JULIA

Por: Mario Arango Escobar.

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FRED ZINNEMANN

Nació en 1907 en Viena (Austria). Murió en Londres, en 1997. Hombre de enorme bagaje cultural, en parte logrado durante su etapa de formación como estudiante en Viena. Se interesó por la música, la escritura, la abogacía y el cine. Estudió violín con el objetivo de convertirse en profesional, y más tarde derecho, hasta que su contacto con el cine le hizo dedicarse por completo a este arte.

Sus primeros contactos con la industria cinematográfica se produjeron en el terreno del documental mudo, lo que marcaría su posterior trayectoria con el gusto por el detalle y la perfección de las imágenes. En 1927 se trasladaría a París, donde estudió un año en la Escuela Técnica de Fotografía y Cinematografía, y de regreso a Berlín entraría a trabajar como ayudante de operador a las órdenes de algunos de los realizadores más famosos del momento.

El ascenso al poder del régimen nazi y la aparición del cine sonoro le llevaron a emigrar a los Estados Unidos. Se instaló en Hollywood, donde trabajó como extra para lograr después el ascenso profesional hasta convertirse en ayudante de dirección.

Su debut como director se produjo en 1935 con “Redes”, un documental sobre un grupo de pescadores mexicanos.

Su primer film de ficción sería: “Ojos en la noche”/ Eyes in the Night (1942). Un detective ciego, intenta ayudar a su amiga Norma, que está preocupada porque un antiguo novio está enamorado de su hija de 17 años. Cuando el tipo aparece asesinado, Norma se convierte en la principal sospechosa.

“La séptima cruz”/ The Seventh Cross (1944). En los años previos a la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), siete prisioneros consiguen escapar de un campo de concentración nazi.

“Hombres” / The Men (1950), Película sobre la difícil reincorporación a la vida civil de los soldados parapléjicos a causa de las heridas recibidas en la guerra.

“Sólo ante el peligro”/ High Noon (1952). Western psicológico sobre un hombre que debe hacer frente, el día de su boda, a unos peligrosos bandidos ante la manifiesta insolidaridad y miedo de sus vecinos.

“De aquí a la eternindad” / From Here to Eternity (1953). En esta clásica, aunque brutal obra sobre la vida militar, Jones describe la audacia, la pasión y los sentimientos extremos que caracterizan la existencia de hombres y mujeres sometidos a códigos rigurosos pero nunca expresados.

“Historia de una monja”/ The Nun’s Story (1959). Una joven ingresa como novicia en un convento. Ya como hermana, es enviada al Congo a trabajar como enfermera en una misión, aunque en realidad  será destinada a un hospital para blancos, como ayudante de un cirujano.

“Un hombre para la eternidad” / A Man for All Seasons (1966). Película que narra el conflicto religioso entre Tomás Moro y Enrique VIII.

“Chacal” / The Day of the Jackal (1973). Chacal, un prestigioso asesino a sueldo, ha sido contratado para llevar a cabo una arriesgada misión: asesinar al Presidente de la República Francesa, el general Charles De Gaulle.

“Julia” (1977), película que presentamos en nuestro cineclub.

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JULIA (1977). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 118’.

Dirección: Fred Zinnemann. Guión: Alvin Sargent (Autobiografía: Lillian Hellman).Intépretes: Jane Fonda, Jason Robards, Vanessa Redgrave, Meryl Streep, Maximilian Schell, Hal Holbrook, Dora Doll, Rosemary Murphy. Fotografía: Douglas Slocombe. Música: Georges Delerue.

Sinopsis: En los años 20, la escritora norteamericana Lillian Hellman conoce a Julia, la hija de una acaudalada familia escocesa. Entre ellas surge una profunda amistad, pero se ven obligadas a separarse en plena adolescencia. Mientras que Julia se va a estudiar a Oxford y Viena, donde es discípula de Freud, Lily se convierte en una famosa escritora…

Lilian Hellmann,  escritora norteamericana de origen judío, escribió en 1973 un relato autobiográfico titulado “Pentimento”. A partir de uno de sus capítulos, Fred Zinnemann se inspiró para realizar la película “Julia”.

El film se inicia con la voz en off de la propia Hellman, explicándonos cómo será contada la historia. La mujer nos comparte el recuerdo de algunos de los momentos de su vida, especialmente los que tienen que ver con esa amiga inolvidable, Julia, y con el también escritor, Dashiell Hammett, que fue su compañero durante muchos años.

