LA ISLA DEL MAÍZ

Por: Mario Arango Escobar.

George-Ovashvili-e1432222893111

GEORGE OVASHVILI

Nació en Tiblisi (Georgia) en 1963. Graduado en el Departamento de Cine y Teatro del Instituto Estatal de Georgia en 1996. Complementó sus estudios en la Academia de Cine de Nueva York y en Universal Studios en Hollywood en 2006.

Su debut cinematográfico ocurre en 2009 con “Gagma napiri”/The Other Bank. La vida le pone muchos obstáculos a Tedo, un niño de 12 años que tuvo que huir de Georgia debido a la guerra civil que asoló la antigua república soviética. La guerra le robó todo lo que tenía, incluso la esperanza.

“Isla de maíz”/ Simindis Kindzuli (2014) es su segundo largometraje, el cual presentamos en nuestro cineclub.

9cdd2ab4-aa9a-4e3e-b30f-fe12821b0e33-2060x1236

ISLA DE MAÍZ / SIMINDIS KUNDZULI (2014). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: GEORGIA. DURACIÓN 100’.

Dirección: George Ovashvili. Guión: Roelof Jan Minneboo, George Ovashvili, Nugzar Shataidze. Intérpretes: Ilyas Salman, Mariam Buturishvili, Tamer Levent. Fotografía: Elemér Ragályi. Música: Iosif Bardanashvili.

Sinopsis: Un anciano campesino y su nieta trabajan juntos, cultivando maíz en una isla formada por las crecientes del río Inguri, frontera natural entre Georgia y Abjasia, una de las zonas más conflictivas de la región del Cáucaso.

George Ovashvili sitúa la acción en una de las épocas más dolorosas de la historia contemporánea de su país, la fratricida guerra, que entre 1992 y 1993, Georgia mantuvo con la provincia de Abjasia, y que produjo más de 10.000 muertos y 300.000 exiliados; pero ciertamente, no estamos ante una película política. El film se va a centrar en relatarnos la llegada de un viejo y su nieta, a una de las pequeñas islas que cada temporada de lluvias se forman en el río Iguri.

A manera de introducción, la película se inicia mostrándonos todo el proceso de adaptación del hombre y la joven a su nuevo entorno, desde la construcción de la pequeña cabaña, hasta la preparación de la tierra para el cultivo. La mirada del director georgiano es casi de documentalista, pues su cámara acompaña, con lujo de detalles, a estos dos nuevos habitantes en su rutina diaria.

Sorprende la sensibilidad del novel director, para acercarnos al mundo elemental de la pareja protagonista. Un mundo simple y austero, como el entorno en el que viven. Y su mirada nos remite, en virtud de la poesía que la acompaña, a maestros como Andréi Tarkovski o Nuri Bilge Ceylan.

La isla, como centro de la película, se convierte en un personaje más. Toda una metáfora sobre los ciclos de la vida. Un relato que a priori parece demasiado sencillo, pero que a medida que avanza el metraje vamos encontrando una serie de temas muy diversos y complejos: la relación entre dos generaciones, la guerra, el sexo, la pérdida…Todos tratados con una sencillez abrumadora, gracias a un guión de sólida factura.

Un relato lineal que en los primeros momentos apela a una total contemplación, pero luego, a través de unos magistrales giros del guión, nuestra percepción cambia, renovando el interés de la historia.
Ovashvili, reitera los travellings y las panorámicas de la isla, y a través de este recurso, nos hace que compartamos con los dos protagonistas, esa sensación de habitar un espacio, ya no material si no espiritual.

Una historia que gira en torno a lo humano, a sus emociones, y por eso los diálogos son mínimos, tan solo unas cuantas frases se escuchan en toda la película. .El silencio, las miradas, los gestos, adquieren una importancia capital en este maravilloso film. A través de ellos los personajes trasmiten toda la poesía y la belleza de sus sentimientos. Y en medio de ese silencio, retumban los disparos, como presencia amenazante de una guerra vecina.
En cuanto a las interpretaciones de la pareja protagonista, habría que decir que están en completa sintonía con la atmósfera de la película. Tanto Ilyas Salman como Mariam Buturishvili logran, en base a la contención, encarnar dos personajes verosímiles, cercanos…

