van Gogh. Amsterdam, Holanda), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera.

Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.

En 1886 viaja a París para vivir con su hermano Théo Van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Recibió gran influencia de la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses. En 1888, abandonó la capital francesa para trasladarse al sur de Francia.

Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como “Dormitorio en Arles” (1888, Museo Vincent Van Gogh) y “Noche estrellada” (1889). Para él, todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara; parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arles. Tan sólo les duró dos meses la paz y la armonía ya que después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja.

Pasó algún tiempo internado en un hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers atendido por un médico cordial cuyo retrato pintó (El doctor Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, París). Vincent Van Gogh padeció de muchos problemas físicos debido, en parte, a la pobreza y a la desnutrición.

Inmediatamente después de acabar su inquietante “Cuervos sobre el trigal” (1890, Museo Vincent Van Gogh), se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890. A pesar de su herida se arrastró de vuelta a la casa donde murió dos días después en brazos de su hermano Theo.

Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos.

En 1973, fue inaugurado en Amsterdam, el Museo Vincent Van Gogh.

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RENOIR

Por: Mario Arango Escobar.

unifrance-swings-into-action-for-the-fall-seasonGUILLES BOURDOS

Nació en 1963 en Niza (Francia). Comenzó su carrera en el cine en los años 90 haciendo cortometrajes como “L’éternelle idole” (1989) y “Relâche” (1993) que él mismo escribió y dirigió.

Se inició en el largometraje con “Disparus” (1998), un thriller político ambientado durante el movimiento Surrealista de París, en 1938.

En el año 2003 realizó su siguiente film: “Inquietudes”/ Inquiétudes,  basado en la novela de Ruth Rendell,  “A Sight for Sore Eyes”. Una forma de thriller sobre el encuentro de dos personas extraordinarias.

“Premonición” (Afterward), del año 2011, adaptación de “Et aprés…” del escritor Guillaume Musso.

“Renoir” (2012) es su último trabajo hasta el momento. Esta película la analizaremos en nuestro cineclub.

Renoir2RENOIR (2012). GÉNERO: DRAMA-BIOGRÁFICO. PAÍS: FRANCIA. DURACIÓN: 101’.

Dirección y Guión: Gilles Bourdos. Intérpretes: Michel Bouquet, Romane Bohringer, Thomas Doret, Michèle Gleizer, Vincent Rottiers, Christa Theret. Fotografía: Mark Ping Bing Lee. Música: Alexandre Desplat.

Sinopsis: La película transcurre en el año de 1915 y narra los últimos  días en  la vida del pintor Pierre August Renor, y sus personales reflexiones sobre la vida y el arte.

El film se inicia con la llegada a la casa de la familia Renoir, ubicada en la Costa Azul francesa, de Andrée, una ambiciosa joven que pretende convertirse en modelo del célebre pintor August Renoir. La joven irrumpe en la vida del viejo pintor en un momento muy difícil para él, pues apenas está recuperándose por la pérdida de su esposa, y por la ausencia de sus hijos, a causa de la guerra.

La fresca presencia de Andrée servirá para que la pintura del maestro, aquejado por la enfermedad, tome nuevos aires. De igual manera, una vez que Jean, el segundo hijo de Renoir, regresa del frente de batalla, queda flechado por la bella modelo. Este encuentro será decisivo para que los dos jóvenes encuentren sus caminos. Jean descubrirá, a instancias de André, la pasión por el cine que lo convertirá, con los años, en uno de los grandes directores franceses. La novel modelo se convertirá en actriz, y bajo el nombre de Catherine Hessling, protagonizará las primeras películas de realizador Renoir.

Desde las primeras imágenes Gilles Bourdos nos introduce, con gran acierto, en la atmósfera deslumbrante de los cuadros del célebre pintor impresionista. A este propósito contribuye, magistralmente, el magnífico trabajo fotográfico de Mark Ping Bing Lee, quien pareciera empeñado en plasmar en  cada plano el color y la luz mediterránea que caracterizan la sensual pintura de Renoir.

La atmósfera apacible y tranquila de todo el film esta bellamente reforzada por las notas musicales de Alexandre Desplat, delicadas y exquisitas, que nos sumergen en ese colorido paisaje del sur de Francia, que Renoir insiste en captar fielmente en sus cuadros.