Así mismo, nos aclara el significado de la palabra pentimento, término que se usa en pintura para hablar de las modificaciones que un cuadro puede sufrir cuando el artista realiza su trabajo: “se arrepiente”, y cubre lo hecho con otra figura o color.

Seguidamente, en un muy bien logrado flashback, la historia nos lleva a la infancia y la adolescencia de las dos mujeres. Julia, para ese entonces, ya demuestra su sensibilidad social, que la acompañará en su madurez y que la hace rechazar a su opulenta familia para dedicarse a luchar contra el fascismo. Lilian, por su parte, empieza a orientarse hacia la literatura. Dos mujeres totalmente diferentes, pero que se complementan. Julia es independiente, autónoma, segura e idealista en contraste, Lilian es frágil, dependiente, reflexiva e insegura.

La narración, que se apoya en un excelente guión, se desarrolla pausadamente, y con un tono lleno de melancolía e intimidad. Hay un perfecto equilibrio entre las primeras imágenes, alegres, y despreocupadas, (alusivas a los años de infancia), y otras, llenas de tensión y drama, como las del viaje de Lilian en el tren, o las que muestran a Julia como activista política. La historia ocurre en Estados Unidos (Nueva Inglaterra), París, Viena, Berlín y Moscú, entre 1926 y 1973.

Sobresaliente la ambientación. Impecable la puesta en escena y la recreación de época, que está cuidada con total esmero. Especial mención para el gran trabajo de vestuario.

La banda sonora, a cargo de Georges Delerue, incluye melodías que refuerzan la expresividad de algunas escenas. Llama la atención el fragmento de “La cucaracha”, bellamente interpretado. Hermoso el homenaje que el director le brinda a su ciudad natal, Viena, a través de las notas de violín.

En cuanto a la fotografía de Douglas Slocombe, nos brinda imágenes de una gran belleza, destacando en primeros planos los rostros de las dos protagonistas, como una especie también de homenaje a estas grandes divas.

Acertado trabajo de Zinnemann en lo que tiene que ver con la dirección de actrices en este caso,  con dos interpretaciones soberbias a cargo de Vanessa Redgrave, encarnando memorablemente a Julia. Jane Fonda, por su parte, se roba la pantalla en uno de sus mejores roles de toda su carrera, haciendo de la escritora norteamericana.

Algunas secuencias para el recuerdo. El viaje que realiza Lilian en tren, desde Francia hacia Moscú, lleno de tensión dramática y suspenso. Y por supuesto, el emotivo encuentro de las dos amigas en Moscú.

Con “Julia”, Zinnemann nos ofrece, además de una reflexión hermosa sobre la verdadera amistad, una obra paradigmática del buen cine. Imperdible!!!!

Premios:

1978: Premios César: Nominada a mejor película extranjera.

1977: 3 Oscars: guión adaptado, actor sec. (Robards) y actriz sec. (Redgrave). 11 nom.

1977: 2 Globos de Oro: Actriz (Fonda) y actiz sec. (Redgrave). 7 nominaciones.

1977: Premios BAFTA: Mejor película.

1977: Premios David di Donatello: Mejor actriz extranjera (Jane Fonda).

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ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE

Por: Mario Arango Escobar.

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SIDNEY LUMET

Nació en 1924, en Filadelfia (Estados Unidos). Sus padres fueron el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus.

En el año 1947 crea uno de los primeros talleres Off-Broadway donde se realizan espectáculos de vanguardia. Lumet hizo su debut detrás de la cámara al principio de la década de 1950 como director de televisión en la CBS.

Comienza en el cine con “Doce hombres sin piedad”/12 Angry Men (1957). Un grupo de miembros de un jurado recibe el encargo de juzgar a un adolescente acusado de haber matado a su padre. De los doce miembros, once están convencidos de que el acusado es culpable de asesinato. Pero el duodécimo no tiene ninguna duda sobre su inocencia. ¿Cómo puede este hombre convencer a los otros miembros sobre la inocencia del joven? Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación al premio Óscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guion adaptado.

Otros títulos de su filmografía:

“Larga jornada hacia la noche/Long Day’s Journey Into Night (1962) Adaptación del drama teatral homónimo de Eugene O’Neill, que tiene un carácter claramente autobiográfico. La película narra la situación personal por la que están pasando los Tyrone, una familia desestructurada que se está yendo a pique…

Asesinato en el Expreso de Oriente/Murder on the Orient Express (1974), película presentada en nuestro cineclub.

