TÍO VANIA

Por: Mario Arango Escobar.

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ANDREI KONCHALOVSKY

Andrei Konchalovski nació en 1937 en Moscú. Hijo de los escritores Sergei Mijalkov (famoso poeta infantil, dramaturgo, autor satírico y de dos himnos nacionales) y Natalya Konchalovskaya, y hermano mayor del también director Nikita Mijalkov. Su abuelo, el artista ruso Peter Konchalovsky, fue uno de los precursores del modernismo en Rusia, amigo de Picasso y Matisse.

En 1952 termina sus estudios en la Escuela Musical Central, y en 1957 en la Escuela Musical del Conservatorio de Moscú. En 1964 se gradúa en la facultad de dirección de la Universidad Estatal Rusa de Cinematografía.

Su carrera empezó como co-guionista de “La Infancia de Iván” y “Andrei Rublyov”, junto al gran maestro Andrei Tarkovsky.

Inspirado por la obra de Akira Kurosawa, Konchalovski  rueda “El Primer Maestro”/ Pervyy uchitel  (1965) película con la que gana su reputación como observador y estudioso de los caracteres de los personajes. Corre el 1923, un joven maestro es enviado por los bolcheviques en el poder para que enseñe en un pequeño pueblo. La gente le recibe con indiferencia, excepto una joven que se siente conmovida con sus enseñanzas.

En 1966 realiza “La felicidad de Asia” / Istoria Asi Klyachinoy. Una joven llamada Asia Klyachina, decide sobrellevar su embarazo sin preocuparse demasiado por el padre, que no parece interesado en reconocer a su hijo.

“Nido de nobles”/ Dvoryanskoe gnezdo (1969). Fiodor regresa a la hacienda de su propiedad después de una larga temporada en el extranjero y una vez consumado el fracaso de su matrimonio. Al poco de llegar conoce a una radiante joven, Liza, hija de su prima, y recibe la noticia de la muerte de su esposa.

“Tío Vania/ Dyadya Vanya (1971). Adaptación de la obra “Tío Vania” del escritor y dramaturgo ruso Antón Chéjov. Historia de un intelectual ruso que se siente atraído por una dama, esposa de un escritor para el que Vanya ha trabajado indirectamente toda su vida.

Su obra cumbre, “Siberiada”/ Sibiriada  (1978) fue premiada con el Gran Premio Especial del Jurado del Festival de Cine de Cannes, lo que le dio fama internacional. Narra la historia de dos familias siberianas desde los años anteriores a la Revolución de Octubre hasta 60 años más tarde.

Tras ser galardonado con el título Gran Actor de Rusia (1980), Konchalovsky decide trasladarse a Hollywood. Es allí donde rueda las películas que se han convertido en clásicos reconocidos por todo el mundo: “Los amantes de María”/ Maria’s Lovers  (1984). adaptación de un relato de Andrei Platonov sobre un joven que tras ser prisionero durante la Gran Guerra Patria, vuelve a casa dispuesto a reencontrarse con su antiguo amor, una mujer deseada por todos.

“El tren del infierno” / Runaway Train (1985). Historia de dos convictos fugados y una trabajadora ferroviaria que quedan atrapados en un tren sin frenos que rueda a través de Alaska.

Desde su regreso a Rusia, el director logra varios éxitos, entre otros “La gallina de los huevos de oro”/ Kurochka Ryaba (1994), un grotesco film sobre el destino de Asia en la Rusia post-Comunista. Secuela de “La felicidad de Asia” treinta años después de la primera película, se inspira también en un cuento popular sobre un gallina con un huevo de oro.

“La casa de los engaños” (2002) fue conmemorada con el Gran Premio del Jurado en la Mostra de Venecia 2002. Película que presentamos en nuestro cineclub.

“Las noches blancas del cartero”/ The Postman’s White Nights (2014).Los habitantes del lago Kenozero viven del mismo modo que, durante siglos, vivieron sus antepasados. En esa pequeña comunidad, donde todos se conocen, sólo se produce lo necesario para la supervivencia. Sólo se comunican con el exterior gracias a la lancha del cartero…

Andrei Konchalovsky es un creador polifacético, no sólo reconocido por sus éxitos cinematográficos, sino que también cuenta con 33 guiones, 26 películas, 8 producciones teatrales, incluidas 5 óperas, asimismo ha editado 6 libros y más de 100 artículos.

Después de la Perestroika de los noventa, Konchalovsky regresó a Rusia, pero sin perder sus lazos con el cine norteamericano: en 1997, Francis Ford Coppola lo invitó a dirigir la epopeya de Homero, La Odisea para la cadena NBC.

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TIO VANIA/ DYADYA VANYA (1971). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: UNIÓN SOVIÉTICA. DURACIÓN 104’.

Dirección y guión: Andrei Konchalovsky (Obra: Anton Chejov). Intérpretes: Irina Anisimova-Wulf, Sergei Bondarchuk, Irina Kupchenko, Yekaterina Mazurova, Irina Miroshnichenko, Nikolai Pastukhov, Innokenti Smoktunovsky, Vladimir Udalov, Vladimir Zeldin . Fotografía: Yevgeni Guslinsky, Georgi Rerberg. Música: Alfred Shnitke.

Sinopsis: Rusia, finales del siglo XIX. A la finca familiar, administrada por Vania y su sobrina Sonia, llegan, para pasar el verano, el médico Mijail Lvovich Astrov, el profesor Aleksander Serebryakov, padre de Sonia, y su segunda esposa Elena. Este encuentro familiar va a propiciar, que los conflictos familiares irrumpan de manera dramática.

Estamos ante una de las obras más destacadas del insigne director ruso Andrei Konchalovsky, quien ha puesto todo su talento y su mirada artística para lograr una impecable y fiel adaptación de la inmortal novela de Chejov, “Tío Vania, publicada en 1899.

La traslación al cine que Konchalovsky realiza nos permite conocer, con total rigor, el compendio de sentimientos y frustraciones de unos personajes que parecen atados a su destino, irremediablemente. A manera de metáfora, el relato encierra el enfrentamiento entre los humildes campesinos rusos y los habitantes citadinos, signados por la infelicidad que les embarga.

Todos en esta historia sufren por algún motivo. El profesor vive amargado porque se siente un anciano. Elena está insatisfecha con un esposo que ya ha perdido el interés en ella. El tío Vania experimenta un sentimiento de frustración al darse cuenta que ha dedicado su vida trabajando para alguien que no lo merece y que no le valora. Sonia, que finalmente se resigna a su soledad, pues no se siente bella ni merecedora del amor del médico, de quien está enamorada.

Desde las primeras imágenes, que nos introducen en la vivienda familiar, percibimos, en unos bellísimos planos secuencia, la atmósfera enrarecida y tensa que va a permear todo el film. Una cámara que se desplaza suavemente por todo el recinto “habla” de la soledad, de una existencia mustia y triste. Cada detalle, cada objeto trasmite esa sensación de tedio, de hastío, de frustración…que es la vida de los habitantes de esta casa.

Narrativamente llama la atención la transición entre el color ocre de algunas escenas con otras de colores rotundos, como una forma de contrastar el paso del tiempo y las emociones que experimentan los personajes. Igualmente bien elegido el empleo de sombras totalmente expresionistas, el interior de los espacios llenos de polvo, que trasmiten una sensación de encierro, casi claustrofóbico.

El trabajo actoral es notable en todo el grupo de actores. La caracterización de  Innokenti Smoktunovski como tío Vania, es sencillamente antológica. A su lado, en perfecto contrapunto, encontramos el personaje de Astrov, interpretado, magníficamente por Sergei Bondarchuk y la actriz Irina Kupchenko que asume, con gran contención y riqueza de matices,  el papel de Sonia. Todos ellos, al igual que los secundarios, nos ofrecen una exquisita lección de buen desempeño actoral.

En el apartado técnico, sobresale el trabajo fotográfico de Yevgeni Guslinsky y Georgi Rerberg, por su mirada intimista del espacio, y por el manejo refinado de la luz.

