UNA PISTOLA EN CADA MANO

Por: Mario Arango Escobar.

CESC GAY

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Nació en 1967 en Barcelona. Estudia cine en la Escuela Municipal de Audiovisuales de Barcelona.

Debuta como director en 1998 con “Hotel Room”. La historia describe diferentes situaciones absurdas, ambientadas en una habitación de un hotel de Nueva York.

“Krámpack” (2000). Dani, pasa las vacaciones de verano en una casa de la costa. Cuando sus padres se van de viaje, se queda en compañía de su amigo Nico. Pese a la vigilancia de la asistenta y de su profesora de inglés, los amigos aprovechan la situación para meterse de lleno en la vida del pueblo. Así conocen a dos chicas con las que dan los primeros pasos hacia la vida adulta.

“En la ciudad” (2003). Un grupo de amigos de Barcelona se reúnen casi a diario, pero su amistad es sólo aparente; de hecho, ninguno de ellos conoce a fondo la vida de los demás. La película relata la vida íntima y secreta de cada uno de los personajes, sus sentimientos y deseos más inconfesables.

“Ficción” (2003). Un director de cine tímido e introvertido, intenta terminar su último guión. Con este propósito decide alejarse unos días de su familia e ir a los Pirineos en busca de calma e inspiración. En el pueblo en el que se aloja conoce a Mónica, una violinista que está de vacaciones en casa de una amiga. El amor surge entre ellos, pero se verán obligados a reprimir sus sentimientos.

“Una pistola en cada mano” (2012). Película que presentamos en nuestro cineclub.

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UNA PISTOLA EN CADA MANO (2012). GÉNERO: PELÍCULA DE EPISODIOS. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 95’.

Dirección: Cesc Gay. Guión: Cesc Gay, Tomás Aragay. Intérpretes: Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Leonor Watling, Eduardo Noriega, Leonardo Sbaraglia, Candela Peña, Eduard Fernández, Alberto San Juan, Cayetana Guillén Cuervo, Jordi Mollà, Clara Segura. Fotografía: Andreu Rebés. Música: Jordi Prats.

Sinopsis: En tono de comedia, la película presenta una radiografía sobre ocho hombres cuyas edades bordean los cuarenta años. Hombres que sufren la crisis propia de la edad, y que andan en busca de una nueva identidad. Al parecer, ninguno de ellos ha logrado una vida plena y feliz…

Con una narrativa bastante inteligente, Cesc Gay logra, a través de cinco historias que podríamos ver como independientes, hablarnos de un tema que las cohesiona: la soledad. Cada uno de los fragmentos del film nos presenta a unos personajes que comparten algún tipo de fracaso, y de esta manera, el director nos plantea, con agilidad y buenas dosis de humor, una reflexión bien interesante sobre la naturaleza humana.

Es evidente que al director le interesa, en todo momento, ofrecer una mirada franca y humanizada, casi afectuosa, de sus personajes. En este sentido los hombres que protagonizan esta historia, no obedecen a ningún estereotipo de lo que se entiende por masculino. Y nos presenta como seres capaces de llorar, de sufrir, de pedir perdón. Seres débiles, necesitados de cariño y comprensión…

Algo que destaca en el guión es la importancia que tiene aquello que no se dice de forma directa, y que simplemente se sugiere. Un recurso estilístico bastante expresivo y efectivo. En estos espacios “no dichos”, estriba uno de los fuertes de “Una pistola en cada mano”, ya que permiten que el espectador asuma una postura activa, y los rellene por su cuenta…

Excelente la dirección de actores, (algo que distingue la filmografía del director español). Si bien el reparto de la película que nos ocupa es excepcional, Gay, lo aprovecha al máximo. El buen desempeño de la mayoría de los actores y actrices, contribuye a la credibilidad de la historia. Para mí, sobresalientes la interpretaciones de Ricardo Darín, Luis Tosar y Candela Peña (Mamen).

En el apartado técnico. La fotografía a cargo de Andrés Rebés, que cuida cada plano, y cada detalle. En cuanto a la música, compuesta por Jordi Prats, es un personaje más, y contribuye a subrayar cada uno de los duelos interpretativos que conforman el film.
“Una pistola en cada mano”, una comedia sarcástica, que nos permite, de la mano de un director inteligente, adentrarnos en el universo masculino y sus debilidades, cuando se deja atrás la juventud…

Premios:

2012: Premios Goya: Mejor Actriz de Reparto (Candela Peña).
2012: 4 Premios Gaudí, incluyendo Mejor Film en Otra Lengua.