“Tarde de perros”/ Dog Day Afternoon (1975). Tres inexpertos ladrones de bancos entran en una sucursal de Brooklyn con la intención de seguir un sencillo plan de atraco. El robo debió durar 10 minutos. Sin embargo, pasadas ocho horas, era la principal atracción de la televisión

Network (1976) Un análisis sobre el poder de la televisión, que retrata un mundo competitivo donde el éxito y los récords de audiencia imponen su dictadura.

“El príncipe de la ciudad”/ Prince of the City (1981) Un policía neoyorquino a fin de librarse de ciertas implicaciones en prácticas heterodoxas, acepta colaborar con asuntos internos para sacar a la luz diversos casos de corrupción; pero lo hace con una condición: no delatar a sus compañeros. Sin embargo, las cosas no van a ser tan fáciles.

“El veredicto final”/ The Verdict (1982) Frank Galvin es un abogado de cierta edad venido a menos, que pasa el tiempo bebiendo y haciendo pequeños trabajos. Un antiguo socio le recuerda el caso de un error médico cometido en un hospital, que todavía no ha concluido, y en el que Galvin había intervenido. Realiza un gran esfuerzo para trabajar de nuevo de forma profesional, y averigua que este caso podría ganarse en juicio…

“Antes que el diablo sepas que has muerto”/ Before the Devil Knows You’re Dead (2007) Dos hermanos, muy diferentes pero con el mismo problema: necesitan dinero. Uno de ellos, propone un plan para solucionar la economía de ambos, sin riesgos, sin posibilidad de error.. La idea es atracar la joyería de sus propios padres…

Sus películas, de factura clásica, eran muchas veces oscuras y siempre mostraban los recovecos menos amables de Estados Unidos. Gran parte de sus filmes más importantes están ambientados en Nueva York, una ciudad con la que mantuvo siempre una relación profunda.

Reconocido en 1993 con el Premio Griffith de los Directores de América, recibió un Oscar honorífico por el conjunto de su obra en 2005.

Sidney Lumet falleció el 9 de abril de 2011 a los 86 años en su domicilio de Manhattan, Nueva York, a causa de una leucemia. Permaneció en activo durante casi 60 años y fue un implacable retratista de la sociedad estadounidense.

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ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE/ MURDER ON THE ORIENT EXPRESS (1974). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 127’.

Dirección: Sidney Lumet. Guión: Paul Dehn (Novela: Agatha Christie). Intérpretes: Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Jacqueline Bisset, Richard Widmark, Martin Balsam, Jean-Pierre Cassel, John Gielgud, Michael York, Wendy Hiller, Rachel Roberts. Fotografía: Geoffrey Unsworth. Música: Richard Rodney Bennett.

Sinopsis:. Un hombre es hallado muerto por apuñalamiento múltiple en el mítico y lujoso tren Expreso de Oriente. El asesino puede ser cualquiera de los pasajeros, y con toda seguridad, todavía está a bordo del tren atrapado por la tormenta de nieve…

Premios: 1974: Oscar: Mejor actriz secundaria (Ingrid Bergman). 6 nominaciones.

Sidney Lumet, apoyándose en un excelente guión de Paul Dehn, que adapta una de las novelas más famosas de Agatha Christie, recrea a la perfección el mundo de la escritora inglesa. El manejo que hace de la narración es magnífico, al combinar, de manera perfecta la atmósfera elegante y glamorosa  con un trasfondo  de intriga y de humor, presentes en la  novela.

Desde las primeras imágenes, en unos misteriosos tonos azules, que narran el secuestro y posterior hallazgo de una niña muerta, somos presa de la intriga y del suspenso. El misterio así creado, sólo se resolverá más adelante…

Seguidamente, (cinco años después), nos encontramos en Budapest, donde el Expreso de Oriente se apresta a partir. Momento que el director aprovecha para reforzar(a través de magistrales travellings) esa atmósfera claustrofóbica, y grisácea que va a permear toda la película. Es también el momento para conocer a los pasajeros, que el director nos presenta a través de unas pocas, pero eficaces escenas.