En el apartado técnico mención especial merecen el sonido y la fotografía. El trío de sonidistas (Johannes Doberenz, Marc Nouyrigat y Frédéric Théry) es digno de todo elogio, pues dado el mutismo del film, captar los sonidos ambientes, y convertirlos en protagonistas sonoros es de hecho un trabajo bastante complejo.
Con relación a la fotografía, el maestro Elémer Ragalyi logra imágenes, y planos de una belleza arrebatadora. Juegos de luz y sombra realmente deslumbrantes. Todo un placer visual…sin palabras…

“La isla del maíz”, una verdadera joya cinematográfica. Un relato profundo sobre la relación del hombre con la Naturaleza, la supervivencia… ¡Imperdible!

Premios:

2014: Karlovy Vary International Film Festival: Mejor película.

Nota: Dejo a continuación algunos datos sobre la producción, en palabras del propio director:
“Puedo decir que fue un proyecto muy, muy duro, realmente complicado, porque no teníamos la suficiente financiación, eso lo primero. Y era una producción realmente grande, había gente de 14 países distintos en el set. Pero el mayor problema era cómo construir isla, porque no podíamos rodar en la isla real, en el río real. El motivo era que no podíamos controlar el nivel del agua durante esas tres estaciones en las que estuvimos rodando. Por ello decidimos construir la isla en un lago artificial, y usarlo como río porque podíamos controlar el nivel del agua en ese lago artificial.

Construir la isla fue algo muy complicado porque no teníamos ninguna experiencia sobre cómo hacerlo e incluso no pudimos encontrar ninguna compañía ni en nuestro país ni en ningún país europeo para realizar este proyecto, todos rechazaban hacer algo así diciendo que no era posible, especialmente con nuestra financiación. Pero finalmente de algún modo lo hicimos. Un tipo georgiano, un obrero muy inteligente, la construyó, vino a nosotros y nos dijo ‘Ok, puedo recortar el presupuesto a la mitad’, y construyó la isla. Al final otro momento duro fue destruir la isla, por ese motivo construimos una piscina y otra isla en tierra firme sólo para la escena final.

Así que íbamos paso a paso porque no sabíamos nada sobre cómo hacerlo a nivel técnico, pero yo presionaba a mis productores y les decía: ‘No, no, yo sé que hacer. Sigamos adelante’, aunque realmente no sabía cómo hacerlo, pero en la vida la forma o formas de hacer algo llegan cuando el momento se acerca. Así que finalmente lo hicimos y, claro, el mayor problema fue como llevar el maíz a la isla todo el rato, ya que en la película tenemos hasta 4 variedades distintas de maíz. Y claro, no era posible cultivar el maíz en la isla o seguir el rodaje acorde con el crecimiento, así que llevábamos maíz desde tierra firme todo el tiempo, y cambiábamos el campo de maíz.”

FÉNIX

Por: Mario Arango Escobar.

phoenix_r2

CHRISTIAN PETZOLD

Nació en 1960 en Hilden (Alemania). Después de estudiar Filología Alemana y Arte Dramático en la Universidad Libre de Berlín, se formó en Dirección Cinematográfica en la Academia Alemana del Cine, allí trabajó como ayudante de dirección con Harun Farocki un documentalista especializado en trabajos de enfoque antropológico.

En 1995 dirigió su primer montaje teatral y ese mismo año debutó en el cine con el cortometraje “Pilotinen”, su trabajo de graduación. En él nos cuenta la historia de dos mujeres, vendedoras de cosméticos, que están agobiadas por la rutina de sus vidas.

En 1996 rodó “Cuba libre”. Una historia de dos indigentes Tom y Tina, que en el pasado fueron amantes. Accidentalmente se encuentran, Tom desea retomar la relación pero Tina no está dispuesta a perdonarlo…

Su debut en el largometraje tiene lugar en el año 2001 con “Seguridad interna”/ Die Innere Sicherheit. Historia de dos terroristas de izquierda, prófugos de la justicia. Su hija adolescente se enamora de un desconocido, y pone en riesgo la seguridad de sus padres. El film obtuvo el máximo galardón en los Premios del Cine Alemán.