DE TAL PADRE, TAL HIJO

Por: Mario Arango Escobar.

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HIROKAZU KORE-EDA

Nació en 1962 en Tokio (Japón). Estudió literatura en la Universidad de Waseda. Después de concluir sus estudios, trabaja como asistente de dirección de documentales para TV de su país.

Su primer largometraje “Maboroshi No Hikari” (1995). La soledad, el amor y la muerte se reflejan en esta historia de dos jóvenes que, después de casarse, él muere arrollado por un tren.

“Después de la vida / Wandafuru raifu” (1998). A mitad de camino entre el Cielo y la Tierra, los que acaban de morir son recibidos por unos guías que les ayudan a examinar sus recuerdos con el fin de rememorar un momento decisivo de sus vidas.

“Distancia / Distance” (2001). Los secuaces de “El arca de la verdad”, una secta apocalíptica, provocan una masacre que deja más de cien muertos. Tres años después, los familiares de los asesinos se reúnen en el lago donde vivían las víctimas, para conmemorar su muerte.

“Nadie sabe / Dare mo shiranai” (2004). Cuatro niños, hijos de distinto padre, viven felices con su madre en Tokio. Un buen día, la madre desaparece dejando algo de dinero y una nota en la que encarga al hijo mayor que se ocupe de sus hermanos.

“Hana” (2006), narra una historia de venganza con samuráis en el siglo XVIII.

“Caminando/ Aruitemo, Aruitemo” (2008) se centra en una reunión familiar a causa del aniversario de la muerte trágica de uno de sus miembros, el amor se mezcla con el rencor y todos guardan algún secreto.

“Air Doll” (2009). Película que trata de una muñeca hinchable que toma vida, abandona el hogar del hombre que le cuidaba y la utilizaba sexualmente, y encuentra el amor en la figura de un trabajador de un videoclub.

En “Milagro /Kiseki” (2011), dos hermanos separados tras el divorcio de sus padres intentan juntar a su familia.
“De tal padre, tal hijo / Soshite chichi ni Naru” (2013). Película que presentamos en nuestro cineclub.

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DE TAL PADRE, TAL HIJO/ SOSHITE CHICHI NI NARU (2013). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: JAPÓN. DURACIÓN: 120’.

Dirección y guión: Hirokazu Kore-eda. Intérpretes: Masaharu Fukuyama, Yôko Maki, Jun Kunimura, Machiko Ono, Lily Franky. Fotografía: Mikiya Takimoto.

Sinopsis: Dos felices parejas reciben, con sorpresa, la noticia de que al momento del nacimiento de uno de sus hijos, una enfermera aquejada de trastornos mentales, intercambió las criaturas. En consecuencia, después de seis años descubren que el hijo que amaban como tal, no lo es.

De nuevo, Kore-eda, hablándonos de lo que siempre ha sido uno de sus intereses (presente en casi toda su filmografía), la familia. En esta oportunidad, aguza su sentido de observación, y nos entrega una historia que sugiere varias lecturas.
Durante la primera hora del film, el director nos entrega toda la información sobre las familias implicadas en la historia, y cómo reaccionan ante la nueva realidad. De esta forma conocemos sus diferencias socio-económicas y culturales. Uno de los padres es un destacado arquitecto que vive preso en el mundo de los negocios y con muy poco tiempo para su familia. El otro, por el contrario, es propietario de un modesto negocio, pero disfruta y comparte gran parte de su tiempo con sus hijos y su mujer.

El tono didáctico que Kore-eda quiere imprimir a su film, se advierte desde el principio, y de manera muy hábil, evita el sentimiento fácil, no obstante las escenas conmovedoras que abundan en la película. El interés del director parece centrarse en plantear una reflexión sobre lo que realmente significa ser padre. Y lo hace con una gran dosis de poesía y de comprensión para con los personajes.

Visualmente, es un film impecable, con una fotografía, realista, y preciosa a cargo de Mikiya Takimoto. Imágenes que están perfectamente acompañadas por una banda sonora que refuerza el tono emotivo de la historia.
El grupo de actores, magnífico. Los adultos, con unas interpretaciones totalmente creíbles, conforman un retrato cercano de unos personajes que sufren. En cuanto al desempeño de los niños actores, Kore-eda, nuevamente se luce como director y logra unas interpretaciones frescas y tiernas que llegan al corazón.

