CICLO: HELEN MIRREN

Por: Mario Arango Escobar.

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CICLO: HELEN MIRREN

Como ya es habitual, cada año en nuestro cineclub dedicamos un ciclo a destacar la obra de un director, de un actor o de una actriz. En esta oportunidad hemos seleccionado el nombre de Helen Mirren, una mujer que a través de una prolífica carrera profesional ha ingresado con honores, en la Historia del cine.
Las películas que hacen parte de este ciclo, deben sumarse a las que hemos presentado en años anteriores, para que de esta manera podamos apreciar, en su verdadera dimensión, la importancia de Helen Mirren, en el mundo del cine.

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HELEN MIRREN

Helen Lydia Mirónov (su verdadero nombre), nació en 1946 en Hammersmith, Londres. Su madre era inglesa y su padre ruso. El padre de Helen anglicanizó el apellido de Mirren en los años 1950 y cambió su nombre por el de Basilio Mirren. Tocó la viola con la Filarmónica de Londres antes de la Segunda Guerra Mundial, y más tarde condujo un taxi antes de convertirse en funcionario del Ministerio de Transporte.

Sintió la vocación artística desde muy niña, debutando a los 19 años en el papel de la reina Cleopatra en el drama homónimo de William Shakespeare. Adquirió una sólida formación teatral en la prestigiosa Royal Shakespeare Company y en el experimental Centre for Theatre Research fundado por Peter Brook.

En 1967 hará su primera aparición ante una cámara en el filme para televisión “The Extravaganza of Golgotha Smuts”.
Un año más tarde, y como un reconocimiento a su desempeño teatral, interpretando a los grandes clásicos, participa en la película, del director Peter Hall “El sueño de una noche de verano” /A Midsummer Night’s Dream (1968), adaptación de la obra de William Shakespeare.
Sin embargo, sería su participación en el film “Calígula” (1979), del director italiano Tinto Brass, que le hará conocer por el gran público. El film narra el ascenso y caída del emperador romano Calígula (12 D.C-41 D.C), sobrino e hijo adoptivo del emperador Tiberio. Otros títulos sobresalientes de su filmografía son:

“El largo viernes santo”/ The Long Good Friday (1980). En el más tradicional estilo del cine de gangsters, ambientado en el Londres contemporáneo, utilizando unas generosas dosis de violencia, la película desarrolla una compleja trama de enfrentamientos entre bandas.
“La costa de los mosquitos”/ The Mosquito Coast (1986). Un brillante inventor, hastiado del consumismo de la sociedad moderna, decide alejarse de la civilización con su familia y emprender una nueva vida en plena jungla. Bajo su guía, su nuevo hogar se convierte en un paraíso gracias a sus inventos, pero pronto su mente comienza a desmoronarse.

“El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante”/ The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover (1989). Albert es el sádico dueño de un restaurante. Su fuerte carácter y las tiránicas formas que aplica en el trabajo hacen que todos los empleados estén sometidos a un continuo régimen de esclavitud, incluida su esposa, Giorgina, a quien ridiculiza.
“El placer de los extraños”/ The Comfort of Strangers (1990) Una pareja inglesa que pasa por un momento de tedio en su matrimonio decide ir de viaje a la romántica ciudad de Venecia.

“La locura del Rey Jorge”/ The Madness of King George (1994), con la cual logra el re conocimiento internacional. Su primera nominación a los Oscar, a Mejor Actriz de Reparto, así como otra nominación a los BAFTA. Película que presentamos en nuestro cineclub
“En el nombre del hijo”/ Some Mother’s Son (1996). Irlanda, 1979. Frank y Gerard, dos jóvenes terroristas, son detenidos y juzgados. Frank es condenado a cadena perpetua, y Gerard a doce años. Fuera de la cárcel, la madre de Gerard, antes contraria a cualquier tipo de violencia, se va acercando cada vez más a la posición de su nueva amiga, la madre de Frank, que es una nacionalista radical. Basada en una historia real
“Últimas órdenes/ Last orders (2001). Cuatro amigos se reúnen para cumplir la última voluntad de Jack, un camarada que acaba de morir: esparcir sus cenizas en el mar. La situación los lleva a evocar los acontecimientos más importantes de sus vidas. Adaptación de una novela de Graham Swift que trata sobre la amistad.