En cuanto a la banda sonora, es admirable la forma como el compositor Alfred Shnitke recoge a través de los silencios, de los sonidos ambiente (el paso del tren, el lejano latir de los perros, el eco de los truenos), las monótonas conversaciones de los personajes, toda la esencia de la obra de Chéjov.

Un diálogo que quiero destacar: “Aquellos que habrán de sucedernos dentro de cien o doscientos años, y para los que ahora esbozamos el camino… ¿tendrán para nosotros una palabra buena?” Le pregunta el médico Mijail Lvovich Astrov a Marina, la anciana nodriza de la hacienda. A lo que ella le responde: “La gente no la tendrá, pero Dios sí”. En estas palabras encontramos el verdadero tema de la película: esa desazón que sienten los personajes al sentirse que han malgastado su existencia…y que solo les queda la resignación. Resignación ante el destino, como también queda expresado en las palabras de Astrov: “Sólo Dios sabe a qué estamos destinados”, a lo que Sonia responde rezando el “Padre Nuestro”…

“Tío Vania”, una novela imperecedera, en base a la cual  Andrei Konchalovsky nos ha regalado una fascinante película, que también ha quedado como uno de los grandes títulos de la Historia del Cine. Imprescindible!

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ANTÓN CHÉJOV

(Antón Pávlovich Chéjov; Taganrog, 1860 – Badenweiler, 1904) Narrador y dramaturgo ruso. Considerado el representante más destacado de la escuela realista en Rusia, su obra es una de las más importantes de la dramaturgia y la narrativa de la literatura universal. Su estilo está marcado por un acendrado laconismo expresivo y por la ausencia de tramas complejas, a las que se sobreponen las atmósferas líricas que el autor crea ayudado por los más sutiles pensamientos de sus personajes. Chéjov se apartó decididamente del moralismo y la intencionalidad pedagógica propios de los literatos de su época en una Rusia convulsa y preocupada por su destino, para apostar por un tipo de escritor carente de compromiso y pasión, plasmando una idea de la literatura que rechazaba el principio del autor como narrador omnisciente.

Procedía de una familia de hábitos sencillos y escasos medios. Chéjov acabó los estudios secundarios en Taganrog, donde permaneció solo tras la marcha de sus familiares a Moscú. Entre 1879 y 1884 cursó medicina en la universidad de la capital; pero, más interesado en la literatura que en la ciencia médica desde hacía algunos años, pospuso ésta a aquélla, y pronto difundió su nombre a través de varias narraciones humorísticas, reunidas en un libro titulado Cuentos de varios colores (1886).

Alentado por el escritor Grigorovich y el director del periódico Novoe vremja (Tiempo nuevo), Suvorin, con quien estableció una cordial y duradera amistad, y librado ya de las formas un tanto forzadas del cuento humorístico, hacia el año 1888 ya era ampliamente conocido por el público, tanto por su obra humorística como por textos de alcance más profundo, en los que la incisiva descripción de las miserias y la existencia humanas fueron desplazando los recursos humorísticos.

En ese año apareció, en la revista Severny Vestnik de San Petersburgo, el relato La estepa, inspirado en un viaje al sur del país, donde los idílicos paisajes de su infancia habían desaparecido por la industrialización, contra la que el autor se rebela. Aquí introdujo uno de los elementos más característicos de su enfoque narrativo: la supeditación del argumento a la atmósfera del relato. El punto de vista del autor omnisapiente se diluye en la mirada de un personaje, Egorushka, que no alcanza a comprender lo que sucede a su alrededor. Los elementos que mueve este relato aparecerán una y otra vez en la obra de Chéjov, pues La estepa está poblada por una galería de personajes (el campesino Dymov, el empresario Varlamov o el pope Kristofor) que constituyen una genuina representación del “inconsciente colectivo” de la Rusia finisecular.

Otro significativo relato del período que se abre a partir de 1888 (en el que el autor disminuyó el ritmo de su producción literaria: de unos cien relatos al año en 1886, pasa a escribir diez en 1888) es Una historia aburrida (1889), penetrante estudio de la mente de un viejo profesor de medicina, profesión que ejerció esporádicamente el propio Chéjov. Pertenece a una serie de obras del autor que fueron llamadas “clínicas”, por tener como personajes a enfermos físicos o mentales. Acaso el relato más conocido de esa serie sea Palata Nº 6 (1892), acerba crítica de la psiquiatría en el que la relación entre el paciente Gromov y el doctor Ragin se resuelve dramáticamente con el ingreso del segundo en su propia clínica, para terminar muerto por mano de uno de los celadores.

En adelante, la existencia del autor careció de acontecimientos relevantes, excepto un viaje a la isla de Sakhalin, realizado a través de Siberia a la ida, y a lo largo de las costas de la India al regreso; de tal expedición dejó constancia en el libro La isla de Sakhalin (1891). Durante la penuria de 1892-93, que azotó a la Rusia meridional, Chéjov participó en la obra de socorro sanitario. Luego vivió largo tiempo en la pequeña propiedad de Melichovo, no lejos de Moscú, donde escribió la mayor parte de sus narraciones y de sus textos teatrales más famosos. Enfermo de tuberculosis, hubo de trasladarse a Crimea, y desde allí, por razones de la cura, realizó frecuentes viajes a Francia y Alemania.

En los últimos años del siglo se produjeron en su existencia dos hechos que sin duda modificaron su curso: la nueva orientación del escritor hacia la izquierda, que le alejó de su amigo Suvorin, conservador, y el éxito de su drama La gaviota en el Teatro de Arte de Moscú, de Stanislavski y Nemirovich-Danchenko. A sus nuevas tendencias y al ejemplo de Korolenko se debió también su dimisión de la Academia, que, tras haber nombrado miembro honorario a Gorki, acató la orden del gobierno y tuvo que anular el nombramiento.

La fortuna de La gaviota convenció inesperadamente a Chéjov de su capacidad como escritor dramático, tras sus propias dudas acerca de ello debidas al fracaso del mismo drama en el Teatro Aleksandrinski de San Petersburgo. A la obra citada siguieron, con no menor éxito, El tío Vania en 1898-99, Tres hermanas en 1901 y El jardín de los cerezos en 1904. Mientras tanto, el número de sus narraciones había aumentado considerablemente, y a algunas de ellas se debió su progresiva fama como representante asimismo del humor y el espíritu de su época y del característico producto de ésta, la “inteligentzia” (así Mi vida, La sala n.º 6, Relatos de un desconocido, El monje negro, Una historia aburrida, etc.).

Como en los dramas, también en las narraciones resulta posible percibir una atmósfera determinada: la que fue llamada precisamente “chejoviana”, particular estado de ánimo definido por Korolenko como el de un alegre melancólico. Cabe advertir que existe un nexo entre el Chéjov jovial e irreflexivo de la adolescencia y la primera juventud, interesado, según describe su hermano, en la recopilación de anécdotas destinadas a facilitar su colaboración en las revistas humorísticas, y el de la madurez, inquieto como una gaviota que, en vuelo sobre el mar, no sabe dónde posarse (según la bella imagen empleada por la actriz Olga Knipper, que en 1898 llegó a ser su esposa).

La aguda intuición de la tristeza de la vida, que muchos atribuyen erróneamente sólo al Chéjov de los años maduros, se hallaba ya en él precisamente tras la alegría y la despreocupación del joven estudiante de medicina, oculto, como si de revelar su propia naturaleza se avergonzara, bajo algunos seudónimos. De la misma forma, la capacidad de ver a las criaturas humanas en envolturas hechas adrede para provocar la risa continuó caracterizando su estilo, aun cuando atenuada en matices de parodia, fantasía o espejismo, y de transposición, finalmente, fuera de la realidad cotidiana, hacia un hipotético futuro lejano.