La historia está narrada desde la mirada de Andrée en la primera parte, donde el énfasis está en mostrarnos los últimos años del viejo Renoir, que no obstante sus padecimientos de salud, quiere continuar en su búsqueda artística. Posteriormente, es Jean, una vez regresa de la guerra, quien asume el protagonismo.

Notable la selección y dirección del grupo de actores, entre los que destacan Michel Bouquet, en el memorable personaje de Pierre August Renoir. A través de su interpretación podemos percibir la profunda pasión por el oficio de pintar que siempre estuvo presente en la vida del maestro. Por su parte, Christa Theret en el papel de Andreé, cautiva por la desenvoltura, y sensualidad que le imprime a su personaje. Vincent Rottiers,  encarnando al  joven Jean Renoir, acierta al asumir su rol de manera convincente.

“Renoir” podría ser un homenaje a la pintura y al arte, y de hecho lo es, pero además, la película nos muestra una hermosa actitud del viejo impresionista frente a la vida. August Renoir, en esta versión de Bourdos, se nos presenta como un artista total, que quiere vivir hasta el último instante en función de la pintura.

Otro tema que subyace en la historia, es la relación padre-hijo, que mantiene el viejo Renoir, especialmente con Jean, y que queda plasmada en la inolvidable secuencia de la despedida entre ambos, en la que las miradas hablan del mutuo amor que se profesan.

Para destacar el  plano sublime con el que finaliza el film, y que nos acerca a la forma en la que Augut Renoir concebía la existencia…

PARenoirPIERRE AUGUSTE RENOIR

Nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Hijo de un sastre que trasladó a su familia a París.

Durante su infancia trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas. Con 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes y en 1862 se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley.

En su obra más temprana se pudo observar la influencia de pintores como Monet en su tratamiento de la luz, y de Eugène Delacroix en su tratamiento del color. En 1864 tuvo lugar su primera exhibición en París, pero no fue verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista.

Su baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d’Orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo. Habría que destacar como otros ejemplos de retrato: Madame Charpentier y sus niños (1878, Museo Metropolitano de Nueva York) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en 1883. Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas (Museo de Arte de Filadelfia).

En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó trabajando con un pincel atado al brazo.

Pierre-Auguste Renoir falleció el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes.

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Renoir_MmeCharpentier1878                                                                                                                (2)                                                                                                      

Las grandes bañistas (Las Ninfas)-Renoir                                                                                                                (3)

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(1) Baile del Moulin de la Galette.1876. Museo de Orsay. París.

(2) Madame Charpentier y sus niños.1878, Museo Metropolitano de Nueva York. U.S.

(3) Las grandes bañistas. Óleo sobre lienzo. 1918. Museo de Orsay. París.

(4) Las viñas de Cagnes. 1908. The Brooklyn Museum New York. U.S.

(5) Después del baño. 1888. Óleo sobre lienzo Colección privada. Japón.

(6) Landascape Near Menton. 1883. Museum of Fine Arts. Boston. U.S.

RenoirJEAN RENOIR

(París, 1894 – Beverly Hills, 1979).

Director, guionista, productor cinematográfico y escritor francés. Hijo del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir, Jean es uno de los nombres clave del cine francés y universal. Su vocación se despertó a raíz del descubrimiento, en 1924, de la película de Erich von Stroheim “Esposas frívolas” (1921), cuya impronta será perceptible a lo largo de toda su producción. “La fille de l’eau” (1924) marcó su debut como realizador, aunque su consagración no llegaría hasta “Toni” (1935), precedente directo del neorrealismo por su temática social y su interpretación a cargo de actores no profesionales. Le siguieron dos de sus filmes más célebres, “La gran ilusión” (1937) y “La regla del juego” (1939), manifiesto pacifista la primera, ingeniosa crítica de la sociedad burguesa la segunda.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial obligó a Renoir a buscar refugio en Estados Unidos, donde continuó su carrera. De este período datan títulos como “Esta tierra es mía” (1943) y “La mujer en la playa” (1946). “French can-can” (1955) y “Comida sobre la hierba” (1959) fueron realizados tras su regreso a Francia.