En 2002 estrenó “Toter Mann”, donde un abogado conoce a una mujer que lo obsesiona y tiene un fugaz acercamiento con ella, pero la mujer desaparece tal como llegó a su vida.
“Wolfsburg” (2003). En este film, un hombre con tendencias depresivas atropella a un niño y se escapa. El remordimiento le acosa y entra en contacto con la madre, sin que logre confesar su culpa, y esto hace que cada vez se encierre más en la depresión.

En 2005 presenta “Gespenster”, película que cuenta como una mujer va a Berlín cada año porque está buscando desesperadamente a su hija, que fue secuestrada siendo una niña. Un día, descubre a Nina, una vagabunda que deambula con otra muchacha llamada Toni. La mujer cree que Nina es su hija.

En 2007 fue galardonado con el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín, gracias a “Yella”, película que narra la historia de una mujer que abandona a su posesivo marido y decide ir en busca de sus sueños. En 2008 dirigió “Jerichow”. Libre adaptación de la novela “El cartero siempre llama dos veces” de James Cain.

En 2011 volvió a lograr el Premio del Cine Alemán, esta vez con “Dreileben – Etwas Besseres als den Tod”; tres historias individuales que giran en torno a la fuga de un delincuente convicto.

En 2012, realiza “Bárbara”. Historia de una médica que después de estar presa en Berlín Occidental,  sale en libertad y es enviada al hospital de un pueblo de la RDA. Al principio, su estancia allí es una tortura, pues se ve sometida a constantes inspecciones, pero pronto acaba adaptándose gracias a la ayuda del jefe del hospital. Película que analizamos en nuestro cineclub (Abril-2013).

En el año 2014, realiza “Fénix” / Phoenix que presentamos en nuestro cineclub.
Christian Petzold es el cineasta alemán más importante surgido tras la reunificación del país. Se le considera la figura más relevante de la Escuela de Berlín, un movimiento cinematográfico algo difuso que surgió a finales de los noventa, y cuyos integrantes pretendía crear un cine alemán alejado de la imitación de Hollywood, que practicaban los cineastas más famosos del país por entonces.

phoenix-2014-Christian-Petzold-006

FÉNIX/PHOENIX (2014). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ALEMANIA. DURACIÓN 110’.

Dirección: Christian Petzold Guión: Christian Petzold, Harun Farocki (Novela: Hubert Monteilhet). Intérpretes: Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Uwe Preuss, Nina Kunzendorf, Michael Maertens, Uwe Preuss, Imogen Kogge, Eva Bay, Kirsten Block. Fotografía: Hans Fromm. Música: Stefan Will.

Sinopsis: Una cantante es recluida en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Su cara está totalmente desfigurada, y al finalizar la guerra acude a un cirujano para que se la reconstruya, pero queda irreconocible tras la operación. Una vez que se ha recuperado, inicia la búsqueda de su esposo, a quien todavía ama. Sin embargo el reencuentro no es lo que ella esperaba…
Petzold construye su nueva película basándose libremente en la novela Le Retour des cendres, del francés Hubert Monteilhet. Le acompaña como coguionista, su colaborador habitual, Harun Farocki.

Analista riguroso de la historia alemana reciente, el director germano vuelve sobre las heridas del nazismo y ubica la historia a mediados de 1945, en la ciudad de Berlín.
La película se abre con una secuencia magistral, que anuncia los parámetros formales y el clima emocional de toda la película. Dos mujeres que llegan a un puesto de control en la entrada de Berlín, poco después de finalizada la segunda guerra mundial. Van en un auto. Una de ellas, la acompañante, tiene todo el rostro vendado. Los soldados norteamericanos las tratan bastante mal y obligan a Nelly a quitarse las vendas. No vemos su rostro, sólo la reacción del soldado que inmediatamente después, las deja entrar a la ciudad… Petzold, muy hábilmente captura nuestro interés en estos primeros minutos que contienen la esencia de su film.

A partir de aquí seremos testigos de la magia del buen cine. De la mano de este narrador maravilloso que es Petzold, nos adentraremos en la desgarradora historia de Nelly (Nina Hoss) y ese arduo camino que debe recorrer para encontrarse con Johnny (Ronald Zehrfeld), su marido y para volver a ser esa mujer que era antes del horror del campo de concentración. Y es justamente el cómo está narrada esta singular historia, cómo combina emoción y suspenso, y sobre todo, cómo nos lleva a esa secuencia final, que podemos decir que “Fénix” es la consagración de Petzold.