Dentro de su diversidad, efectivamente, Chéjov resultó uniforme en cuanto a los aspectos artístico y espiritual. Como lo afirmó él de la existencia, se mostró a la vez extraordinariamente simple y complejo, y si pese a no juzgarse pesimista puso de relieve los pliegues más tristes y ocultos de la naturaleza humana, fue precisamente porque, según dijo él mismo, amó la vida. Todo ello, como es natural, quedó también reflejado en la forma, o sea en el estilo propiamente dicho. Sin embargo, la plena conciencia del valor artístico de la obra de Chéjov no se alcanzó hasta más tarde; sea como fuere, cabe recordar la admiración que hacia ella experimentaron Tolstoi y Gorki y la influencia ejercida por Chéjov, ya fuera de Rusia, en Katherine Mansfield.

Tomado de: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chejov.htm

RELACIONES PELIGROSAS

Por: Mario Arango Escobar.

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STEPHEN FREARS

Nació en 1941 en Leicester (Inglaterra). Estudió Derecho en la Universidad de Cambridge y comenzó su carrera artística en el mundo del teatro, participando como director en el Royal Court Theatre, representando funciones como “Esperando a Godot”, la conocida obra de Samuel Beckett que Frears dirigió en el año 1964.

En el cine, y en tareas de asistente de dirección, tuvo la fortuna de colaborar a mediados de los años 60 con varios de los pioneros del “Free Cinema” británico. A finales del decenio Stephen Frears comenzó a dirigir cortometrajes para televisión.

Su primer largometraje fue “Detective Sin Licencia”/ Gumshoe  (1971), Eddie Ginley, es un apasionado de la literatura policiaca que vive obsesionado con la idea de convertirse en un personaje de Dashiell Hammett. Así, un día publica un anuncio ofreciéndose como detective privado. Pronto se le presenta el primer caso: un desconocido se pone en contacto con él y le envía una importante suma de dinero, una pistola y una fotografía para que haga desaparecer a una joven universitaria, hija de un militar.

Otros títulos de su filmografía son:

“La Venganza”/ The Hit (1984). Un gángster inglés que se convirtió en delator, vive desde hace diez años con una identidad falsa en una remota aldea española. Cuando los mafiosos a los que traicionó descubren su paradero, contratan a dos asesinos a sueldo para que lo secuestren y lo trasladen a París.

El reconocimiento internacional lo logra con “Mi Hermosa Lavandería”/ My Beautiful Laundrette (1985). Omar, un joven inglés de origen paquistaní, empieza a dirigir la lavandería de su tío con la ayuda de Johnny, un antiguo compañero de clase. Además de dirigir la lavandería, Omar y Johnny reanudan la amistad que los unía cuando eran estudiantes. Su relación de amantes profundamente enamorados escandaliza a sus respectivas familias.

“Las amistades peligrosas”/ Dangerous Liaisons (1988) marca el inicio de su trayectoria en  Hollywood. Esta película la presentamos en nuestro cineclub.

Más tarde volvió a triunfar con “Los timadores”/ The Grifters (1990). El hijo de una prostituta, se encuentra dividido entre el amor que siente por su madre, y su amante  que está dispuesta a todo con tal de alejar al joven de la influencia materna.

“Liam” (2000). Una humilde familia de irlandeses católicos consigue salir adelante con dificultades. Liam, el hijo pequeño, todavía va a la escuela. Su madre es una mujer cariñosa, y su padre es un hombre responsable, orgulloso de tener un empleo en plena depresión económica. Cuando la crisis llega a los muelles de Liverpool, el padre pierde el trabajo, y la familia empieza entonces a sufrir las duras consecuencias del paro.

“Alta fidelidad”/ High Fidelity (2000). Rob Gordon tiene en Chicago una tienda de discos de vinilo, allí se reúne con sus empleados para hablar de la música que aman.

“La reina / The Queen” (2006). Relato de los sucesos políticos acaecidos tras la muerte de la princesa Diana. Se centra sobre todo en las conversaciones que mantuvieron la Reina Isabel y el Primer Ministro Tony Blair para llegar a un acuerdo sobre la petición popular de que se celebrara un duelo nacional.

“Philomena” (2013). Basada en hechos reales. Philomena Lee, una adolescente irlandesa que vivía en un internado de monjas, se quedó embarazada y se vio obligada a dar a su hijo en adopción. Cincuenta años después, decide contárselo a su hija y se pone en contacto con un periodista de la BBC para que le ayude a contar su historia y a encontrar a su hijo.

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AMISTADES PELIGROSAS/ DANGEROUS LIAISONS (1988). GÉNERO: DRAMA DE ÉPOCA. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN: 120’.

Dirección: Stephen Frears. Guión: Christopher Hampton (Novela: Choderlos de Laclos). Intérpretes: Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman, Swoosie Kurtz, Mildred Natwick, Peter Capaldi. Fotografía: Philippe Rousselot. Música: George Fenton.

Sinopsis: Drama de época ambientado en el siglo XVIII que nos cuenta la historia de  la Marquesa de Merteuil, quien planea una venganza contra un amante que la ha abandonado. Para lograr su objetivo, cuenta con un amigo tan amoral como ella, el Vizconde de Valmont, que está, no solo dispuesto a ayudarle, sino que además se propone un reto mayor: conquistar a una mujer casada y religiosa, Madame de Tourve, para consolidar su fama de seductor.

Sirviéndose del magnífico guión realizado por Ghristopher Hampton, el director británico realiza una admirable adaptación de la obra homónima de Choderlos de Laclos. Escrita en 1782, la novela es una de las cumbres de la literatura erótica y psicológica europea del siglo XVIII. Hapmton, quien ya había adaptado la obra al teatro, logra captar la esencia de la sociedad inmoral y decadente de la Francia anterior a la Revolución Francesa. Pero es Frears, quien haciendo uso de una narrativa perfecta, traduce en imágenes este drama de época.

Durante todo el film asistimos a los manejos caprichosos de la Marquesa de Merteuil (Glenn Close). Bajo su influencia, el vizconde de Valmont (John Malkovich) es, sencillamente un títere que ella maneja a su antojo, igual que lo hace con los demás personajes. El juego que se establece entre los dos protagonistas, cada uno en busca de sus propios objetivos, alcanza cotas emocionales de gran alcance, y todo gracias al acertado pulso de un director experimentado, como Frears.

Atención especial a las miradas y los magistrales diálogos, que como dardos, intercambian los personajes principales.

Destacable el duelo interpretativo que llevan a cabo los dos actores protagónicos,  cargado de erotismo y sensualidad, de falsedad y de hipocresía. Sin duda uno de los mayores atractivos de la película. Glenn Close se consagra como una actriz de grandes quilates, impresionante en  su papel de mujer manipuladora. Malkovich por su parte, encarna a un Valmont inolvidable, creo que la mejor personificación de toda su carrera. Michelle Pfeiffer y Uma Thurman espléndidas en sus respectivos roles. En síntesis, un reparto de lujo para un gran film.

El trabajo fotográfico de Philippe Rousselot es merecedor de todo elogio. Especialmente lo concerniente al tratamiento de las imágenes en interiores, con esa luz tamizada que nos remite a la pintura. Igualmente destacable la recreación de época y el lujoso vestuario.

La banda sonora, a cargo de George Fenton, en la que destaca la exquisita “Xerxes” de Haendel, contribuye a crear la atmósfera perfecta del film.

Escenas para el recuerdo. La que nos muestra a la Marquesa cuando es abucheada en la ópera. Su rostro trasmite humillación, rabia…y luego cuando, frente al espejo, se desmaquilla, como una metáfora de desprendimiento del orgullo…

“Las amistades peligrosas”, extraordinaria exploración de sentimientos humanos como la seducción, los celos, el amor, la soberbia. Una película que retrata una época, pero cuyo contenido es atemporal. Toda una obra maestra.

Premios:

1989: Premios César: Mejor Película Extranjera.