“Gosford Park” (2001). Noviembre de 1932. Godsford Park es la magnífica mansión campestre a la que sus dueños invitan a familiares y amigos para una partida de caza, que culmina en un asesinato. ¿Quién es el culpable? Puede ser cualquiera de ellos. Razones para asesinarlo no les faltan, a ninguno. Con este film, Mirren logra su segunda nominación al Oscar.
“Las chicas del calendario”/ Calendar Girls (2003). En Inglaterra, en el Instituto de la Mujer, lo habitual es aprender a hacer mermeladas, arreglos florales, punto y repostería. Un grupo de mujeres que se ha propuesto recaudar fondos para la lucha contra la leucemia decide utilizar con este fin el Calendario del centro, que tradicionalmente representa puestas de sol, postres o flores; pero a ellas se les ocurre algo más innovador: aparecer desnudas detrás de los dulces y de los arreglos florales.

“Elizabeth I “. (2005). Miniserie de dos episodios. La reina de Inglaterra Isabel I tuvo que demostrar a Europa y a sus súbditos su capacidad para gobernar con firmeza en un mundo dominado por los hombres.
“La Reina”/ The Queen (2006). Relato de los sucesos políticos acaecidos tras la muerte de la princesa Diana. Se centra sobre todo en las conversaciones que mantuvieron la Reina Isabel y el Primer Ministro Tony Blair para llegar a un acuerdo sobre la petición popular de que se celebrara un duelo nacional.
“La última estación”/ The Last Station (2009). Drama histórico y biográfico sobre el legendario escritor ruso León Tolstói. El film ilustra además, la batalla espiritual que tuvo que librar el novelista para conciliar la fama y el compromiso con una vida extraordinariamente austera.

“La deuda”/ The Debt (2011). En 1965, durante una misión secreta en Berlín oriental, tres jóvenes agentes del Mossad (servicio de inteligencia israelí) capturan a un importante criminal de guerra nazi. La misión no salió como estaba planeada, pero ellos se convirtieron en héroes. Sin embargo, treinta años, más tarde, en 1997, algo sucede que cambia de nuevo la versión de aquella misión.
“La puerta”/ Az ajtó (2012). Hungría, mediados del siglo XX. Mientras la escritora Magda marcha constantemente hacia el reconocimiento profesional y el éxito; Emerenc, su empleada doméstica, se retrae a su pasado llegando a un descubrimiento emocional con consecuencias que cambiarán su vida.
“Un viaje de 10 metros”/ The Hundred-Foot Journey. (2014). Los Kadam, una familia india se traslada al sur de Francia. Allí deciden abrir un restaurante enfrente de un lujoso restaurante francés de alta cocina, regentado, por la odiosa Madame Mallory

“La dama de oro”/ Woman in Gold (2015). Basada en una historia real. Una mujer judía que huyó de Viena durante la II Guerra Mundial, regresa sesenta años después para reclamar las propiedades que los nazis confiscaron a su familia, entre las que se encuentra el célebre ‘Retrato de Adele Bloch-Bauer I’, de Gustav Klimt .
“Trumbo. La lista negra de Hollywood” /Trumbo (2015). Biopic del famoso guionista Dalton Trumbo que tuvo que escribir bajo pseudónimo tras ser acusado de comunista.

“Espìas desde el cielo”/ Eye in the Sky (2015). Una oficial de la inteligencia militar británica, lidera una operación secreta para capturar a un grupo de terroristas en Nairobi, Kenia. Cuando se da cuenta que los terroristas están en una misión suicida, ella debe cambiar sus planes de ‘capturar’ por ‘matar’. El piloto estadounidense de drones Steve Watts recibe la orden de destruir el refugio donde se hallan los terroristas, pero una niña de nueve años ingresa en la zona donde podría ser herida.

Helen Mirren es una feminista militante que simpatiza con el Partido Laborista y sostiene causas sociales como la lucha contra el sida en África.
En 2003, recibió una Damehood en la Orden del Imperio Británico por servicios a las artes escénicas.
Su trayectoria profesional le ha llevado a obtener los más importantes premios: el Óscar, el Globo de Oro, el Emmy, el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes, en dos ocasiones, y el Tony de Nueva York.