Nelly finalmente encuentra a su marido, pero éste no la reconoce. Sin embargo, Johnny se da cuenta que esta mujer puede ser de gran ayuda para su planes. Y se da a la tarea de convertirla en el doble de Nelly. En este proceso de aparente suplantación, Nelly se convierte en una actriz que tiene que representarse a sí misma para convencer a su marido. La representación es perfecta, no obstante, Johnny se niega a verla como la verdadera Nelly, su esposa, igual que ocurre con el pueblo alemán, que no quiere ver, o que niega la existencia de los campos de concentración.

Acierta Petzold en la escogencia de la pareja de actores protagonistas, pues sus actuaciones se convierten en una de las fortalezas de la película. Sobresaliente la interpretación de Nina Hoss, en un rol bastante complejo, que ella asume magníficamente. A través de su gestualidad percibimos, de manera sutil, la huella del Holocausto y nos damos cuenta de los sentimientos que experimenta Nelly. En cuanto a Ronald Zehrfeld, decir que su desempeño actoral, bastante acertado, sirve de contrapunto perfecto a la caracterización de la Hoss.

De nuevo el director germano recurre, como ya es habitual en su filmografía, al recurso narrativo de la contención, de lo no dicho. “Fénix” adquiere su fuerza en lo no visible, en lo misterioso y confuso, en la tensión que se siente aunque no logremos verla. A ello contribuye la gama de tonos oscuros predominantes, la iluminación penumbrosa o esa frialdad y desconfianza presente en los personajes.
Escenas para tener en cuenta. Cuando Nelly, después de salir del hospital, regresa a lo que fuera su casa. Solo encuentra ruinas. Al hacer un recorrido, casualmente se ve reflejada en un espejo roto. Una significativa alegoría. Después de la Guerra, todo queda roto, incluso uno mismo. Cuando Nelly se da cuenta que Johnny está en el cabaret, y se escucha el tema de “Night and Day, que habla del amor.

Pero sin lugar a dudas, inolvidable, la secuencia final. Cuando Nelly empieza a cantar “Speak Low” (un clásico con letra de Ogden Nash y música de Kurt Weill), en compañía de su esposo que la sigue en el piano. Al comienzo su voz es torpe, casi un susurro. Percibimos su angustia…y de pronto, recobra toda su fuerza, su marido, en silencio, se da cuenta de su error. Nelly vuela, libre…ante nuestro estupor y el de sus conocidos. Un final perfecto.

Como ya lo dije, pienso que con “Fénix”, Christian Petzold se consagra como uno de los más sensibles y talentosos directores alemanes del momento. Para no perder de vista.

Premios:                                                                                                                           2014: Festival de San Sebastián: Premio FIPRESCI.

 

HASTA LA VISTA

Por: Mario Arango Escobar.

1414664915389_0570x0379_1414665082230

GEOFFREY ENTHOVEN

Nació en 1974 en Wilrijk (Bélgica). Es licenciado en Artes de la Royal Academy of Fine Arte de Gante, graduado en 1999.

Debuta en la dirección cinematográfica con “Los niños del amor”/ Les enfants de l’amour (2002). Michael, Winnie y Aurelie son hijos de la misma madre, pero de distinto padre. De su educación se encarga su madre, que se ha divorciado por segunda vez. Winnie mantiene una difícil relación con su padre y sufre la falta de afecto de su padrastro. Para Michael, en cambio, su padre es un héroe, y cree que la culpa de todo lo que ha sucedido a la familia la tiene su padrastro. Aurelie, la más pequeña, está muy contenta cada vez que va a ver a su padre, aunque no entiende por qué su hermano y su hermana no pueden acompañarla.

“Vidange perdue” (2006). Relata la historia de un octogenario malhumorado y orgulloso que debe enfrentarse a su soledad.

“Juntos y felices” / Happy Together (2008). Martin y Eline, una pareja feliz, deciden comprar una casa en Toscana para pasar las vacaciones. Tras firmar el contrato, se enteran de que el director del banco ha desaparecido con su dinero. Esta situación perturbará el equilibrio de la feliz familia.

“Hasta la vista” (2011). Película que presentamos en nuestro cineclub.