“De tal padre, tal hijo”, una película que bajo el pretexto de un intercambio de recién nacidos nos plantea una interesante discusión sobre los lazos que, en definitiva, configuran la paternidad. Acaso es más fuerte el afecto que la genética…?

Premios:                                                                                                                           2013: Festival de Cannes: Premio del Jurado.                                                                 2013: Festival de San Sebastián: Premio del Público.

 

OH BOY

Por: Mario Arango Escobar.

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JAN OLE GERSTER

Nació en 1978 en Hagen (Alemania). Se inició como realizador de videoclips y fue asistente de Wolfgang Becker en su película “Good bye, Lenin!”.

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OH BOY. (2012). GÉNERO: DRAMA SOCIAL. PAÍS: ALEMANIA. DURACIÓN: 83’.

Dirección y guión: Jan Ole Gerster. Intérpretes: Tom Schilling, Marc Hosemann, Friederike Kempter, Justus von Dohnányi, Michael Gwisdek, Katharina Schüttler, Arnd Klawitter, Martin Brambach, Andreas Schröders, Ulrich Noethen, Frederick Lau, Steffen C. Jürgens. Fotografía: Philipp Kirsamer. Música: The Major Minors, Cherilyn MacNeil.

Sinopsis: La película nos introduce en un día en la vida de Niko, un joven que ha abandonado sus estudios universitarios y termina vagando sin rumbo por las calles de Berlín. Ópera prima del director y guionista Jan Ole Gerster.

Desde los créditos que abren la película, el novel director alemán nos depara una interesante sorpresa. La música de jazz que suena, antes de que aparezcan las primeras imágenes nos recuerda al cine de Woody Allen. Minutos después vemos algunos planos de Berlín que evocan al “Manhattan” del director newyorkino. Pero esto es solo un anticipo de lo que veremos más adelante, pues “Oh Boy”, es un compendio de referencias al cine de los maestros. A los pioneros del cine mudo, y a la Nouvelle Vague en general y a Truffaut en particular.

La historia comienza una mañana en la que Niko, (Tom Schilling) se despide de su novia, con la que ha pasado la noche. Con esta escena, el director nos quiere mostrar que el joven rompe con su pasado. Porque Niko, al contrario de quienes le rodean (de esa sociedad alemana, anclada en el pretérito) está en el presente. Y en esta oposición entre pasado y presente se apoya toda la película, para mostrarnos el contraste entre la apertura del joven hacia la vida y una sociedad cerrada, apegada al pasado.
Seguidamente seremos testigos del deambular de Niko por las calles berlinesas, sin rumbo, viviendo una serie de situaciones extrañas, compartiendo con personajes diversos y pintorescos. El film no nos cuenta nada trascendente. Ni de Niko ni de los personajes que encuentra…

Para resaltar, el bien estructurado guión, también autoría del Gerster, que privilegia la espontaneidad de la historia, en la que drama y comedia conviven en equilibrio perfecto.

Sin lugar a duda, uno de los puntos fuertes de la película está en su extraordinaria fotografía a cargo de Philipp Kirsamer, en un blanco y negro maravillosos, lleno de evocaciones, que denotan el gusto estético del director germano.

Otro elemento para tener en cuenta es la bellísima banda sonora, donde destacan los acordes de piano, que además de acompañar las imágenes, sirve como catalizador perfecto para las emociones.

El peso de la película, indiscutiblemente recae sobre el actor protagonista Tom Schilling, quien nos brinda una actuación intimista, llena de matices, llenando su personaje con esa sensación de fracaso y desesperanza que experimenta Niko.

“Oh Boy”, una interesante muestra del nuevo cine alemán, que a través de un joven perdido, retrata la actual sociedad germánica y europea y su pérdida de valores, de interés y de futuro.

Premios:
2012: 6 Premios del Cine Alemán: incluyendo Mejor Película, Director y Guión.
2013: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery. 3 nominaciones, incluyendo Mejor Película.
2013: Festival de Sofía: Mejor Película.

AGOSTO

Por: Mario Arango Escobar.

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JOHN WELLS

Nació en 1957 en Virginia (Estados Unidos). Se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Carnegie-Mellon en Pittsburgh. Posteriormente obtuvo una licenciatura en cine y televisión de la Universidad de California del Sur.