English actor Nigel Hawthorne (1929 - 2001) as King George III and actress Helen Mirren as Queen Charlotte in the film 'The Madness of King George', 1994. (Photo by Keith Hamshere/Getty Images)

LA LOCURA DEL REY JORGE/ The Madness of King George (1994) GÉNERO: DRAMA-HISTÓRICO. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN 107’.

Dirección: Nicholas Hytner. Guión: Alan Bennett (Teatro: Alan Bennett). Intérpretes: Nigel Hawthorne, Helen Mirren, Ian Holm, Rupert Everett, Amanda Donohoe, Rupert Graves, Julian Rhind-Tutt, Julian Wadham, Jim Carter, Geoffrey Palmer, Charlotte Curley. Fotografía: Andrew Dunn. Música: George Fenton.

Sinopsis: Inglaterra, 1786. La familia real británica ve tambalear sus cimientos cuando su máximo exponente, el rey Jorge III, soberano dotado de una excéntrica personalidad se ve atacado por una extraña y desconocida dolencia física que le lleva al borde de la locura. Basada en la obra teatral de Alan Bennett.

La película se desarrolla en el marco del reinado de Jorge III de Hannover (1760-1820), más concretamente en el año de 1783, momento en el que tiene lugar la independencia de las colonias americanas, que luego conformarían los actuales Estados Unidos. A causa de esta derrota, el monarca entra en una depresión y prontamente es diagnosticado con un cuadro de bipolaridad. Ante este hecho, el rey es separado de su cargo, pues sus opositores políticos determinan que no es apto para ejercer su cargo. Al mando de esta conspiración se encuentra su hijo mayor, el Príncipe de Gales, heredero al trono, que ve la oportunidad precisa para suplantar a su padre.

La narrativa del film conserva la impronta precisa de la obra teatral, en la cual sobresalen unos diálogos magníficos que nos develan el interior de un ser atormentado. A ello habría que sumar un guión de perfecta factura, con una creación muy bien lograda de los personajes, y una mirada certera de la intimidad de la realeza, sus intrigas, sus devaneos…Todo ello en medio de un equilibrio muy bien logrado entre momentos de sarcástico humor y momentos de gran dramatismo.

En aras de su matriz teatral, el director y guionista acierta en la dirección de actores, lo mismo que en la elección de todo el reparto, especialmente en el personaje del rey, magistralmente encarnado por Nigel Hawthorne, sobre quien recae el mayor peso de la película, y que logra dotar a la figura del monarca de gran humanidad Destacable, también, en grado sumo, la presencia en el casting de Helen Mirren, quien nos ofrece una interpretación llena de fuerza, en un personaje que le permite hacer gala de toda su experiencia en las tablas. Su caracterización de la reina Carlota, le significó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes. Ambos protagonistas están secundados por un grupo de actores secundarios que cumplen con creces con sus respectivos roles.

En el apartado técnico, destacar el cuidadoso diseño de producción, la recreación de época, el vestuario, los peinados, la fotografía que nos deleita con hermosos paisajes y jardines, interiores, mobiliario y decoración. La banda sonora, a cargo del compositor George Fenton, con fragmentos de música clásica que contribuye de manera perfecta a crear la atmósfera en la que sucede la historia.

“La locura del Rey Jorge”, nos ofrece una crítica mordaz sobre el mundo de la realeza, y en ese sentido es una película muy vigente, pues el papel de estas instituciones, que aún hoy perviven, cada vez es más cuestionado. De otro lado, es una obra que nos permite reflexionar sobre valores como la amistad, la fidelidad, el respeto. Una muestra del mejor cine inglés.

Premios:
1994: Oscar: Mejor dirección artística. 4 Nominaciones.
1995: 3 premios BAFTA, incluyendo maquillaje y actor (Hawthorne). 14 nominaciones.
1994: Festival de Cannes: Mejor actriz (Helen Mirren).

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NICHOLAS HYTNER

Nació en 1956 en Didsbury, Manchester (Inglaterra). Se graduó en la Universidad de Cambridge en producción y dirección teatral. Ha sido el director de teatro más elogiado de Gran Bretaña antes de dirigir su atención al cine. Ha dirigido tres producciones para el Royal Shakespeare Company, “The Tempest” y King Lear.
Entre sus seis producciones para el Teatro “Nacional Británico” incluye Ghetto de Joshua Sobol, The Madness of King George III de Alan Bennet y The Cripple of Innishman de Martin McDonagh.
En Nueva York, Hytner ha dirigido Miss Saigon y las producciones del Lincoln Center Theater de Rodgers y Hammerstein, Carousel y Tweifth Night de Shakespeare. Carousel ganó cinco Premios Tony incluyendo uno para Hytner como Mejor Director.