Aclamado por Chaplin como “el director de cine más grande del mundo”, el trabajo de Jean Renoir influyó sobremanera en el desarrollo del cine francés entre 1930 y 1950, antes de abrir la puerta a la Nouvelle Vague.

EL IMPOSTOR

Por: Mario Arango Escobar.

Bart+Layton+TheWrap+Awards+Season+Screening+2uMhnOfQ4CplBART LAYTON

Layton creció en el sur de Londres. Su padre era un escultor, y su madre directora de teatro. Fue ésta última la que lo acercó, desde que era un niño al mundo de la cultura. Layton recuerda haber visto en esta época, en compañía de su madre películas como “Jean De Florette”, un film que lo marcó profundamente, pues según sus palabras “casi que se podía oler”. Sin embargo su mayor y más fuerte recuerdo en relación con una película ocurrió un día, en el cual quería ver un partido de fútbol, y su madre insistió para que pasara de canal y mirara una película. Se trataba de “El golpe” una experiencia que convirtió a Layton en seguidor de Paul Newman y Robert Redford y con ellos terminó aficionándose al cine negro norteamericano más clásico.

The_ImposterEL IMPOSTOR/THE IMPOSTER (2012). GÉNERO: DOCUMENTAL. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN: 99’.

Dirección y guión: Bart Layton. Intérpretes: Ken Appledorn, Debbie Jennings, Adam O’Brian, Anthony Zanlungo. Fotografía: Lynda Hall, Erik Wilson. Música: Anne Nikitin.

Sinopsis: La película narra la increíble historia de Frédéric Bourdin, un embaucador profesional, que decide suplantar la identidad de Nicholas Barclay, un niño de tan sólo 13 años, que desapareció de Texas (Estados Unidos) en 1994.

Las primeras imágenes de la película nos muestran, en medio de una noche lluviosa, a alguien que llama a la policía desde una cabina telefónica. Nos encontramos en España, y al parecer la llamada tiene que ver con Nicholas, anunciando que se ha encontrado a un joven que responde a sus rasgos físicos. Después de que los agentes de seguridad van a rescatar a este muchacho, le ofrecen protección y finalmente informan a su familia, en Estados Unidos.

En Texas, quien recibe el anuncio de la policía española sobre el hallazgo, es la hermana de Nicholas, quien presa de la emoción, da por sentado, de inmediato, que efectivamente se trata de su hermano desaparecido. Con la precaria información que ha recibido, decide emprender el viaje hasta España, para el esperado encuentro.

A partir de este momento, seremos testigos de una historia que se nos hace imposible de creer, y a pesar de esta incredulidad, vamos sumergiéndonos en el relato, totalmente absortos. Cuesta crrer que lo que estamos viendo en pantalla sea producto de un hecho real.

Bart Layton, acierta con una estructura narrativa en la que intercala la propia participación de Fréderic Bourdin (hábil y avezado ladrón de identidades, quien se hará pasar por Nicholas), los testimonios de la propia familia del muchacho desaparecido, con imágenes y noticias de periódicos y construye un falso documental, que posee todo el realismo propio de este género. Es esta propuesta formal, que funciona a la perfección, y gracias a la cual conocemos la verdadera historia desde diferentes puntos de vista, lo que le confiera a la película un ritmo cercano a un thriller exquisito, que no deja margen para que la atención del espectador decaiga.

En medio del gran suspenso que la película posee, nos convertimos en detectives inquietos e impacientes por descubrir, la verdad, pero además, nos adentramos en el ceno de una familia totalmente disfuncional, con un pasado oscuro y que al parecer tiene más de una razón para aceptar, sin mayores problemas, que efectivamente, Nicholas ha regresado.

Para que el film termine acaparando nuestra atención, el director ha contado con un grupo de actores y actrices que no dejan duda de su talento, brindándonos unas interpretaciones absolutamente creíbles.

De otro lado, un excelente montaje, y el uso de una fotografía de colores oscuros, opaca, muy adecuada al ambiente donde sucede la historia, contribuyen poderosamente a darle a la película ese tinte de realismo.

Este prometedor del director Layton, además de la historia que nos cuenta en “El impostor”, nos plantea varias preguntas, sobre el propio protagonista y sobre la familia de Nicholas.