1988: 3 Oscars: Mejor guión adaptado, dirección artística, vestuario. 7 nominaciones

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CHODERLOS DE LACLOS

(Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos; Amiens, Francia, 1741 – Tarento, Italia, 1803) Escritor francés que alcanzó la fama gracias a la novela Las amistades peligrosas (1782), obra que obtuvo un éxito fulgurante y que recibiría también numerosas críticas. Su análisis de la hipocresía de la sociedad mundana y aristocrática de su época, expuesto a través de la vida del libertino Valmont y de sus relaciones eróticas con diversas mujeres de la alta nobleza, no podía gustar a sus superiores, pertenecientes a la misma clase que satirizaba la novela.

Nacido en el seno de una familia que acababa de ascender en la nobleza, Choderlos de Laclos ingresó en la escuela de Artillería de La Fère y sirvió como militar el resto de su vida. En 1776 era oficial en Grenoble, pero el reconocimiento que recibían sus aptitudes militares y su espíritu no conseguía satisfacer sus ambiciones. Laclos pertenecía a la pequeña nobleza provinciana que bajo el Antiguo Régimen formaba prácticamente el proletariado del ejército, donde los ascensos y los puestos más destacados estaban reservados a oficiales de mejor cuna.

Sin hallar pues perspectivas en el ejército, comenzó a dedicarse a la literatura y en 1777 se representó Ernestine, con música de Saint-Georges y texto de Laclos. Pese a que la obra resultó un fracaso, no se desanimó, y en 1782 publicó el libro que le haría pasar a la historia: Las amistades peligrosas o Cartas recopiladas y publicadas para la instrucción de otras sociedades. La novela, que le supuso un reconocimiento inmediato, tiene forma epistolar, con la seducción y sus consecuencias como trama de la historia: muestra minuciosa del análisis psicológico, está escrita en un estilo ágil y variado que revela la personalidad de cada uno de los personajes a través de su correspondencia. Esta característica, unida a la verosimilitud de la acción, la convierten en una obra maestra del género.

Los textos que concibió después no tuvieron sin embargo la misma acogida: Poésies fugitives (1783), el tratado L’éducation des femmes, escrito en 1785 y no publicado hasta 1903, y Lettre à l’Académie, redactada el mismo año de su boda, 1786. Desilusionado por el fracaso de estos intentos, en 1788 entró al servicio del duque de Orleans y acogió con alegría la Revolución. Llegó a ser uno de los miembros más activos de la facción que formó Phillipe-Egalité, integrada por los descontentos y conspiradores del reino. En 1790 ingresó en el club de los jacobinos y dirigió el Journal des Jacobins.

En 1792 fue nombrado gobernador general de las posesiones de Francia en la India, pero cuatro meses después fue a dar con sus huesos en la cárcel, lugar que volvería a visitar en otra ocasión; fue liberado en 1794 y escapó por muy poco de morir guillotinado. Hasta 1800 se dedicó a la vida familiar, momento en que Napoleón lo ascendió al rango de general de brigada. Posteriormente fue nombrado jefe de artillería en Nápoles y murió de unas fiebres durante el asedio a Trento, en 1803. El destino de Laclos resulta el opuesto al de Bonaparte, autor de Le souper de Beaucaire, quien no brilló en la literatura pero fue un gran militar. El escritor, en cambio, conquistador y militar frustrado, tuvo bastante con escribir un solo libro para ocupar un puesto de primera fila en la historia de la literatura.

MUERTE EN VENECIA

Por: Mario Arango Escobar.

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LUCHINO VISCONTI

Nació en 1906 en Milán (Italia). Procedente de una familia de la alta aristocracia de su país, recibió una esmerada educación. Tras estudiar música durante varios años, afición que conservaría a lo largo de toda su vida, inició su carrera trabajando como diseñador teatral. En 1935 se trasladó a París, donde colaboró con el cineasta Jean Renoir.

Debuta como director con “Obsesión” (1943), adaptación de la obra de James Cain,  “El cartero llama siempre dos veces. Sin ocultar la influencia francesa de Renoir; el director trasladó, al ambiente y cultura italiana, el asesinato de un hombre por el amante de su esposa, con la complicidad de ésta. La película fue recortada por la censura fascista.

En 1943 es arrestado por sus actividades antifascistas y ha de esperar hasta 1948 para rodar “La tierra tiembla“/La terra trema, adaptación de una novela de Giovanni Verga, “Los Malavoglia”. Narra la historia de la lucha de un pescador y su familia para liberarse de la explotación de los mayoristas de la pesca.

Otros títulos de su filmografía son:

Bellísima“/Bellisima (1951), otro de los momentos mágicos del neorrealismo, que descubre a Anna Magnani como la madre interesada en que su pequeña hija triunfe en el cine.

En uno de sus mejores momentos, Visconti rueda “Senso” (1954), una bella dama de una aristocrática familia italiana, vive un intenso romance con un oficial del ejército austriaco, en plena guerra de independencia italiana frente a Austria.

“Las noches blancas” (1957). Adaptación cinematográfica de la novela de Dostoievski sobre la soledad de dos seres en busca de comunión.

El periodo más fértil de la creatividad de Visconti se cierra con “Rocco y sus hermanos”/Rocco e i suoi fratelli  (1960), suma y compendio de su arte, expresado en las formas de un melodrama de notables efectos en el cual se narra la desintegración de una familia campesina al llegar a la ciudad.

Boccaccio’70 (1962). Comedia satírica en la que cuatro de los directores italianos más brillantes de todos los tiempos hacen una adaptación cinematográfica de algunos cuentos de Boccaccio.

El Gatopardo“/Il gattopardo (1963), una de las obras más ambiciosas de su filmografía,  en la que presenta un amplio fresco social de las convulsiones que agitaban la Italia del siglo XIX

“El extranjero”/ Lo straniero (1967). Adaptación de la novela de Albert Camus. En 1935, un empleado francés  asesina a tiros a un árabe en Argelia y durante el juicio renuncia a defenderse.

En “La caída de los dioses”/ La caduta degli Dei (1970) que narra, con su pausado y elaborado estilo, la decadencia de una familia de industriales, en paralelo con la ascensión del nacionalsocialismo.

“Muerte en Venecia”/ Morte a Venezia  (1971). Película que presentamos en nuestro cineclub.

“Ludwig” (1973),  cuenta la vida extravagante del Rey Sol y su amor romántico por la belleza y por el arte

“El inocente”/ L’innocente  (1976). Basada en la novela homónima de Gabriele D’Annunzio,  en ella, Visconti plasma todas sus obsesiones y ahonda en la decadencia de la clase aristocrática.

Como director de teatro introdujo en Italia la obra de Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre y Arthur Miller y, en lo referente a sus producciones de ópera, protagonizadas en su mayoría por la soprano Maria Callas, cabe destacar La Traviata (1955) y Don Carlos.

Luchino Visconti falleció en Roma en 1976.

Hombre de una amplia cultura y atento siempre al detalle, resulta lógica su inclinación al esteticismo, que encontramos en toda su obra, pero también era un agudo crítico de su tiempo, de su sociedad y sobre todo, de la clase social a la que pertenecía pues no ha habido otro cineasta, que con mayor agudeza haya presentado el mundo de los aristócratas. Y no con una mirada complaciente, en todo caso comprensiva, pero siempre crítica y lucida.

“Mis filmes –decía Visconti en una entrevista- relatan frecuentemente la historia de una familia, y la autodestrucción y la descomposición de dicha familia. Cuento estas historias como entonaría un réquiem porque me parece más justo y oportuno contar tragedias. En mis filmes, las relaciones alcanzan un punto máximo de exasperación. Los personajes de mis filmes son por voluntad propia, sea empujados por las circunstancias, terminan por encontrarse cara a cara consigo mismos. La protección que puede llegarles del amor o de la familia les falta y los privilegios del poder y del dinero (si los tienen) no les basta para protegerles. Están solos. Sin esperanzas de poder cambiar nada en lo que a su situación se refiere y con frecuencia sin siquiera tener el deseo o la voluntad de hacerlo”.