Debuta como director de cine con el film “La locura del rey Jorge”/ The Madness of King George (1994). Otros títulos de su filmografía son:

“El crisol”/ The Crucible (1996). En 1692, en la puritana ciudad de Salem (Massachussetts), un grupo de chicas es acusado de practicar la brujería. Una de ellas, Abigail Williams, procesada por esta razón, presenta a su vez cargos contra John Proctor y su esposa Elizabeth para vengarse de ellos: cuando fue su sirvienta tuvo una aventura con John, que acabó rechazándola para volver con su mujer.

“Mucho más que amigos”/ The Object of my Affection (1998). Una simpática joven heterosexual (Aniston) conoce a un gay encantador (Paul Rudd) y le propone compartir piso. Pronto simpatizarán y se harán grandes amigos; pero los sentimientos que ella experimenta hacia él y un embarazo por sorpresa amenazan con destruir una convivencia casi ideal.

“Ritmo del éxito”/ Center Stage (2000). Exitosa producción para el público juvenil sobre unos aspirantes a entrar en el ballet nacional americano. Los jóvenes bailarines del American Ballet Theater de Nueva York competirán con gran sacrificio por ser las primeras figuras del centro.

“The History Boys” (2006). Basada en una popular obra de teatro londinense que narra la historia de cinco estudiantes de Sheffield, al norte de Inglaterra, a mediados de los años ochenta. “The Lady in the Van”(2015). Un buen día, la señorita Shepherd (Maggie Smith), una mujer de orígenes inciertos, aparca su furgoneta en una acera de Londres, en el acceso a la casa del escritor Alan Bennett (Alex Jennings). Lo que al principio iba a ser algo temporal, un favor a regañadientes, se acaba convirtiendo en una relación que cambiará las vidas de ambos.

EL TREN DE ZHOU YU

Por: Mario Arango Escobar.

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SUN ZHOU

Nació en Dhandong (China) en 1954. Empezó su carrera como camarógrafo en el canal de televisión provincial de Shandong y grabó unos 30 dramas televisivos, con los cuales obtuvo numerosos premios en la televisión nacional.

En 1984 ingresó en la Academia de Cine de Beijing, para realizar estudios avanzados de dirección cinematográfica.

A partir de 1992 Sun se replantea su trabajo y decide tomarse un descanso en la producción, hecho que justifica en las siguientes palabras: “Creo que un artista debe crear en respuesta al tiempo y la sociedad en la que vive. Sentí que no se me permitía hacer eso a principios de los noventa”, explica el cineasta. En lugar de continuar, fundó una productora con algunos compañeros y se concentró en hacer anuncios televisivos. Entre 1992 y 1999 no hizo ninguna película.

En 1999, apareció como actor en “El emperador y el asesino”, de Chen Kaige, que significó el encuentro con la actriz Gon Li, protagonista de la película. El resultado de la conexión entre Sun Zhou y Gong Li fue “Breaking the silence” (1999). Historia de una madre que intenta proteger a su hijo de todos los inconvenientes. Film que le significó a Li ganar el premio a la Mejor Actriz, tanto en los Premios Golden Rooster como en el Festival de Montreal.

“El Tren de Zhou Yu”/ Zhou Yu de huo che (2002). Película con la cual Sun Zhou se consolida como un director de estilo minucioso y reposado. Película presentada en el segundo semestre de 2007 en agosto de 2016.

“Wo Yuan Yi (2012). Weiwei, una mujer con un gran éxito profesional, se enamora de Huawie, un modesto empleado, pero en realidad es un billonario. Mientras, su exnovio Yang reaparece de improviso, haciendo todo lo posible por recuperarla.

“Imposible”/ Bu Ke Si Yi (2015). Un camionero tiene un encuentro en la tercera fase con una lluvia de criaturas de origen extraterrestre. Pronto entrará en contacto directo con una de ellas, que se ha refugiado dentro de su ordenador portátil.