De qué dimensiones es el vacío emocional de un hombre como Frédéric Bourdin que tiene que optar por construirse una identidad y así olvidar su propia historia? ¿Cómo transcurrió la infancia de éste hombre, para que sea obligado a suplantar a otros niños, con tal de sentirse parte de una familia?…

En cuanto a la familia de Nicholas. ¿Qué ocurre al interior de ella para que sin tomarse el trabajo de confrontar la información del supuesto hijo, decidan acogerlo, sin más…? ¿Cuál fue la suerte de Nicholas, que paso con él?…

Premios:                                                                                                                       2012: Premios BAFTA: Mejor Debut Británico. 2 nominaciones.                                    2012: Festival de Miami: Gran Premio del Jurado.                                                        2012: British Independent Film Awards: Mejor Documental, Mejor Ópera Prima.

EN EL AMOR CONFIAMOS

Por: Mario Arango Escobar.

DSC_1493WANG XIAOSHUAI

Nació en 1966 en Shanghai. Estudió en la Academia Central de Bellas Artes de Pekín. Posteriormente complementó sus estudios en la Academia de Cinematografía de Pekín. Después de graduarse, trabajó durante un tiempo en los estudios oficiales de la República Popular China para comenzar luego a trabajar de forma independiente.

Su inicio en la dirección ocurre en 1994, año en el cual dirige “The Days” (Dong-Chun De Rizi), película que narra el final de la relación de una pareja de pintores en la China post-Tiananmen, en la que toda una joven generación empieza a cuestionarse su futuro.

“Frozen” (Jidu hanleng) del año 1997. Es la historia de un artista y pintor, que durante la realización de una de sus “acciones”, decide suicidarse.

“Demasiado cerca del paraíso” (Biandan, guniang, 1999). Dos jóvenes agricultores abandonan el campo en busca de mejores condiciones de vida. Sus caminos toman rumbos diferentes y se ven envueltos en situaciones que los comprometen con las autoridades policiales.

Pero sería “La bicicleta de Pekín” (Shiqi sui de dan che, 2001), la que lo daría a conocer internacionalmente. El film nos cuenta la historia de un joven mensajero a quien la empresa le financia una bicicleta para que pueda cumplir con sus labores. Un día cualquiera la bicicleta desaparece. Después de mucho buscar, encuentra a un joven haciendo uso de ella, y dice haberla comprado. Para solucionar el problema, los dos muchachos deben compartir la bicicleta. La película obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín en el año 2001.

En el año 2005, realiza “Sueños de Shanghai” (Qinghong). Narra el éxodo de muchas familias chinas desde las ciudades a regiones deprimidas del país para impulsar su desarrollo.

“Después de la guerra” (Jeonjaeng geu ihu, 2006). Se trata de tres cortometrajes en torno a la guerra y sus consecuencias.

En el amor confiamos” (Zou you, 2008), película que presentaremos en nuestro cineclub.

“Chongqing Blues” (Rizhao Chongqing, 2010) cuenta la historia de un hombre divorciado que regresa a la ciudad 14 años después de abandonar a su familia, ahí sabrá que su hijo, al que no veía desde hacía diez años, ha sido asesinado por un policía.

11 Flowers (Wo 11, 2011). El film describe la convulsa época previa a la muerte de Mao Zedong a través de la mirada de un niño.

421014“EN EL AMOR CONFIAMOS” / ZOU YOU. (2008). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: CHINA. DURACIÓN 115’.

Dirección y guión: Wang Xiaoshuai. Intérpretes: Liu Weiwei, Zhang Jiayu, Yu Nan, Cheng Kaisheng, Zhang Chuqian. Fotografía: Wu Di. Música: Dou Wei.

Sinopsis: Hehe, es una niña que sufre una rara enfermedad sanguínea. La única posibilidad que hay de salvarla es a través de un trasplante de médula ósea. Sus padres son descartados como posibles donantes, de tal suerte que la única posibilidad es la de que éstos tengan otro hijo. Sin embargo, tanto el padre como la madre viven ahora con parejas diferentes…

En medio del vértigo que caracteriza a la Pekín de hoy, nos encontramos con Mei Zhu, una vendedora de propiedad raíz. Su vida transcurre feliz al lado de su segundo esposo Lao Zie, y de su pequeña hija Hehe.