“Halfweg” (2014). Stef ha comprado una casa Art Nouveau por una miseria. Sin embargo, la suerte no le acompañará por mucho tiempo: el espectro del antiguo propietario de la casa no tardará en aparecer en su vida.

Autosave-File vom d-lab2/3 der AgfaPhoto GmbH

 

HASTA LA VISTA (2011). GÉNERO: COMEDIA-DRAMA. PAÍS: BÉLGICA. DURACIÓN: 109’.

Dirección: Geoffrey Enthoven. Guión: Pierre De Clercq. Intérpretes: Robrecht Vanden Thoren, Gilles De Schrijver, Tom Audenaert, Isabelle de Hertogh, Kimke Desart, Johan Heldenbergh, Karlijn Sileghem, Katelijne Verbeke. Fotografía: Gerd Schelfhout. Música: Meuris.

Sinopsis: Tres jóvenes amigos, un enfermo terminal en silla de ruedas, un paralítico, y un ciego, deciden emprender un viaje desde Bélgica hasta España. Allí esperan hacer realidad uno de sus sueños: tener su primer encuentro sexual con una mujer.

Pierre De Clercq, el guionista de la película, se inspiró en la experiencia de Asta Philpot, un hombre afectado de Artrogriposis (una enfermedad que afecta seriamente a las articulaciones) y quien se ha convertido en un entusiasta defensor de legalizar la prostitución, como una forma de permitirle a gente con discapacidad tener la oportunidad de tener relaciones sexuales. Según afirma, como todo ser humano, él tiene sentimientos y necesidades, pero sus características particulares le hacen muy difícil (y frustrante) poder lograr una relación de pareja estable y por ello debe recurrir a la prostitución.

Desde las primeras imágenes, el director belga deja bien claro el interés sexual que mueve a los tres protagonistas. Inicialmente, aparecen en pantalla dos voluptuosas jóvenes deportistas que despreocupadamente corren por la playa, una cámara lenta las acompaña en su recorrido y al mismo tiempo enfoca sus atractivos. Seguidamente, conocemos a los tres amigos discapacitados, quienes quedan impactados emocionalmente por las esculturales chicas…

Cansados de tener que conformarse con mirar a las mujeres de su alrededor, deciden emprender un recorrido desde Bélgica hasta España, donde saben que hay un burdel que ofrece servicios sexuales especializados para personas con algún tipo de discapacidad. Como también desean darse un respiro a la protección de sus padres, han decidido viajar solos.

Luego vienen los preparativos del viaje, la escapada… con toques del más fino humor, A partir de ahí, la película se centra en las aventuras y desventuras de estos amigos, que en compañía de una singular enfermera, que además ejercerá como conductora del vehículo, emprenden el anhelado viaje. Un viaje que ciertamente, no estará exento de dificultades, pero que a medida que avanza el metraje, servirá para que la amistad entre ellos se consolide.

El magnífico guión acierta en la construcción de unos personajes pletóricos de humanidad, que terminan, gracias a su carisma, ganándose la simpatía del espectador. Es tal su personalidad que el tema de su discapacidad pasa a un segundo plano.

“Hasta la vista” es una película pequeña, sin grandes pretensiones filosóficas o técnicas. Bastante sencilla en el apartado formal, lo que contribuye a enfatizar su realismo. Para destacar unos diálogos agudos, y cáusticos.

La forma en la que Enthoven narra esta particular historia la hace original, así el tema de la discapacidad haya sido tratada en el cine, en repetidas ocasiones. Y pienso que esto se debe al acertado equilibrio entre drama y comedia, al respeto con el que se acerca a sus personajes y por supuesto, al excelente desempeño del grupo de actores.

Llama la atención que los tres actores protagonistas son actores profesionales sin ningún tipo de discapacidad. Y es tal la calidad de su desempeño que cuesta trabajo creerlo. Sus actuaciones son totalmente creíbles y naturales, y en ningún momento tratan de generar lástima ni pesar. Además de ellos, estaría Isabelle de Thoren (Claude), una mujer corpulenta, ruda, que viene de la cárcel y quien gracias a la humanidad y a la ternura, con que trata a los tres muchachos, termina “robándose la pantalla”. Claude será para ellos, guía turística, enfermera, compañera y cómplice…

“Hasta la vista”, una historia de superación personal, con la que el director belga nos acerca al particular mundo de las personas discapacitadas. De los múltiples obstáculos que deben salvar, pero lo más importante: nos muestra las dificultades que tienen los parapléjicos para encontrar no sólo el amor, sino el sexo. Una película que rescata y enfatiza el verdadero significado de la palabra amigo. Una pequeña gran joya.