Dentro del grupo de viajeros se encuentra el conocido detective belga, Hercules Poirot (Albert Finney), la señora Mary Debenham (Vanessa Redgrave)., el coronel indio Arbuthnot (Sean Connery), la señora Greta Ohlsson (Ingrid Bergman), la enigmática princesa Dragomiroff (Wendy Hiller) y su doncella la señora Hildegarde Schmidt (Rachel Roberts), la señora Harriet Belinda Hubbard (Lauren Bacall), el conde de origen húngaro Andrenyi (Michael York) y su esposa la condesa (Jacqueline Bisset), Cyrus Hardman (Colin Blakely), el empresario de coches de Chicago Antonio Foscarelli (Denis Quilley), el propio señor Bianchi (Martín Balsam) y el doctor Constantin (George Coulouris), el señor Ratchett (Richard Widmark), su joven secretario, Hector McQueen (Anthony Perkins) y su mayordomo el sr Beddoes (John Gielgud).

Debido al mal tiempo, y al crudo invierno, el tren queda atascado en medio de la nieve. Mientras todos esperan que se solucione el problema y así poder continuar la marcha, ocurre el fatal asesinato del señor Ratchett, que ya había comunicado a Poirot, las repetidas amenazas de muerte que había recibido.

La trama cobra un nuevo aire, y la intriga aumenta. Vienen a continuación las secuencias memorables en las que Poirot interroga a cada pasajero, pues todos son sospechosos de lo ocurrido. Son secuencias en las que Lumet, a través de primero planos de los personajes, nos trasmite la sensación de agobio que éstos padecen.

Otro momento cumbre del film viene seguidamente, cuando Poirot hace la reconstrucción del asesinato y aquí Lumet también nos ofrece una muestra de su talento. Durante los interrogatorios los personajes dijeron frases que por sí solas no tenían el menor peso sobre la historia. Pero en el monólogo de Poirot estas frases vuelven a repetirse a modo de flashbacks, aunque en esta ocasión tienen una mayor fuerza visual y dramática.

En el apartado técnico, además de lo ya mencionado, merece especial atención el trabajo de la fotografía, a cargo de Geoffrey Unsworth, mediante el cual percibimos esa atmósfera claustrofóbica y nostálgica, o esa sensación de mal tiempo, en las imágenes vaporossas, que propició la varada del tren.

La puesta en escena, la recreación de época, y el vestuario, también son elementos muy bien trabajados, y que contribuyen a la calidad de la película.

Mención aparte para la evocadora música del compositor Richard Rodney Bennett, que refuerza el suspenso y la intriga.

Pero sin lugar a dudas, es el trabajo maravilloso del selecto grupo de actores y actrices, uno de los apartado claves de esta genial obra. Tendríamos que mencionar la insuperable actuación de Albert Finney, como el detective Poirot, que logra encarnar con total fidelidad al detective de Agatha Christie.  Recordemos la escena en la que realiza un ritual antes de dormir, realizando de forma minuciosa todos los preparativos para acostarse. O las secuencias finales, en las que presenciamos un verdadero “banque actoral”. Incluso Agatha Christie declaró que la interpretación de Albert Finney era la más cercana a como ella se había imaginado a Poirot A su lado, claro está, no menos extraordinarias, las actuaciones de Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave.

El extraordinario final…todo un acierto!

Nota: La historia de Agatha Christie está inspirada en el notable secuestro y posterior asesinato del hijo del famoso aviador Charles A. Lindbergh y de Anne Morrow Lindbergh, ocurrido en 1932. Charles A. Lindbergh murió tres meses antes del estreno de la película.

VANESSA REDGRAVE

Por: Mario Arango Escobar.

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CICLO VANESSA REDGRAVE

VANESSA REDGRAVE.

Nació en 1937, en Londres (Inglaterra). Hija del actor Sir Michael Redgrave y Rachel Kempson. Londres se formó durante ocho años en la escuela de Ballet Rambert y más tarde se graduó de la Escuela Central de Expresión y Arte Dramático

Hizo su debut en el escenario de la mano de su padre Michael Redgrave en “A Touch of the Sun”, en enero de 1958. En julio de 1961, se unió a la Royal Shakespeare Company.

Algunos de los títulos más importantes de su filmografía:

“Un hombre para la eternidad”/ A Man for All Seasons (1966) Para divorciarse de su esposa Catalina de Aragón (hija de los Reyes Católicos y tía del emperador Carlos V) y contraer matrimonio con Ana Bolena, Enrique VIII (1509-1547) trata de obtener el apoyo de la aristocracia y del clero. Película que marca el debut como actriz de cine de Vanessa Redgrave.