Un día cualquiera la pequeña niña empieza a presentar una sintomatología que hace que sus padres la lleven al hospital. Allí, después de varios exámenes de laboratorio, le diagnostican una rara enfermedad de la sangre. Para que Hehe sobreviva, es necesario recurrir a un trasplante de médula ósea. Como primeros donantes se presentan los padres biológicos de la niña. Sin embargo, ninguno de ellos logra obtener el visto bueno para dicha intervención.

Mei Zhu, en un último intento por salvar la vida de la pequeña, contempla la posibilidad de tener otro hijo y aprovechar el cordón umbilical para obtener células madre que permitan contrarrestar la enfermedad. Pero para que esta opción sea efectiva, el padre del nuevo niño debe ser el ex-marido de Mei Zhu.

Una vez que Xiao Lu, el padre biológico de Hehe, conoce la situación de la niña, y la propuesta de su antigua esposa, irrumpe en la historia el conflicto, ya que es necesario contar con la aprobación de Dong Fan, la actual compañera de Xiao Lu, quien también anhela convertirse en madre.

A partir de este momento, seremos testigos de la pugna de intereses entre las dos parejas, situación que el guión desarrolla muy acertadamente, y que además permite advertir una muy lograda construcción de personajes.

Además de lo anterior, la historia que vemos en pantalla nos resulta creíble, gracias al tacto con el cual está tratada, y sobre todo al magnífico trabajo de los actores.

Cabe advertir que si bien los cuatro actores protagonistas logran con sobrados méritos su cometido, es Weiwei Liu, en el papel de madre de Hehe, quien lleva sobre sus hombros el peso de la película, logrando momentos de gran intensidad dramática.

Algo que habría que destacar, es la importancia que el director y guionista le concede a los gestos, a las miradas, incluso por encima de los diálogos, pues también hay bastantes silencios en el film. A través de este lenguaje sin palabras, los personajes nos brindan información sobre sus sentimientos y estados de ánimo, y nos permiten conocer el drama que están padeciendo.

“En el amor confiamos” es una película que nos habla de maternidad y de paternidad, de confianza, de amor. De los cambios que ha experimentado la sociedad contemporánea, particularmente en la familia. Una película que permite muchas lecturas, y reflexiones, que nos invita a plantearnos qué haríamos frente a una situación similar.

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Premios: 2008: Festival de Berlín: Oso de Plata al mejor guión.

WELCOME

Por: Mario Arango Escobar.

Philippe_LioretPHILIPPE LIORET

Nació el 10 de Octubre de 1955 en París. Se desempeñó como ingeniero de sonido en varios largometrajes antes de decidirse a debutar en la realización, hecho que ocurre en 1993, cuando dirige “En tránsito”/Tombés du ciel. La película narra la retención forzada, que Arturo, junto con otro grupo de personas, debe soportar en el aeropuerto Charles de Gaulle, el día  de Año Nuevo.

En 1997, nos introduce con “Tenue correcte exigée”, en tono de comedia, en una importante reunión de empresarios de todo el mundo.

En “El desliz”/Mademoiselle (2001), una agente de ventas cuya vida parece resuelta: casada y con dos hijos, un día casualmente conoce a un hombre con  quien sostiene una aventura ocasional.

“No me vengas con historias”/ Pas d’histoires! (2001). Varios directores se unen para realizar una serie de cortometrajes que tienen que ver con el racismo.

En su película “El Extraño”/ L’ Equipier (2004), Camille decide emprender la reparación de la vieja casa de la familia, antes de ponerla en venta. Estando allí encuentra un libro que narra acontecimientos del pasado totalmente desconocidos para ella.

“Je vais bien, ne t’en fais pas” (2006). Después de sus vacaciones, Claire se entera que su hermano se ha ido de la casa, tras haber discutido con su padre. Al cabo de unos días sin sabe nada de su paradero, Claire decide ir en su búsqueda.

“Bienvenido”/Welcome (2009), película que analizaremos en nuestro cineclub.