“He sido frecuentemente acusado de decadente. Tengo de la decadencia una opinión muy favorable, como la tenía también, por ejemplo Thomas Mann. Estoy embebido de dicha decadencia Mann es un decadente de la cultura germana, yo de la cultura italiana. Lo que siempre me ha interesado es el examen de una sociedad enferma”.

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MUERTE EN VENECIA/ MORTE A VENEZIA (1971). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ITALIA. DURACIÓN: 127’.

Dirección:  Luchino Visconti. Guión: Luchino Visconti, Nicola Badalucco (Novela: Thomas Mann). Intérpretes: Dirk Bogarde, Björn Andrésen, Silvana Mangano, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli. Fotografía: Pasqualino De Santis. Música: Gustav Mahler.

Sinopsis: Adaptación de la obra homónima del escritor Thomas Mann. Verano de 1911. El compositor alemán Gustav von Aschenbach, llega a Venecia, para pasar una temporada de descanso, superar sus recientes fracasos como compositor, y recuperarse de una crisis cardíaca que lo aqueja. En el hotel que se hospeda, conoce a Tadzio, un hermoso adolescente del que queda fascinado…

Como parte de la llamada trilogía alemana (de la que también hacen parte “La caída de los dioses” 1969, y Ludwig, 1973), el gran maestro italiano nos entrega un film íntimo, reflexivo y contemplativo, donde nos pone de presente el gran conflicto emocional por el que atraviesa el protagonista, “alter ego” del compositor Gustav Mahler.

La narrativa de la película se desarrolla a través de evocaciones del pasado, mediante bien logrados flashbacks. A falta de un narrador, el director y guionista nos hacen una invitación para que prestemos atención a lo que está sugerido en los gestos, ademanes y miradas, con los que Dick Bogarde llena magistralmente su interpretación.

Los diálogos, breves y profundos, en los que destacan, aquellos interiores (a modo de monólogos) que Visconti pone en la mente del protagonista, y a través de los cuales conocemos su concepción del arte y de la belleza.

El maestro italiano acierta al recrear el ambiente asfixiante presente en la novela. De igual manera que en el texto literario, la presencia de la muerte permea todo el film. Es así que Venecia aparece como una ciudad mustia, casi en ruinas, sitiada por la epidemia. Y esta decadencia de la ciudad se complementa, perfectamente, con la mirada a una clase social también en declive, la aristocracia, que Visconti conoce como ningún otro.

La dirección de actores es muestra indiscutible del genio del realizador. En esta ocasión ha elegido un elenco del más alto nivel. Dirk Bogarde se consagra como actor en una interpretación memorable, llena de matices y con una gran dosis de dramatismo. Silvana Mangano, trasciende la pantalla, encarnando el concepto de la belleza, presente en toda la obra viscontiana. En cuanto a Bjön Andrésen, en el papel de Tadzio, recrea con suficiencia y verosimilitud la ambigüedad del adolescente.

La maravillosa fotografía de Pasquale de Santis, haciendo uso de una cámara elegante y sutil, logra imágenes inolvidables por su riqueza plástica.

La selección musical, como no podría ser de otra manera, (en virtud de la formación musical de Visconti.) es exquisita. Sobresale, en este maravilloso conjunto el “adagietto” de la 5ª sinfonía de Mahler, que imprime a película una atmósfera nostálgica y evocadora. Se incluyen además fragmentos de de la opereta “La viuda alegre”, de Lehar, de una canción popular napolitana (“La risata”), de “Canción de cuna” de Mussorgsky y de la composición para piano “Para Elisa”, de Beethoven.

La puesta en escena está llena de  barroquismo. En la magnífica ambientación sobresale los decorados, el vestuario y por supuesto la recreación de época. Se rueda en escenarios naturales de Venecia (Plaza San Marcos, Teatro La Fenice, Lido y en los estudios de Cinecittà, (Roma).

Una escena para destacar. Aquella, cerca al final, en la que el protagonista acude a la playa para observar por última vez a Tadzio. Le mira luchar en la arena con otro joven, intenta intervenir, pero las fuerzas no le alcanzan. La angustia colma todo su ser. Tadzio se interna en el mar. En medio de las sombras del ocaso, su imagen es la imagen de la belleza. Perfecto final, como resumen del tema principal de la película: la imposibilidad de alcanzar la belleza ideal. Igual que el compositor no puede alcanzar a su joven amado.

“Muerte en Venecia”, uno de los paradigmas del cine como arte.

Premios

1971: Nominada al Oscar: Mejor Vestuario.

1971: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (Mejor Película).

1970: Premios David di Donatello: Mejor Director.

Thomas-Mann

THOMAS MANN

Nace en Lübeck (Alemania) en 1875, miembro de una familia de la alta burguesía comercial. Antes de él vino Heinrich, también escritor, y le seguirán Lula, Carla y Viktor. Tras una infancia mimada y feliz, emprende tímidamente algunos estudios universitarios, pero dedica sus mejores esfuerzos a su formación intelectual y literaria; lee y atesora experiencias: Schopenhauer, Nietzsche, Schiller, estancias en Italia, presencia en círculos literarios y culturales.

Con diecinueve años se traslada a Munich –donde vivirá casi cuarenta– y escribe su primer relato: “La caída”. De 1898 es su primer libro, los siete relatos que componían “El pequeño señor Friedermann”. Mann guardará especial cariño siempre a su relato primerizo “Tonio Kröger”. Cultiva su afición al teatro y de su práctica conservará para siempre una elogiada facilidad para las lecturas públicas.

En 1897, durante su estancia en Roma, comienza a escribir la que será su primera gran novela, “Los Buddenbrook”, la saga de tres generaciones de una familia de comerciantes de su ciudad natal. A pesar de engrosar dos volúmenes y de su alto precio se vende muy bien y se ve convertido precozmente a los 26 años en un escritor de éxito.

Todavía en 1929 el Nobel de literatura distinguía a una obra en especial dentro de la trayectoria de un autor. En el caso de Mann no fue la celebrada “La montaña mágica”, publicada seis años antes, sino “Los Buddenbrook”. El propio autor siempre intuyó, y así lo dejó escrito en su “Relato de una vida”, que su consagración vino antes de manos de “La muerte en Venecia” (1912), su otra gran creación literaria del periodo.

En 1933, Hitler gana las elecciones y Mann se traslada a Suiza. Tres años más tarde rompe pública y definitivamente con el III Reich y obtiene la nacionalidad checa. En 1938 se traslada a Princeton y en 1941 a California. Catorce años en total vivirá en Estados Unidos, país que le otorgará su nacionalidad en 1944, cuando el escritor tiene 69 años. Dos años después de concluir la II Guerra Mundial vuelve a Europa y vive en Zurich los últimos cuatro de su vida. Allí muere el 12 de agosto de 1955.

Vivió dos guerras mundiales que tuvieron como centro a su país y evolucionó en sus posturas desde conservador nacionalista (con tintes hoy escandalosos de militarismo y antisemitismo) hasta defensor de la democracia, primero con tibieza y más tarde con una beligerancia que casi termina en socialismo. Grandes conocedores de su obra piensan que en realidad la política no le interesó realmente nunca; en cambio sí, y mucho, la realidad social de su país y, siempre y sobre todo lo demás, el arte. Aun así asumió su responsabilidad de intelectual y prestó su voz de mil maneras a la causa de la libertad. Más importante para él es lo alemán, la defensa del espíritu nacional, y esto está presente desde sus primeros relatos hasta el “Doktor Faustus”. Sus escritos políticos suponen la mitad de su obra de no ficción.

Para conocer su obra

Mann fue un trabajador incansable desde su juventud. En sus “Diarios” aparece un número tal de actividades (viajes, conferencias, tés y cenas con invitados, conciertos, paseos, visitas, la atención de seis hijos, abundantísima correspondencia, etc.), que dejan pocas horas para la escritura de creación. Él insistía, además, en que debía sudar cada párrafo.