El trabajo más importante de Wells ha sido en el medio televisivo, como creador y productor de series, obteniendo varios reconocimientos internacionales.

Debuta en la dirección cinematográfica con la película “The Company Men” (2010). El momento de crisis de una empresa, que implica despidos masivos, hace que Bobby, un hombre con una vida estable, replantee sus papel como esposo y padre.

Su siguiente trabajo en la gran pantalla sería Agosto / August:Osage County (2013). Película que presentamos en nuestro cineclub.

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AGOSTO / AUGUST: OSAGE COUNTY (2013). GÉNERO:DRAMA-COMEDIA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 121’.

Dirección: John Wells. Guión: Tracy Letts (Obra: Tracy Letts). Intérpretes: Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Chris Cooper, Abigail Breslin, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Margo Martindale, Dermot Mulroney, Sam Shepard, Misty Upham, Julianne Nicholson. Fotografía: Adriano Goldman. Música: Gustavo Santaolalla.

Sinopsis: Violet y Beverly, después de muchos años de vida en común, se mantienen unidos a fuerza de la costumbre. Un día cualquiera, Beverly desaparece sin previo aviso. Este hecho inesperado propicia el encuentro familiar…y será el momento para que muchos secretos se revelen…

John Wells adapta la obra de teatro “August: Osage County” del dramaturgo Tracy Letts, que obtuvo el Premio Pulitzer en el año 2008.

Con una frase de T.S. Elliot “La vida es muy larga” y con una panorámica de la árida Oklahoma nos recibe Beverly Weston (Sam Shepard) a su desdichada existencia, que apenas soporta, gracias al alcohol. A su lado nos encontramos con Violet (Meryl Streep), su esposa, que vive a expensas de pastillas para aliviar los dolores producidos por el cáncer de boca que padece.

Sorpresivamente, un día Beverly desaparece sin dejar ningún rastro. Ante la ausencia de su esposo, Violet decide convocar a sus tres hijas para que vengan en su ayuda. Días después, la policía le anuncia que Beverly ha sido encontrado ahogado en un lago cercano. Con motivo del funeral, otros miembros de la familia se reúnen. Este reencuentro con hermanos y primos, pondrá de presente viejas rencillas, celos y secretos que estaban ocultos. A partir de este momento la historia pasa de comedia negra a un drama totalmente ácido.

Wells construye su película respetando totalmente el legado teatral de la obra, y lo transporta con solvencia y conocimiento del oficio y del lenguaje cinematográfico, a la gran pantalla. Su mérito estriba en que una vez que surge la trama, la deja avanzar a través de la palabra y del trabajo actoral.

Y es en el apartado actoral, en el que “Agosto” se erige como una obra notable. Si bien Meryl Streep y Julia Roberts, acaparan todos los reconocimientos por unas actuaciones que confirman con creces sus dotes interpretativas, no podemos desconocer al grupo de actores secundarios, que con su desempeño extraordinario, contribuye al lucimiento de las dos grandes estrellas. Para recordar, la escena de la cena familiar…imperdible!!

En cuanto al apartado técnico, decir que la película cuenta con una cuidadosa puesta en escena, fotografía realista y cálida. La banda sonora, a cargo de Gustavo Santaolalla acompaña perfectamente la historia y refuerza el tono dramático de algunas secuencias.
Con “Agosto”, Wells realiza una punzante mirada sobre la familia típica norteamericana, encerrada en sus trampas morales, y en su estilo de vida, carente de fundamentos éticos fuertes. Una película sin mucho espacio para la esperanza…

Premios 2013:

Oscar: 2 nominaciones: Mejor actriz (Streep) y Actriz Secundaria (Roberts).            Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor actriz (Streep) y Actriz Secundaria (Roberts).  Premios BAFTA: Nominada a Mejor Actriz Secundaria (Julia Roberts).                      Festival de Toronto (TIFF): Nominada al Premio del Público (Mejor Película).

LOS NIÑOS DEL CURA

Po: Mario Arango Escobar.

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VINKO BRESAN

Nació en 1964 en Zagreb (Croacia). Estudió Filosofía y Literatura Comparada en la Universidad de Zagreb. En la misma universidad se formó en Dirección de Cine y Televisión. Como estudiante, fue galardonado con el premio debutante Oberhausen por su cortometraje “NASA burza” (“Nuestra Bolsa de Valores”) en 1988.