“Blowup” (1966) Adaptación de un cuento de Julio Cortázar que narra la historia de un fotógrafo que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre, al revelarlas, una forma irreconocible que resulta ser un cadáver. Premiada en el Festival de Cannes con la Palma de Oro

“María, Reina de Escocia”/Mary, Queen of Scots (1971). Película que narra la histórica rivalidad entre la reina Isabel I de Inglaterra y María Estuardo, reina de Escocia.

“Asesinato en el Expreso de Oriente”/ Murder on the Orient Express (1974) Adaptación de una de las novelas más conocidas de Agatha Christie. Narra la historia de un asesinato perpetrado durante un viaje en el legendario Orient Express.

“Julia” (1977) Adaptación de la novela “Pentimento” de la escritora Lillian Helman, que trata de su amistad con Julia, una activista antinazi.

“Las Bostonianas”/The Bostonians (1984) Adaptación de la novela homónima del escritor norteamericano Henry James. Las primeras sufragistas bostonianas son burguesas ilustradas que luchan por conseguir la emancipación de las mujeres. Por su participación en este film Vanessa fue considerada la Mejor Actriz por la Asociación Nacional de Críticos de Cine (1984)

“Regreso a Howards End”/ Howards End (1992). Los herederos de Howards Ends, no aceptan que la mansión familiar haya quedado en poder de una extraña.

“Wilde” (1997El escritor irlandés Oscar Wilde fue un genio, un hombre que tuvo la osadía de enfrentarse a los tabúes, a la hipocresía y a la estupidez de la sociedad británica y, precisamente por ello, acabó siendo procesado y encarcelado..

“Amenaza de tormenta”/The Gathering Storm (2002). Una Mirada a la vida de Winton Churchil, centrándose en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Su trayectoria política y su familia y su cotidianidad.

“The fever” (2004) Una mujer adinerada toma consciencia de lo indiferente que sido frente a las personas que nada tienen.

“La condesa rusa”/The White Countess.(2005) China, 1936. Shangai. La película nos narra el encuentro de Sofía, una bella condesa rusa forzada por las circunstancias a trabajar como camarera y bailarina para mantener a su familia, y Jackson  un diplomático ciego y pesimista, que ha quedado destrozado por la pérdida de su familia.

“Expiación- más allá de la pasión”/ Atonement (2007), Película presentada en nuestro cineclub (mayo 29-2008)

“La verdad oculta” /The Whistleblower (2010) Tras la guerra de los Balcanes, una agente de la policía de Nebraska que viaja a Bosnia como observadora de las Naciones Unidas denuncia ante la ONU a una multinacional por haber encubierto varios casos de tráfico sexual.

Vanessa Redgrave es considerada una de las mejores actrices de su generación. Asimismo, goza de reconocimiento por su apasionado activismo en favor de los niños y por ser una firme defensora de la paz, la tolerancia y la reconciliación. En junio de 1995 fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de UNICEF.

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Nació en 1927, en Londres (Inglaterra) Director y actor, Murió en 2011, en Los Ángeles, California (USA). De su filmografía, se destacan las siguientes películas:

“Ana de los mil días”/ Anne of the Thousand Days (1969) Enrique VIII de Inglaterra (1509-1547), casado con Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos, se enamora de Ana Bolena, una dama de la Corte, y decide casarse con ella. Pero, como el Papa no accede a concederle el divorcio, rompe con la Iglesia de Roma y crea la Iglesia Anglicana .

María, Reina de Escocia, (1971) película que presentamos en nuestro cineclub

“El otro lado de la noche”/ The Other Side of Midnight (1977) Adaptación de la novela de Sidney Sheldon. “Más allá de la medianoche, que narra el juicio por asesinato a una actriz y su amante.

“Pobre niña rica”/ Poor Little Rich Girl (1987) La historia de una de las mujeres más ricas de América, la heredera de la fortuna Woolworth. A pesar de sus enormes riquezas y de sus siete maridos, nunca logró encontrar el amor duradero.

“La vida secreta de Argernon”/ The Secret Life of Algernon (1997) Algernon es un hombre mayor que vive solo, suele tener conversaciones con un gato de porcelana, un día recibe la visita de un viejo amigo que se está muriendo, éste deja un millón de dólares en una maleta y el dinero atraerá a una hermosa mujer que alterará la vida del viejo egiptólogo.

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MARÍA, REINA DE ESCOCIA/ MARY, QUEEN OF SCOTS (1971). GÉNERO: DRAMA HISTÓRICO. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN 126’.