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EL TREN DE ZHOU YU/ Zhou Yu de huo che (2002) GÉNERO: DRAMA-ROMANCE. PAÍS: CHINA. DURACIÓN: 96′

Dirección: Sun Zhou. Guión: Sun Zhou, Zhang Mei, Bei Cun. Intérpretes: Gong Li, Tony Leung Ka Fai, Sun Honglei, Li Zhixiong, Shi Chunling, Liu Wei, Gao Jingwen, Pan Weiyan. Fotografía: Wang Yu. Música: Shigeru Umebayashi.

Sinopsis: Xiu, una mujer sofisticada e independiente, mantiene una relación con Chen Ching, un tímido e introvertido poeta que trabaja como bibliotecario. Antes de encontrar a Xiu, Chen Ching había conocido en un baile a Zhou Yu una pintora de porcelana. Entre ambos nace una pasión desbordante. Sin embargo, con el paso del tiempo, el poeta se siente acosado ante pasión de su amante, y decide marcharse a una ciudad lejana.

Siguiendo las huellas del cine de Won Kar wai, el realizador chino nos introduce en la particular y romántica historia de amor vivida por Chen Ching (Tony Leung Ka-Fai), un modesto poeta que ejerce como bibliotecario en un apartado pueblo de China. La historia ocurre en dos instancias temporales distintas, y será protagonizada por Xiu y Zhou You, dos mujeres que pertenecen a dos mundos totalmente diferentes.
Xiu es una mujer moderna, sofisticada e independiente. Zhou You, es una artesana, sencilla, que trabaja decorando porcelana. Xiu pertenece al presente, y es quien nos narra la historia que, en el pasado, vivieron Zhou You y Chen Chin.

Desde el momento en que Chen Ching conoce a Zhou Yu, queda deslumbrado por su exótica belleza, y le obsequia uno de sus poemas. Este hecho marcará el inicio de una pasión amorosa que hará que Zhou Yu recorra, cada semana, grandes distancias para encontrarse con su amado…Encuentros en los que los amantes dan rienda a una pasión que parece no tener límites. Sin embargo, llegará un momento en el cual Chen Ching se sentirá agobiado por la presión de Zhou. Para poner fin a esta relación decide aceptar una vacante en una apartada región. Hasta allí viaja Xiu y Chen Ching le ruega que se quede a su lado, pero la mujer, llena de celos, se niega a hacerlo…

Con una narrativa compleja, por los sucesivos viajes entre pasado y presente, y por el hecho de que las dos mujeres protagonistas están interpretadas por Gon Li, en un principio el espectador puede verse desorientado, pero poco a poco, el director y guionista nos va entregando la información necesaria, para que, al final, todas las piezas del puzle encajen perfectamente. Indudablemente, este recurso de combinar los sucesos del pasado y el presente, además de mantener en vilo al espectador, también va a determinar que el film mantenga un ritmo ágil en todo momento.
Otro aspecto que llama la atención, desde la estructura narrativa del film, es la tendencia de director a fragmentar algunas secuencias, con lo cual “El tren de Zhou Yu”, se acerca formalmente, a la inolvidable “Deseando amar” de Won kar-wai.

Y a propósito de la película del director hongkonés, la que reseño, también comparte con ella la autoría de la banda sonora, a cargo del notable compositor japonés Shigeru Umebayashi, quien logra en esta oportunidad repetir su acostumbrado lirismo para potenciar el romanticismo que viven los protagonistas.

Si formalmente esta obra de Sun Zhou está tan bien lograda, visualmente podría decir que roza la perfección. A ello contribuye la fotografía del maestro Wang Yu, quien no solo se complace con registrar hermosas locaciones, sino también en lograr unos encuadres donde se advierte la mirada de un gran artista.

El film abunda en contenidos oníricos, que, al igual que las metáforas visuales, hablan de conexiones entre las almas de los enamorados, y refuerzan el tono poético de la historia. La presencia permanente del tren (como un símbolo de la vida que pasa, como símil de los encuentros y separaciones de los amantes), le convierten en un personaje más de la película.

La doble caracterización de las dos mujeres que aparecen en la vida de Chen Ching, a cargo de la bellísima Gon Li, es sin lugar a dudas, uno de los puntos fuertes del film. Su interpretación es toda una demostración de histrionismo y la consolidan como la musa indiscutible del cine oriental. En cuanto a Tony Leung Ka Fai, decir que su papel de poeta es bastante verosímil, y que el actor lo carga de matices expresivos, logrando un contrapunto perfecto para la actriz protagonista.