Su primer largometraje “Como se inició la guerra en mi isla” / Kako je poceo rat na mom otoku (1996). Croacia declara su independencia. Para agilizar la salida del ejército yugoslavo de su pequeña isla, los lugareños montan un escenario para hostigar al comandante Aleksa mediante canciones y recitales. Éste, amenaza con volarlo todo haciendo explotar el depósito de munición.

Alcanzó el reconocimiento internacional con “El espíritu del Mariscal Tito” / Marsal (1999). En una pequeña isla de la costa de Croacia, durante el entierro de un viejo veterano comunista, aparece el fantasma del mariscal Tito. Las noticias de este acontecimiento asombroso se esparcen por el continente y pronto la isla es invadida por los viejos veteranos, agentes secretos, policías, nacionalistas… El alcalde, que es también el dueño del único hotel en la isla, decide fomentar el “turismo espiritual socialista”, mientras que los viejos partidarios reabren el viejo Museo de la Revolución Socialista y sacan el polvo de sus viejos uniformes. Mención Especial en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2000 Mejor Director en el Karlovy Vary International Film Festival.

“Testigos” / Svjedoci (2003). Es el año 1992 en Croacia, en una pequeña ciudad cercana a la frontera con Bosnia. En mitad de la noche, se comete un asesinato, resultando muerto el único vecino serbio de la localidad. El jefe de la policía local, una periodista y un ex combatiente que acaba de enterrar a su padre son los únicos que parecen interesados en el caso, pues para el resto de la población no es más que un “acto de guerra” y tratan de persuadirles para que dejen sus investigaciones…

“Will Not Stop There” / Nije kraj (2008). Martin, un ex-francotirador de la milicia croata es ahora detective privado. Está buscando a una actriz porno que protagonizó la famosa “Caperucita roja”. Para encontrarla, recurre al Lobo de aquella película, Djuro, un famoso actor porno gitano, que a su vez es el narrador de la película.
“Los niños del cura” / Svecenikova djeca 2013. Película presentada en nuestro cineclub.

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LOS NIÑOS DEL CURA/ SVECENIKOVA DJECA (2013). GÉNERO: COMEDIA-DRAMA. PAÍS: CROACIA. DURACIÓN: 93’.
Dirección: Vinko Bresan. Guión: Vinko Bresan, Mate Matisic. Intérpretes: Kresimir Mikic, Niksa Butijer, Marija Skaricic, Drazen Kuhn, Goran Bogdan, Zdenko Botic, Ivan Brkic, Filip Detelic, Jadranka Djokic, Lana Huzjak, Tihana Lazovic, Stjepan Peric, Lazar Ristovski. Fotografía: Mirko Pivcevic. Música: Mate Matisic.

Sinopsis: Un joven cura llega a una pequeña isla del mar Adríatico. Al poco tiempo se entera de la poca natalidad del pueblo. Para aumentar los nacimientos, se confabula con el farmacéutico y el vendedor de un quiosko, y entre los tres deciden agujerear los preservativos antes de venderlos.

Vinko Bresan, nos sorprende con una película fresca y amable, en la que podemos ver y sentir la presencia del mejor cine de Kusturica. Como el gran maestro serbio, Bresan, que también es autor del guión, construye su película apoyándose en una narrativa donde los elementos costumbristas se imponen.

Con un ritmo bastante apropiado al tono hilarante de la historia, el director croata nos introduce en la vida del cura y de sus feligreses. Y de esta manera nos enteramos, al detalle, de todo lo que ocurre en el pueblo y de cómo transcurre hasta la vida íntima de cada uno de los habitantes.

Pero lo más destacable de “Los niños del cura”, es que no se queda sólo en una historia cómica. Bresan, muy hábilmente, introduce, a la par del fino humor, una crítica punzante sobre la Iglesia, particularmente sobre lo que tiene que ver con el control de la natalidad, la pedofilia, y los manejos burocráticos del Clero.

Aparte de los aspectos religiosos, la película también plantea la reflexión sobre temas más diversos como el concepto de la paternidad y la importancia que tiene para todo hombre verse realizado en este a aspecto.

Otro de los tópicos que el film trata, así sea de manera tangencial, pero también con gran humor, es el conflicto existente entre los pueblos balcánicos.

En resumen, “Los niños del cura”, una película sencilla, sin grandes alardes técnicos, y con una narrativa que la hace universal, es, un film que acierta en la crítica social. Una muestra de cine independiente que vale la pena mirar.