Dirección: Charles Jarrott. Guión: John Hale. Intérpretes: Vanessa Redgrave, Glenda Jackson, Patrick McGoohan, Timothy Dalton, Nigel Davenport, Trevor Howard, Daniel Massey, Ian Holm, Vernon Dobtcheff. Fotografía: Christopher Challis. Música: John Barry

Sinopsis: Cuando Isabel I Tudor (1558-1603), hija de Enrique VIII y Ana Bolena, se convierte en reina de Inglaterra y cabeza de la Iglesia Anglicana, tropieza con la oposición de los católicos, que consideran que la legítima heredera del trono inglés es su prima María Estuardo, la católica reina de Escocia. Tras el triunfo de los protestantes escoceses, María se ve obligada a abdicar en favor de su hijo Jacobo. Poco después, comete el error de huir a Inglaterra, donde es encarcelada y procesada por orden de su prima Isabel, que nunca dejó de considerarla una amenaza.

La historia de Inglaterra y Escocia, dos tierras unidas por la geografía pero largo tiempo separadas, ha proporcionado algunos de los relatos y personajes más interesantes que han servido de inspiración para el imaginario popular, la literatura, la pintura y como consecuencia el cine en épocas más recientes. Ya en las obras de Shakespeare, mundialmente conocidas, crueles tramas se consumaban entre los monarcas y demás nobles de la corte de años anteriores, antecesores de la dinastía reinante en el trono inglés, los Tudor, con Enrique VIII y su hija Isabel I como figuras primordiales. En Escocia también ostentaba el poder una rama de esta emblemática familia. Cuando nació en esas tierras María Estuardo se convirtió desde la cuna en reina de los escoceses, y luego, aunque por poco tiempo, por matrimonio, en reina consorte de Francia. Esta importante herencia y su fe católica hicieron que a ojos de los demás creyentes, y a pesar de la instauración de Isabel como reina, ella fuera la legítima heredera de una Inglaterra protestante desde hacía ya algunas décadas. La lucha por quién mantendría el poder en la isla soportando toda la presión y las conspiraciones marcó la vida de estas dos mujeres para la posteridad y fue un símbolo del enfrentamiento entre dos religiones. Muy diferentes entre ellas, son los dos pilares que soportan la trama de este drama histórico.
María es una de las mujeres más hermosas de su época, pasional y cortesana, que pasó sus años más felices en Francia. Sin grandes conocimientos en política se dejó llevar por unos consejeros inadecuados y tomó numerosas decisiones erróneas a lo largo de su vida que marcaron su final, las principales relacionadas con la reina inglesa o con su rey consorte Henry.

Isabel, pasó parte de su infancia encerrada hasta la muerte de su hermana María y accedió a un trono que nunca compartiría con ningún hombre, pasando a ser la Reina Virgen que llevó a sus dominios a una época de gran esplendor, gracias a su sabiduría, dedicación y autoridad.

Como encarnación de estas dos soberanas, todo el peso de la trama recae en un par de actrices inglesas de primera categoría: Vanessa Redgrave en el papel de Maria y Glenda Jackson como Isabel I.

Redgrave hace uno de sus mejores trabajos, otorgando a su personaje una interesante mezcla de firmeza política y vulnerabilidad sentimental Por su parte, Jackson encarna a una Isabel decidida, calculadora, muy acorde con su personaje. Para destacar los momentos en que ambas actrices comparten escena, momentos en los cuales nos brindan una verdadera lección de buena actuación.

La fotografía, el maravilloso vestuario y los escenarios que nos transportan hasta el Renacimiento complementan y ambientan una trama filmada en más absoluto estilo clásico. Toda una lección de historia y buen cine.

Como curiosidad, la película presenta un encuentro personal entre las dos soberanas, sin embargo éste nunca ocurrió en la realidad. Se trató de un recurso o golpe de efecto para mostrar a los actrices en su verdadera dimensión actoral.

Premios:

1971: Premio Oscar: 5 nominaciones, Actriz (Redgrave), Dirección Artística, Vestuario, Banda Sonora. Sonido.

1971: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo Mejor Película – Drama.

EL VEREDICTO

Por: Mario Arango Escobar.

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JAN VERHEYEN

Nació en 1963 en Temse, Bélgica. Desde la infancia Jan Verheyen era un aficionado al cine. A los 18 años organizó varias veces, el Festival de Cine de Knokke-Heist con películas de culto.

En 1985, en compañía de un amigo, Verheyen, fundó Independent Films, la más importante  distribuidora de cine independiente belga.