Pues bien, a pesar de todo, nos dejó cuatro novelas que rondan las mil páginas cada una (“Los Buddenbrook”, “La montaña mágica”, “José y sus hermanos” y “Doktor Faustus”), cuatro novelas de tamaño normal (“Alteza real”, “Carlota en Weimar”, “El elegido” y “Confesiones del estafador Félix Krull”), cinco novelas cortas (“La muerte en Venecia”, “Señor y perro”, “Mario y el mago”, “Las cabezas trocadas” y “La engañada”), unos 30 relatos (entre los que destacan los títulos de “Tonio Kröger” y “Tristan”) y una obra de teatro (“Fiorenza”). A esto hay que añadir su producción en materias de pensamiento: incontables artículos, conferencias, ensayos, discursos, alocuciones radiofónicas y mensajes; todo sobre asunto biográfico, literario o político-social. De sus “Diarios”sólo se han publicado en España dos volúmenes (1918-1921.1933-36 y 1937-1939). De su “Correspondencia “sólo se han traducido al español las cartas que intercambió con su gran amigo Herman Hesse.

Obras

Narrativa

1894 La caída (Gefallen)
1896 La voluntad de vivir (Der Wille zum Glück)
1896 Enttäuschung
1897 El pequeño señor Friedemann (Der kleine Herr Friedemann)
1897 El payaso (Der Bajazzo)
1897 El diletante
1897 Tobías Mindernickel (Tobias Mindernickel)
1897 La pequeña Lizzy
1899 El armario ropero (Der Kleiderschrank)
1900 Luisita (Luischen)
1900 El camino del cementerio (Der Weg zum Friedhof)
1901 Los Buddenbrook (Buddenbrooks – Verfall einer Familie)
1902 Gladius Dei
1902 Tristán
1903 Tonio Kröger
1903 El niño prodigio (Das Wunderkind)
1904 Fiorenza
1904 Un momento de felicidad (Ein Glück)
1904 Kinderspiele
1904 En casa del profeta (Beim Propheten)
1905 Horas penosas (Schwere Stunde)
1905 La sangre de los Welsa o De la estirpe de Odín (Wälsungenblut)
1908 Anécdota (Anekdote)
1908 Accidente ferroviario (Das Eisenbahnglück)
1909 Alteza real (Königliche Hoheit)
1911 Wie Jappe und Do Escobar sich prügelten
1912 La muerte en Venecia (Der Tod in Venedig)
1918 Señor y perro (Herr und Hund; Gesang vom Kindchen: Zwei Idyllen)
1924 La montaña mágica (Der Zauberberg)
1925 Desorden y penas tempranas (Unordnung und frühes Leid)
1929 Mario y el mago (Mario und der Zauberer)
1930 Relato de mi vida (Lebensabriß)
1933–1943 José y sus hermanos (Joseph und seine Brüder)
1933 Historia de Jacob (Die Geschichten Jaakobs)
1934 El joven José (Der junge Joseph)
1936 José en Egipto (Joseph in Ägypten)
1943 José el Proveedor (Joseph, der Ernährer)
1939 Carlota en Weimar (Lotte in Weimar)
1940 Las cabezas trocadas (Die vertauschten Köpfe – Eine indische Legende)
1944 La ley (Das Gesetz)
1947 Doctor Faustus (Doktor Faustus)
1951 El elegido (Der Erwählte)
1953 Altes und Neues. Kleine Prosa aus fünf Jahrzehnten
1954 El cisne negro (Die Betrogene: Erzählung)
1911–1954 Confesiones del estafador Felix Krull
1918–1951 Diarios (Tagebücher)

Ensayo

Bilse und ich (1906)
Im Spiegel (1907)
Friedrich und die große Koalition (1915)
Consideraciones de un apolítico (Betrachtungen eines Unpolitischen (1918)
Goethe und Tolstoi (1923)
Von deutscher Republik (1923)
Lübeck als geistige Lebensform (1926)
Theodor Fontane (1928)
Deutsche Ansprache. Ein Appell an die Vernunft. (1930)
Goethe als Repräsentant des bürgerlichen Zeitalters (1932)
Goethe und Tolstoi. Zum Problem der Humanität. (1932)
Goethes Laufbahn als Schriftsteller (1933)
] Leiden und Größe Richard Wagners (1933)
Freud und die Zukunft (1936)
Vom zukünftigen Sieg der Demokratie (1938)
Schopenhauer (1938)
Achtung, Europa! (1938)
Dieser Friede (1938)
Das Problem der Freiheit (1939)
Dieser Krieg (1940)
Oíd, alemanes: discursos radiofónicos contra Hitler (1942)
Deutschland und die Deutschen (1945)
Nietzsches Philosophie im Lichte unserer Erfahrung (1947)
Neue Studien (1948)
Goethe und die Demokratie (1949)
Ansprache im Goethejahr 1949
Meine Zeit (1950)
Michelangelo in seinen Dichtungen (1950)
Der Künstler und die Gesellschaft (1953)
Gerhart Hauptmann (1952)
Versuch über Schiller (1955)

http://psicopsi.com/Biografia-Mann-Thomas-1875-1955.asp

http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/7474/Thomas%20Mann

 

LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC

Por: Mario Arango Escobar.

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RICHARD BROOKS

Nació en 1912, en Philadelphia (Estados Unidos). Su verdadero nombre fue Roben Sax. Graduado en Periodismo en Temple University. La crisis de 1929 dificultó su carrera periodística, que inició en pequeños periódicos locales. En 1937 aceptó una oferta del World Telegram y se trasladó a Nueva York. En 1940, en Los Ángeles, escribe una historia al día, durante un año entero, para la cadena NBC. Regresa a Nueva York y se consolida en la radio, donde escribirá numerosos guiones, alguno incluso para Orson Welles, además de montar también alguna obra teatral.  Su carrera en cine la inició como guionista, trabajando para directores tan importantes como John Houston.

En 1959 realiza su primer largometraje “Crisis” (1959). Es la historia de un famoso neurocirujano, que viaja de vacaciones con su esposa a un país de América del Sur. El dictador que lo gobierna, los retiene para que el médico lo opere. Los enemigos de la dictadura secuestran a la esposa del médico para que éste se vea obligarlo a cometer un error.

“La última vez que vi París”/ The Last Time I Saw Paris (1954). Poco después de la Segunda Guerra Mundial, un joven que aspira a ser un escritor famoso, conoce en París a una bella muchacha y se casa con ella. Cuando alcanza el éxito y su situación económica mejora, empieza a frecuentar los ambientes bohemios de la ciudad.

“Semilla de maldad”/ The Blackboard Jungle (1955) Un soldado veterano acepta un empleo como profesor en un conflictivo colegio público. Enseguida comprende que no será tarea fácil ganarse el respeto de los alumnos, algunos de los cuales son delincuentes en potencia. A pesar de que el ambiente es poco propicio, está decidido a trabajar duro para hacer de sus alumnos hombres de bien.

“La gata sobre el tejado de zinc/ Cat on a Hot Tin Roof (1958). Película que presentamos en el foro. “Los hermanos Karamasov”/The Brothers Karamazov (1958). Drama de época que adapta la célebre novela homónima de Dostoievski, en la que se analizan los problemas de una familia rusa del siglo XIX.

“El fuego y la palabra”/  un hombre atractivo, oportunista y absolutamente inmoral. Tras asistir, por casualidad, a una reunión religiosa, se da cuenta de lo fácil que es ganar dinero como predicador y se convierte a la religión Evangélica. Con la hermana Sharon pronuncia unos estremecedores sermones que le permiten conseguir fama y dinero. Pero un periodista sigue sus pasos para desenmascararlo…

“Dulce pájaro de juventud”/Sweet Bird of Youth (1962). Un fracasado aspirante a actor regresa a su ciudad natal convertido en el gigoló de una estrella en declive que promete introducirlo en el mundo del cine. Pero lo que realmente desea es recuperar el amor de su antigua novia, la hija del cacique local.