Escenas para el recuerdo. Aquella en la cual Chen Ching, lleno de tristeza, lanza sus poemas al mar, y en el fondo se escucha el leitmotiv de la película.

En definitiva, pienso que el director Sun Zhou ha logrado concretar en esta hermosa película, el objetivo que se propuso, según sus palabras: “Quería contar una historia de amor en la que el amor no fuera lógico, el deseo no fuera racional y la obsesión fuera inexplicable.” Una auténtica joya cinematográfica.

TODOS LOS CAMINOS CONDUCEN A CASA

Por: Mario Arango Escobar.

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LEE JEONGHYANG

Lee Jung-Hyang nació el 13 de abril de 1964 en Corea del Sur. Licenciada por la Universidad de Sogang (es una de las universidades líderes en Artes e investigación en Seúl) en literatura y filología francesa en 1987 y por la Academia Coreana de Cine en 1988.

Se interesó por el cine desde su época de estudiante universitaria, y desde entonces siempre ha tenido películas en mente. Una vez finalizados sus estudios de cine y antes de iniciarse como directora, se desempeñó como ayudante de dirección.

Debuta como directora con “El zoológico al lado del museo”/ Misulgwan yup dongmulwon (1998). Historia de dos extraños, con muy pocas afinidades, que se ven forzados a vivir juntos.

“Todos los caminos conducen a casa” (2002) es su segundo largometraje, con el que ha conseguido el reconocimiento tanto en su país, como a nivel internacional.

“Una razón para vivir”/ O-neul (2011). La directora de documentales Da-hae pierde a su prometido en un accidente de tráfico el día de su cumpleaños. Sin embargo, perdona a su asesino de 15 años debido a sus creencias católicas, y firma una petición de absolución. Un año más tarde, Da-hae realiza un documental en contra de la pena de muerte encargado por una iglesia católica, y descubre que el chico al que perdonó ha cometido otro homicidio…

 

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TODOS LOS CAMINOS CONDUCEN A CASA/ KIBEURO (2002). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: COREA DEL SUR. DURACIÓN: 85’

Dirección y guión: Lee Jeong-hyang. Intérpretes: Eul-boon Kim, Seung-ho Yu, Hyo-hee Dong, Kyung-hyun Min, Eun-kyung Yim . Fotografía: Ion Hong-Shik. Música: Kim Dae-Hong.

Sinopsis: Un niño de ciudad debe viajar al campo. Allí pasará una temporada con su abuela, mientras su propia madre puede hacerse cargo de él. La convivencia del pequeño con su abuela, es el núcleo de este precioso film.

La directora coreana nos narra el encuentro entre Sang Woo; un niño citadino, de unos siete años, y su abuela, una mujer anciana y muda; que siempre ha vivido en el campo.

Desde que el niño llega a su nueva casa, se siente incómodo con el nuevo entorno. Nada le causa agrado, pues la modesta vivienda de su abuela carece totalmente de los lujos y comodidades a los que está acostumbrado. La abuela, ante los continuos berrinches y malos tratos de su malcriado nieto, responde con ternura y mansedumbre. Tan solo a través de su mirada y de unos gestos completamente elocuentes, poco, a poco, llega al corazón del muchacho para modificar sus comportamientos.

La realizadora Lee Jeong-hyang opta por narrarnos la historia desde la mirada del niño, sin embargo, el espectador la siente o la “vive” a través de la abuela y de ahí su ritmo tranquilo y pausado. Acorde con este minimalismo formal, que invita a la contemplación, se impone la presencia protagónica de los silencios y las miradas, a través de los cuales logramos adentrarnos en las emociones y en los sentimientos de los dos protagonistas.   Acorde con este discurrir moroso del relato, encontramos una excelente fotografía y una banda sonora de gran lirismo (a cargo del compositor Kim Dae-Hong), que acentúan el dramatismo de las escenas.

En el plano actoral, uno de los puntos fuertes del film, sorprende la interpretación de      Eul-boon Kim, una mujer sin ninguna experiencia ante las cámaras, que logra conmovernos por su gran capacidad expresiva.                                                                                     En cuanto al joven actor Yoo Seung-ho (como Sang Woo), aunque ya tenía experiencia, logra igualmente, una interpretación bastante verosímil, y hace que permanezca en la mente del espectador.