“Toutes nos envíes” (2011) aguda crítica a la actual modalidad de “prestamos fáciles”, que ofrecen las entidades financieras.

welcome_hautWELCOME (2009.) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: FRANCIA. DURACIÓN: 110’.

Dirección: Philippe Lioret. Guión: Philippe Lioret, Emmanuel Courcol, Olivier Adam. Intérpretes: Vincent Lindon, Firat Ayverdi, Audrey Dana, Patrick Ligardes, Thierry Godard, Selim Akgül, Firat Celik, Murat Subasi, Olivier Rabourdin, Yannick Renier, Derya Ayverdi. Fotografía: Laurent Dailland. Música: Nicola Piovani, Wojciech Kilar, Armand Amar.

Sinopsis: cuenta la historia de un joven de origen kurdo-iraní,  que ha recorrido todo Oriente Próximo hasta llegar a Francia. Está empeñado en reunirse con su novia que vive en Inglaterra. Sin embargo su condición de ilegal le impide cumplir con su  sueño, y debe buscar una forma nada convencional de cruzar el Canal de la Mancha.

Philippe Lioret nos presenta una historia sencilla, que aborda el tema de la inmigración con dos historias de amor que corren paralelas: la de Balil (Firat Ayverdi), el joven que busca reunirse con su amada, y la del profesor de natación Simon Calmat (Vincent Lindon)  que sufre la reciente separación de su esposa.

Inicialmente, entre Balil y Simon hay una gran distancia, pero a  medida que el metraje avanza nace entre ellos sentimientos de gran amistad, comprensión y complicidad. Y será esta relación la que le imprima cuerpo y emotividad a la historia.

Para Vincent, el entrenador de natación, la llegada a su vida del joven kurdo, es crucial  para superar la pérdida de su mujer, pero al mismo tiempo, la pasión del muchacho, su tenacidad por encontrarse con su novia, venciendo todos los obstáculos, le permitirá valorar lo que significa el verdadero amor. El sueño de Balil se convertirá en el mejor pretexto para seguir adelante.

Para Balil, la mano que Vincent le tiende, es definitiva para lograr su sueño, para compensar ese desamparo que significa ser ilegal en un país como Francia.

El cineasta francés, que también participa en la escritura del guión, da muestra de su talento al enlazar las dos historias de amor con una problemática actual como lo es la situación de los inmigrantes ilegales en Europa. Su mirada crítica es evidente frente a las políticas estatales. Recordemos la escena en la cual Simon apaga el televisor cuando Sarkozy pronuncia un discurso alusivo al tema. Igualmente aguda es la crítica que el film hace al sistema policial y a ciertas costumbres islámicas.

“Welcome” logra que el espectador se involucre emocionalmente con los personajes, gracias a una muy esmerada construcción de los personajes, a una lograda interpretación por parte del grupo de actores y a la magnífica dirección de éstos. En este apartado, es menester mencionar a Vincent Lindon, quien logra con una actuación contenida, perfilar un personaje verosímil, lleno de matices, cercano al espectador. Por su parte, el trabajo actoral  de Firat Ayverdi, en el papel de Balil, merece todo el reconocimiento, pues tratándose de un actor no profesional, logra un personaje lleno de intensidad y naturalidad, trasmitiendo al espectador ese sentimiento de desamparo y el deseo de  vencer todos los obstáculos.

En el apartado técnico, destaco el realismo en la fotografía, a cargo de Laurent Dailland, que en base a tonos fríos y grises, compone una atmósfera acorde con la historia. Por su parte la música, del notable compositor Nicola Piovani, consigue a base de magistrales acordes de piano, reforzar ese tono nostálgico y melancólico que acompaña todo el metraje.

En definitiva, “Welcome”, es una película que nos acerca a un drama de palpitante actualidad como lo es el que deben padecer miles y miles de personas en todo el mundo, que buscando el amor o la realización de sueños imposibles, deben enfrentarse al sufrimiento que implica ser extranjero en tierra extraña.

Premios:                                                                                                                       2009: Festival de Berlín – Sección Panorama: Premio Label Europa Cinemas.              2009: Festival de Gijón: Mejor Guión.                                                                            2009: Premios César: 10 nominaciones incluyendo a Mejor Película.