“A sangre fría”/ In Cold Blood (1967). Adaptación de la novela homónima de Truman Capote. Un honrado granjero de Kansas lleva una vida tranquila con su esposa y sus dos hijos. No puede sospechar ni remotamente que él y su familia van a ser asesinados por dos ex-presidiarios con las facultades mentales perturbadas.

Richard Brooks muere en 1992 por problemas de corazón.

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LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC/CAT ON A HOT TIN ROOF (1958). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN 108’.

Dirección: Richard Brooks. Guión: Richard Brooks, James Poe (Obra: Tennessee Williams). Intérpretes: Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, Judith Anderson, Madeleine Sherwood, Larry Gates, Vaughn Taylor. Fotografía: William Daniels. Música: Charles Wolcott.

Sinopsis: El argumento gira en torno a un matrimonio que no pasa por sus mejores momentos. En él, Brick es un alcohólico ex-deportista aferrado al pasado. Su esposa Maggie es una mujer que todavía le ama y que trata de avivar el amor que les une La pareja llega a celebrar el cumpleaños del padre de él, dueño de una gran hacienda y quien  sufre complicaciones en su salud. En la celebración se encuentran con el otro hijo y su esposa, quienes en todo momento tratarán de ganarse el favor del patriarca familiar para heredar la finca.

Los primeros momentos de la película nos acercan a la crisis matrimonial por la que atraviesan Brick (Paul Newman) y Maggie (Elizabeth Taylor). A través de las constantes discusiones entre ambos, intuimos que algo no  anda bien, aunque el director y guionista, con gran habilidad, mantiene la intriga hasta bien entrado el metraje.

Podríamos decir que la mentira es el punto sobre el cual pivota toda la trama. Ya en las primeras escenas, escuchamos a Maggie, decir a su esposo que “en este mundo hay cosas que se tienen que enfrentar”. Miente Brick, Miente Maggie, afirmando que está embarazada, miente la familia entera, evitando que el padre sepa cuál es su real estado de salud. …Todos parecen temer a la verdad…porque, a veces ésta es dolorosa.

El portentoso guión va develando, lentamente, todo un cúmulo de falsedad e hipocresía, permitiendo que vaya surgiendo lo mejor de cada personaje.

La mano firme de un experimentado director como Brooks, se evidencia en las magistrales interpretaciones de un elenco insuperable. Newman, en el papel del sufrido marido, aporta credibilidad y humanismo. Liz Taylor, como “la gata”, no podría estar más lúcida y más sensual. Impresionante la química que surge entre estos dos actores. Burl Ives, como el patriarca de la familia, consigue una actuación memorable. En cuanto a los secundarios, todos, absolutamente todos, bordan su papel de manera perfecta.

En el apartado técnico, habría que destacar el talento del director a la hora de componer. Cada plano, cada encuadre, está cuidado al máximo. Igual podríamos decir de la sencilla pero bien lograda ambientación, ya que la historia ocurre en el espacio de la mansión familiar. Este recurso hace que, además de recrear la atmósfera asfixiante en la que viven los personajes, los actores deban hacer uso de todo su histrionismo.

Una de las escenas que se queda en el recuerdo del espectador: la que nos muestra esa conversación sincera, llena de emoción, que sostienen padre e hijo en el sótano, y que termina con la subida por las escaleras.

Si bien la película está ambientada en el sur de Estados Unidos, a mediados de 1950, es, para mí, una obra atemporal, y que podría suceder en cualquier país. Pues la verdad, la mentira, la culpa, la ambición, estarán por siempre como parte de la vida de los seres humanos. Como estará por siempre el buen cine, y “La gata sobre el tejado de zinc”, ha ingresado sobradamente, en esa categoría. Una obra imperecedera.

Premios:

1958: 6 Nominaciones al Premio Oscar, incluyendo Película, Director, Actor (Newman), actriz (Taylor).

1958: Globos de Oro: Nominada Mejor Película – Drama y Director.

1958: Premios BAFTA: Nominada a Mejor Película, Actor (Newman) y Actriz (Taylor).

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TENNESSEE WILLIAMS

Tomas Lanier Williams (su verdadero nombre), nació el 26 de marzo de 1911 en Columbus (Mississipi). Pasó parte de su juventud en Saint Louis (Missouri). Se licenció en 1938 en Filosofía y Letras por la Universidad de Iowa, después de pasar por la Universidad de Missouri, en donde se había matriculado en la carrera de Periodismo. Trabajó de fogonero, limpiabotas y lavaplatos, mientras, escribía piezas dramáticas que eran representadas en pequeños teatros comunales.

Williams alcanzó su primer triunfo en Broadway con la obra “El Zoo De Cristal” (1945), título que ganó el premio de la crítica teatral de Nueva York  a la mejor obra de la temporada. Se dice que la escribió movido por un sentimiento de culpabilidad hacia su hermana, que había sufrido una lobotomía.

Tras “El Zoo De Cristal” Tennessee Williams, influido por escritores como D. H. Lawrence o Anton Chejov, se reveló como uno de los grandes dramaturgos estadounidenses de posguerra.

“Un tranvía llamado deseo” (1947) ha sido considerada como la mejor obra de teatro escrita en su país. Fue adaptada al cine en (1952) con gran éxito por Elia Kazan y con Marlon Brando como protagonista. Le valió a su autor su primer Premio Pulitzer de Teatro. El segundo se lo proporcionó “La gata sobre el tejado de zinc” (estrenada en 1954 y rodada en 1958). Estas dos obras contienen diálogos muy poéticos, un gran simbolismo y unos personajes extremadamente originales, características todas ellas siempre presentes en la producción del autor, están ambientadas, como la mayoría de sus obras, en el sur de los Estados Unidos. Sus personajes se hallan frecuentemente enfrentados con la sociedad y se debaten entre conflictos de gran intensidad, en los que terminan por aflorar las pasiones y culpas en su forma original, ajena a los convencionalismos sociales.

Otras obras importantes de su autoría son: “Verano y Humo” (1948), “La Rosa Tatuada” (1951), “De Repente, El Último Verano” (1950),  “Dulce Pájaro De Juventud” (1959) y “La noche de la iguana” (1961).

Entre sus trabajos narrativos se cuentan dos novelas, “La primavera romana de la señora Stone” (1950) y “Moisés y el mundo de la razón” (1975), así como cuatro volúmenes de relatos cortos: “Un brazo y otros relatos” (1948), “Caramelo fundido” (1954), “Un empeño caballeresco” (1969) y “Ocho damas poseídas” (1974).

En el año 1947 Williams, cuya homosexualidad fue revelada en su libro “Memorias” (1975), conoció y se enamoró de Frank Merlo. Merlo falleció de cáncer en 1961, sumiendo al escritor en una profunda depresión de la que jamás se recuperó mentalmente, en un declive físico y mental agrandado por su adicción a las drogas y el alcohol y su tendencia a sufrir ataques de pánico.

Tennessee Williams falleció en Nueva York el 25 de febrero del año 1983 cuando residía en el Hotel Elysee. Tenía 71 años y había aparecido muerto con la tapa de un frasco de seconal en la boca.

MATAR A UN RUISEÑOR

Por: Mario Arango Escobar.

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ROBERT MULLIGAN
Nació en Nueva York 1925. Estudió en la Fordham University antes de acudir al combate con los marines de su país en la Segunda Guerra Mundial. Más tarde inició su carrera como director en la televisión. Debutó en el cine en 1957 con “El precio del éxito/ Fear Strikes Out (1957). Narra la historia de un exitoso deportista que luego de algunos fallos en varios partidos, termina sufriendo una crisis nerviosa que lo pone al borde de la locura.

“El gran impostor”/ The Great Impostor (1961). Confinado en una prisión, un hombre logra escapar y cambia de identidad para evitar que lo capturen. Plenamente integrado en la vida civil, decide adoptar la personalidad de un capitán médico de la Marina.