Alias (2002) Eva y su amiga presencian un asesinato que queda grabado con la videocámara de Eva. Esto causa una serie de eventos que cambiarán su vida y la de sus amigos de manera radical.

Los/ Cut Loose (2008) Tom, un joven e idealista periodista de izquierdas, está a punto de instalarse con su novia cuando su vida y puntos de vista quedan conmocionados por una joven y bella refugiada pakistaní, Nadia.

Dossier K. (2009) Vincke y Verstuyft son dos detectives del departamento de policía de Amberes, que tienen que lidiar con la mafia albanesa.

Zot van A. (2010) Anna rompe con Bruno después de haberla engañado con la maestra de su hijo Boris.

El Veredicto/ Het Vonnis (2013) película que presentamos en nuestro cineclub.

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EL VEREDICTO/ HET VONNIS (2013). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: BÉLGICA. DURACIÓN: 107’.

Dirección y guión: Jan Verheyen. Intérpretes: Koen De Bouw, Johan Leysen, Veerle Baetens, Jappe Claes, Viviane De Muynck, Hendrik Aerts, Joke Devynck, Jo De Meyere, Chris Lomme. Fotografía: Frank van den Eeden. Música: Steve Willaert.

Sinopsis: Drama judicial que cuestiona los fundamentos del sistema judicial. A partir de la desgarradora experiencia de Luc,  un hombre honesto, al  que la justicia le falla, dejando libre al asesino de su esposa. Ante este hecho, Luc decide tomar venganza…

La película se inicia con la frase “No hay justicia, sólo límites”, de Albert Camús, que pone de presente el contenido de la historia.

Como primeras imágenes contemplamos a Luc (Koen De Bouw), en un estado de shock, presa del  nerviosismo. Seguidamente, mediante un extenso flashback, vamos a conocer qué le ha ocurrido a este hombre en los días y meses anteriores. Seremos testigos del fatídico momento en el cual él sorprende al agresor de su esposa, y como es natural, reacciona con rabia….Unos días después, se entera que además de su esposa, su pequeña hija también ha muerto. Con su dolor a cuestas decide buscar al culpable. Acude a las autoridades y fácilmente logra identificarle. A pesar de contar con todas las evidencias en su contra, el sospechoso es puesto en libertad, gracias a “un error procesal”. Este hecho de total injusticia, será el detonante de la trama de la película.

Verheyen, también autor del guión, utiliza una narrativa bastante eficaz, para involucrar al espectador en la atmósfera de la película. Este recurso, empleado durante la primera parte, combina muy acertadamente la acción con las emociones y sentimientos del protagonista y una vez que el espectador está totalmente inmerso en la trama, el director se detiene en el juicio y en las diversas miradas que, abogados, jueces y fiscales tienen de lo ocurrido. Al mismo tiempo que nos muestra la repercusión que el juicio tiene en la opinión pública.

Sin lugar a dudas, el juicio es la esencia de la película, y para ello, Verheyen acude a todo su talento para procurarnos un momento totalmente cinematográfico, soberbiamente rodado y sobre todo, actuado. Momento en el que además de juzgar a un hombre que ha cometido un delito, es la propia justicia, la que es acusada de situaciones que van en contra de lo que las leyes predican, de la forma aberrante en que se administra…Y qué decir de los elaborados discursos de quienes participan en el juicio. Ningún espectador puede permanecer indiferente, y terminará involucrándose en la decisión final.

Intercalando saltos en el tiempo, empleando flashbacks muy bien logrados, conocemos información sobre los antecedentes de la acción de Luc, sobre sus motivaciones y sobre las diversas versiones y miradas de quienes actúan como testigos de lo ocurrido.

Insuperable Koen De Bouw, en el papel de Luc. Su rostro imperturbable, abrumado, que logra conservar a lo largo del metraje, su gestualidad, su mirada; elementos todos que constituyen toda una lección de buen hacer actoral.

En el apartado técnico merece mención especial la fotografía a cargo de Frank van den Eeden con esa preciosa iluminación tan acorde a la historia, y con el magnífico trabajo de iluminación que potencia las penumbras.

Un final bastante inteligente, que nos genera múltiples preguntas, y que nos induce, a a tomar partido a favor o en contra de Luc.

Verheyen nos ofrece una película fría, perfectamente calculada, que seguramente despertará mucha polémica. Se agradece su valentía para propiciar una crítica tan fuerte al sistema de justicia, no sólo belga sino a nivel mundial. Un film que debería ser de obligado visionado en ámbitos universitarios y académicos. ¡Imprescindible!