Premios:

2011: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de Oro (Mejor Película).
2011: Festival de Montreal: Mejor Película.
2012: Premios del Cine Europeo: Premio del Público a la Mejor Película Europea.

CORAZÓN SILENCIOSO

Por: Mario Arango Escobar.


241869_16_9_large_895

BILLE AUGUST

Nació en 1948 en Brede (Dinamarca). El primer acercamiento de August a la imagen fue gracias a sus estudios de fotografía comercial en Estocolmo, en la afamada Escuela de Christer Stroholm, estudios que completó en el Instituto Cinematográfico Danés. A partir de estos conocimientos se estrena en el cine como director de fotografía, labor que ejercerá en Suecia a lo largo de más de una docena de películas, en el cine y la televisión.

En 1983 dirige su primer largometraje “Zappa”, una historia sensible de descubrimiento y amistad entre niños, que le valió un lugar de respeto entre los cineastas escandinavos. “Zappa” se basa en una novela de Bjarne Reuter, escritor y guionista  danés conocido por sus libros para niños. Otros títulos destacados de su filmografía son:

“Pelle el Conquistador”/ Pelle erobreren (1987). Considerada por muchos como su obra maestra. Además de obtener el Oscar a la mejor película extranjera, el film ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, llevando a su director a la fama internacional. A finales del siglo XIX, numerosos inmigrantes suecos llegan en barco a la isla danesa de Bornholm buscando una vida mejor. Entre ellos están el joven Pelle y su padre, quienes pronto consiguen trabajo en la granja Stone, pero en condiciones similares a la esclavitud. La granja es un lugar muy duro capaz de matar todos sus sueños. Pero Lasse le dice a su hijo: “si lo deseas, puedes conquistar el mundo”.

En 1992, realiza “Las mejores intenciones”/ Den goda viljan, basada en un guión autobiográfico de Bergman, que cuenta la historia de sus padres, antes de su nacimiento, en 1918. La película obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.
“La casa de los espíritus/The House of the Spirits (1993). Historia de los Trueba, una turbulenta familia chilena de clase alta que, durante tres generaciones, vive los cambiantes acontecimientos de su país, desde finales del siglo XIX hasta el golpe de estado que derrocó al gobierno de Salvador Allende en 1973. A pesar de ser un éxito comercial, fue recibida con indiferencia por la crítica internacional. Basada en la  novela de Isabel Allende.

“Los Miserables”/ Les Miserables (1998). Cuenta la historia de Jean Valjean que, dura e injustamente condenado por robar una barra de pan, se ve perseguido por la justicia a lo largo de toda su vida. Adaptación cinematográfica de la novela de Víctor Hugo.

“Una canción para Martin”/ En Sång för Martin (2001). Un famoso director de orquesta, víctima del Alzheimer, ve cómo va borrándose toda una vida de estudios y conocimientos musicales. El único consuelo es un romance otoñal con una violinista, infelizmente casada, que trata de ayudarlo en su difícil situación.

“Marie Krøyer” (2012). A principios del siglo XX, Marie está casada con el pintor danés más famoso del mundo, P.S. Krøyer. Toda la gente importante de la época desea ser pintados por Krøyer, y él puede poner el precio que quiera. Ser pintado por él es un gran honor. Marie es considerada la mujer más bella de Europa. Junto a su hija Vibeke experimentan una vida llena de lujo. Sin embargo, Krøyer es maníaco depresivo y tiene  sífilis. Puede pasar de ser adorable a un monstruo enloquecido sin previo aviso…

En 2013, el director vuelve a las grandes coproducciones con el thriller histórico y filosófico “Tren de noche a Lisboa“/ Night Train to Lisbon, Es la historia de un profesor suizo que lleva una vida monótona y solitaria. Después de salvar a una mujer portuguesa del suicidio, por primera vez en su vida se deja llevar por un impulso y abandona su trabajo para ir a Lisboa a investigar la vida de un escritor que luchó contra el dictador portugués Antonio de Oliveira Salazar.