En 1962, realiza “Matar a un ruiseñor” película que presentamos en nuestro cineclub.
“La noche de los gigantes”/ The Stalking Moon (1968). Un explorador del ejército recién retirado, ayuda a una mujer blanca y a su hijo mestizo a volver a casa, después de haber sido encontrados en un cuartel del ejército entre los prisioneros indios de un campamento apache.

“Verano del 42”/ Summer of ’42 (1971). La película nos narra las experiencias románticas de tres adolescentes durante un verano.
“El próximo año a la misma hora”/ Same Time, Next Year (1978). Un hombre y una mujer se conocen por casualidad en un romántico hotel. Aunque ambos están casados, al día siguiente despiertan perplejos en la misma cama preguntándose qué les ha pasado. Sin embargo, se citan para el año siguiente en el mismo hotel y en la misma fecha.

“Un verano en Louisiana”/ The Man in the Moon (1991). Verano de 1957. En una granja de un pueblo de Louisiana, viven con sus padres dos hermanas: Dani, de 14 años, sueña con ser algún día tan guapa y popular como su hermana Maureen, de 17. En la granja de al lado se acaban de instalar la viuda Marie Foster y su hijo Court, de la misma edad de Maureen. Entre Court y Dani surge inmediatamente una gran simpatía basada en sus juegos y en profundas conversaciones; pero, cuando Court conoce a Maureen, Dani se sentirá muy celosa.
Robert Mulligan murió en Connecticut (Estados Unidos), en el año 2008.

To Kill A Mockingbird

MATAR A UN RUISEÑOR/ TO KILL A MOCKINGBIRD. (1962). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 129’.

Dirección: Robert Mulligan. Guión: Horton Foote (Novela: Harper Lee). Intérpretes: Gregory Peck, Mary Badham, Brock Peters, Phillip Alford, John Megna, Frank Overton, Rosemary Murphy, Robert Duvall. Fotografía: Russell Harlan. Música: Elmer Bernstein.

Sinopsis: En una pequeña villa del estado de Alabama, residen el abogado Atticus Finch y sus dos hijos, Scout y Jem. Finch, de cordial y afable personalidad, encuentra el rechazo de buena parte de sus vecinos por aceptar la defensa de un hombre negro acusado de violar a una joven blanca. Adaptación de la novela homónima de Harper Lee.
Desde los títulos de crédito, la música y la imagen de una hermosa caja, Mulligan nos introduce en una atmósfera evocadora. Estamos en la época de la Gran Depresión americana. La historia está relacionada con los años de infancia de Harper Lee, la autora de la novela sobre la que se adaptó la película.

Con un guión de precisa estructura, la narración se desarrolla desde el punto de vista adulto de Scout Finch (quien encarna a la escritora Harper) y que en el film es tan sólo una niña entre 6 y 9 años apróximadamente. La historia es la recreación de los recuerdos (veinte años más tarde) del tiempo de su infancia, en compañía de su hermano John y de su padre.

Destacable, desde el punto narrativo, es la presentación de la historia en dos bloques bien diferenciados. En primer término, una detallada presentación de personajes. Inicialmente estarían los tres niños protagonistas, que se caracterizan ante todo por su curiosidad. Luego tendríamos a Atticus Finch, el padre. Un hombre íntegro, cariñoso y preocupado por el bienestar y la educación de sus hijos.
Posteriormente, de la mano de la niña narradora, nos trasladamos a esos años felices de su niñez, y conocemos las costumbres y vida de Maycomb, el pequeño poblado de Alabama, donde transcurre el relato.

El otro gran tema importante de la historia sería el momento de juicio. Recurso que Mulligan utiliza para hacer una descripción de lo miserable que el ser humano puede llegar a ser. Atticus deberá luchar en dos frentes, el defender la causa de su cliente y por otro lado el proteger a sus hijos del desprecio que deberán soportar por la defensa que hace de un negro. Pero contra toda suposición, lo niños encontrarán en esta experiencia una gran lección: reconocerán en su padre a un hombre para quien el negro es igual al blanco, cuando de impartir justicia se trata.

Posterior a la ocurrencia del juicio, Mulligan nos sorprende con un final realmente maravilloso, que funciona a modo de conclusión o de moraleja, que no describo para que quienes no hayan visto el film, disfruten de la emoción de este momento.

Además de los ya dicho, es necesario destacar, como uno de los puntos sobresalientes de esta inolvidable película, las magistrales interpretaciones. Gregory Peck realiza, sin lugar a dudas, uno de los mejores trabajos de toda su filmografía. Su personificación de Atticus Finch se constituye en un verdadero ejemplo de buen actuar, a tal punto que es considerado como uno de los más destacados héroes de ficción del cine estadounidense. En cuanto a los niños protagonistas, todos realizan un trabajo actoral destacable, convincente, lleno de naturalidad.

El trabajo fotográfico de Russell Harlan es realmente notable. Sus encuadres idílicos, las amplias perspectivas y las composiciones bien cuidadas, le imprimen al film una fuerza visual deslumbrante, llena de hermosas imágenes que permanecen en la memoria del espectador.

La banda sonora, a cargo del genial Elmer Bernstein, incluye pasajes intimistas, tensos, melodías infantiles, o cortes de terror. Todo un compendio de estados de ánimo. Para destacar, el maravilloso “solo” de flauta que enfatiza la emoción y la tensión en los momentos que se está a la espera del veredicto.

Algunas imágenes para el recuerdo. El momento en el cual John queda atrapado en el alambre de púa. El plano de Atticus saliendo cabizbajo de la sala del juzgado en medio de la comunidad negra que se pone de píe para demostrarle su respeto y admiración. Y por supuesto, la secuencia final, que como dije arriba, no develaré.

Robert Mulligan, realiza una esplendida adaptación de la novela de Harper. Su mirada estética y talento como realizador quedan demostrados al captar, de manera tan hermosa el mundo de la infancia, pero también al respetar y recrear, magistralmente el tema principal de la película: el rechazo a los prejuicios raciales, a la intolerancia y a la discriminación. ¡Imprescindible!

Premios:

1962: 3 Oscars: Mejor actor (Gregory Peck), guión adaptado., dirección artística. 8 nominaciones.
1962: 3 Globos de Oro: Entendimiento internacional, actor (Peck) y BSO. 5 nominaciones.
1963: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1962: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Gregory Peck).

FILE - This March 14, 1963 file photo shows Harper Lee, author of the Pulitzer Prize-winning novel, "To kill a Mockingbird." Publisher Harper announced Tuesday, Feb. 3, 2015, that "Go Set a Watchman," a novel Lee completed in the 1950s and put aside, will be released July 14. It will be her second published book. (AP Photo, File)

HARPER LEE

Nació el 28 de abril de 1926 en Monroeville, Alabama. (Estados Unidos).

Fue la más joven de los cinco hijos de Frances Cunningham, ama de casa, y de Amasa Coleman Lee, que ejerció como abogado y sirvió en la Legislatura del Estado de Alabama de 1926 a 1938.
Cursó estudios en las universidades de Alabama y Oxford, donde estudió derecho durante varios años y escribió para el periódico de la universidad, aunque no completó el grado. Lee trabajó en las oficinas de una compañía aérea en Nueva York.

Su primera y única novela fue Matar un ruiseñor (1960), por la que en 1961 recibió el Premio Pulitzer. Publicada cuando tenía 34 años. Esta obra narra su propia vida en una pequeña localidad sureña, el protagonista, Atticus Finch, está basado en su padre, que una vez defendió dos hombres negros acusados de asesinar a un tendero blanco. Sus clientes, un padre e hijo, fueron ahorcados.

Expone con maestría la vida de un pueblo en plena época de la depresión económica y de una dura segregación racial, que aún subsistía con fuerza en el momento en que publica su novela: años que coinciden con la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos.

En 1962 la novela fue llevada al cine por Robert Mulligan.
En febrero de 2015, Lee anunció la inminente publicación de una segunda novela, titulada Go Set a Watchman (aún sin título al español), a publicarse el 14 de julio de 2015) y que fuera escrita antes de Matar un ruiseñor.