Premios: 2013: Festival de Montreal: Mejor Director.

BAJO LA MISMA ESTRELLA

Por: Mario Arango Escobar.

"Writers" Portraits - 2012 Toronto International Film Festival

JOSH BOONE

Nació en 1979 en Virginia (Estados Unidos). Guionista y realizador cinematográfico.

Su debut como director ocurre en 2013, con el film “Un invierno en la playa”/ Stuck in Love). Años después de su divorcio, el veterano novelista Bill Borgens sigue obsesionado con Erica, la mujer que lo abandonó por otro hombre.

“Bajo la misma estrella”/The Fault in our Star (2014), película que presentamos en nuestro cineclub.

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BAJO LA MISMA ESTRELLA/ The Fault in Our Stars (2014). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 125’.

Dirección: Josh Boone. Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber (Novela: John Green). Intérpretes: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Laura Dern, Sam Trammell, Willem Dafoe, Lotte Verbeek, Ana Dela Cruz, Randy Kovitz, Toni Saladna, David Whalen, Milica Govich, Allegra Carpenter, Emily Peachey, Emily Bach, Mike Birbiglia. Fotografía: Ben Richardson. Música: Mike Mogis, Nate Walcott.

Sinopsis: Adaptación de la novela homónima de John Green, en la cual dos adolescentes que padecen cáncer terminal, viven una hermosa historia de amor…

La película se inicia con la voz en off de la protagonista, Hazel Grace (Shailene Woodley) que nos invita a escuchar su historia. Hubiera querido, nos dice, que el final fuera feliz, como ocurre en las películas norteamericanas, pero no fue posible. Por eso nos ofrece la otra versión. Una versión que a pesar de su final, seguimos con atención, gracias al romanticismo que la impregna.

Cuando apenas era una niña de 13 años, a Hazel le detectan un cáncer pulmonar, que por poco le cuesta la vida. Logra salir adelante gracias a un tratamiento experimental. Como secuela de la enfermedad, nuestra protagonista deberá estar acompañada permanentemente de una pipeta de oxígeno. Después de un tiempo, siendo ya una adolescente, sus padres la presionan para que asista a un grupo de apoyo, conformado por jóvenes en situaciones de salud, similares a la suya, es decir, todos son enfermos terminales. En este grupo, Hazel conoce a Augustus (Ansel Elgort), y entre los dos se produce la chispa del amor, que va creciendo con el paso de los días.

Con el optimismo propio de su edad, y con la fuerza que brinda el primer amor, los dos jóvenes viven cada día con toda la intensidad posible. Ambos deciden cumplir el mayor deseo de Hazel: conocer a su escritor favorito. Y hacen todo cuanto está a su alcance para emprender ese romántico viaje hasta Amsterdam, y conocer a su ídolo literario. En su compañía esperan encontrar las respuestas a varias preguntas que la lectura de su libro les ha dejado y con las cuales esperan dar sentido a sus vidas.

Un inteligente guión en el que destacan unos diálogos hilarantes, que dejan paso a una particular filosofía de vida. Todo ello contribuye para que, una historia que fácilmente podría haber sido el típico drama romanticón y sensiblero, se constituya en una película profunda y bella. Su contenido dramático es bastante interesante y sugiere preguntas: ¿Cómo poder enamorarse, sabiendo que pronto vas a morir? ¿Cómo asumir como padre, la muerte inminente de un hijo que apenas comienza su vida?

Shailene Woodley y Ansel Elgort en sus caracterizaciones de Hazel y Augustus, convencen a cabalidad, logrando entre ellos una química perfecta. Desde el inicio de la película nos ofrecen una extraordinaria lección de buena actuación. Cada mirada, cada alegría, cada dolor, lo trasmiten al espectador. En cuanto al grupo de actores secundarios, Laura Dern, excelente en su papel de madre y Willem Dafoe, como el extraño escritor, en una interpretación muy interesante.

En el apartado técnico, destaco la bien lograda fotografía de Ben Richardson  y la excelente banda sonora, cuya música, a cargo de Mike Mogis y nate Walcoff, acompaña y refuerza los momentos claves de la historia.

Para recordar, las secuencias del viaje a Amsterdam, llenas de momentos románticos, especialmente la visita a la casa donde vivió Ana Frank.

“Bajo la misma historia”, una película conmovedora y triste, pero  también liberadora y llena de esperanza. Una verdadera proclama para celebrar la vida.