“Corazón Silencioso”/ Stille hjerte (2014). Película que presentamos en nuestro cineclub.

 Stille-Hjerte-Silent-Heart-001

CORAZÓN SILENCIOSO/ STILLE HJERTE (2014). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: DINAMARCA. DURACIÓN: 98’.

Dirección: Bille August. Guión: Christian Torpe. Intérpretes: Ghita Nørby, Morten Grunwald, Paprika Steen, Danica Curcic, Jens Albinus, Pilou Asbæk, Vigga Bro, Oskar Sælan Halskov. Fotografía: Dirk Brüel.

Sinopsis: Una mujer invita a su familia para que pasen juntos el fin de  semana. El pretexto para esta reunión es despedirse de todos, antes de poner fin a su vida, pues ha sido diagnosticada de una rara y grave enfermedad.

Después de algunos filmes un tanto decepcionantes, Bille August regresa, con “Corazón silencioso”, a ese nicho del cine escandinavo de gran nivel, que ya había conquistado con obras tan notables como “Pelle, el conquistador” y “Las mejores intenciones”.

La historia se inicia cuando Esther (Ghita Nørby), la matriarca de la familia, aquejada de  ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica), ha decidido quitarse la vida ese fin de semana. Tanto su esposo como sus dos hijas están de acuerdo, y han prometido respetar la decisión de su madre.

A medida que avanza el metraje, y el dramático final se acerca, la posición de las hijas sobre la muerte de su  madre, va evolucionando, y en el caso de Sanne (Danica Curcic), la inestable hija menor, el cambio es rotundo, y amenaza con impedir la muerte de la mamá, llamando a una ambulancia.

A partir de este momento, realmente, nos encontramos con el drama familiar, que se verá acrecentado cuando Heidi (Paprika Steen), la hija mayor, descubra ciertos hechos que ponen entredicho al padre…

La posición antagónica de las dos hijas, nos introduce en el aspecto humano de la historia, y hace que el espectador se convierta en  cómplice de la defensa de la dignidad, que está presente en la decisión de la madre.

“Este tipo de historia, centrada en las relaciones familiares, me interesó mucho. La eutanasia se ha abordado en muchas ocasiones en el cine danés en los últimos años. Y sin embargo cuando recibí el guion me encantó cómo le afectaba a la familia la decisión de la madre de morir voluntariamente. Creo que mi película también tiene que ver con la cuestión de la dignidad”, algo muy ligado a la eutanasia. “Yo no he tomado una decisión sobre ella, pero sí me atrae la idea de plantear muchas preguntas a los espectadores”, afirma Bille August.

Un tema bastante difícil de abordar, que sin embargo, es tratado por el director danés con gran inteligencia. Utilizando una narrativa que impacta por su lirismo, belleza y  fluidez. En ningún momento August asume una posición moralizante, en ningún momento emite juicios sobre las acciones y actitudes de los personajes.

El bien elaborado guión, sin fisuras de ningún tipo, a cargo de Christian Torpe, recoge con gran profundidad, todos los matices de esta emotiva historia, que los actores protagonistas, nos trasmiten a cabalidad.

Sin duda alguna, uno de los puntos destacables de “Corazón silencioso”, lo constituye la mano experimentada de un director como August, pero también, el acierto de un grupo de actores y actrices de gran nivel. Al respecto, el trío protagonista está insuperable.

Sentimental y emotivo el tema musical que acompaña todo el relato, reforzando el ambiente que viven los personajes. Al final, ópera para un cierre perfecto.

Escenas para destacar. La que nos recrea la fiesta familiar, incluida la sesión de marihuana consumida por todos los miembros de la familia…

Atención a la secuencia previa al final, cuando Esther decide tomar las pastillas. Hermosa la presencia amorosa de su esposo… y sobre todo ese abrazo en silencio… inolvidable…

Bille August, nos deja una película hermosa, bien rodada, excelentemente bien actuada, pero sobre todo, nos deja con una serie de interrogantes, de reflexiones sobre ese complicado tema de la eutanasia. Una película necesaria.

Premios:

2014: Festival de San Sebastián: Mejor Actriz (Steen).