Es evidente el talento de la directora y guionista no solo en la elección de sus actores sino también en lo bien estructurado de unos personajes, sencillos, humanos, realistas.
Escenas para el recuerdo. Sin lugar a dudas, la que narra el momento en el que la abuela pregunta al niño qué desea comer, y éste responde que pollo a lo Kentucky, y los esfuerzos de aquella por satisfacerle…
Otra escena de gran emotividad, cuando la cámara nos muestra el momento de la despedida de Sang Woo…
Y el final. Esas cartas que el niño ha dejado a la abuela, simplemente maravilloso!
Para terminar, estamos ante una película pequeña en apariencia, pero inmensa en contenido. Que nos sugiere una reflexión profunda sobre el poder del amor, de la sencillez, de lo esencial. Además, un hermoso homenaje a esos seres que siempre estarán en nuestro corazón: las abuelas. Imprescindible!

TIME

Por: Mario Arango Escobar.

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KIM KI DUK

Nació en 1960 en Boghwa, al norte de Corea del Sur. Creció en el seno de una familia obrera del ámbito rural. A los nueve años se trasladó junto a sus padres a Seúl, donde aprendió el oficio familiar de la agricultura, actividad que abandonó a los 17 años para trabajar como obrero fabril. A los 20 años se inscribió en el ejército, donde sirvió como suboficial de marina durante cinco años.

En 1990, una vez cumplido el servicio militar, se trasladó a Francia, donde estudió Bellas Artes y pasó dos años pintando en una iglesia, con la intención de hacerse un predicador.
Durante su estancia en París, sobrevivió con lo que ganaba vendiendo sus pinturas en la calle. En consecuencia, la llegada de Kim Ki-duk al mundo del cine, comenzó de una manera bastante diferente a la seguida por la mayoría de cineastas.

No sería hasta su primer viaje a París que Kim Ki-duk descubriría el cine. En las salas de la capital parisina vio por primera vez películas como ‘El silencio de los corderos’ o ‘Los amantes del Pont Neuf’. Nunca recibió ningún tipo de educación académica ni formación sobre la realización cinematográfica, ni siquiera llegó a ejercer como ayudante de dirección. Todos sus conocimientos y aprendizaje los adquirió haciendo películas, experimentando con el medio. Esto es precisamente lo que le ha permitido desarrollar esa libertad a la hora de ponerse detrás de la cámara para abordar sus películas.
De regreso a su país, Kim Ki-duk decidió presentarse a varios concursos de guión, ganando en 1993 un prestigioso galardón nacional por ‘Un pintor y un criminal condenado a muerte’ y otros más en los años posteriores.
Si bien es cierto que ninguna de estas obras se llevó a la pantalla, también lo es que gracias a ellas firmó su primer contrato. “Cocodrilo”/ Ag-o. (1996). Es la historia de unos marginados, habitantes de calle, que viven la vida al día, y que ven su rutina alterada con la aparición de una mujer que intenta suicidarse y a la cual rescatan.

En su filmografía, destacan los siguientes títulos:
“La isla”/ Seom (2000), película con la cual logra el reconocimiento internacional. En ella nos cuenta la historia de un ex-policía que, después de matar a su amante, está decidido a suicidarse, si no fuera porque se lo impide una extraña mujer.
Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera/ Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom (2003). Dividida en cinco fragmentos, uno por cada estación del título, cada uno de ellos es una alegoría de las diferentes etapas por las que pasa la vida de un hombre.

“Hierro 3”/ Bin-jip (2004). Un poema de estilizada belleza, en el que se narra la rutina de un joven inquilino de casas ajenas, que ve su día a día alterado cuando en una de las casas que ocupa, se encuentra con una mujer maltratada por su marido. Entre los dos se establecerá una complicidad, una historia de amor entre dos seres inadaptados.
“El arco”/ The Bow (2005). Película en la cual nos narra los deseos y esperanzas de un solitario anciano a través de una joven a la que nunca podrá poseer.
“Samaritan Girl” (2005). Triste historia que desarrolla magistralmente, el tema de la prostitución de adolescentes.
“Time”/Shi Gan (2006). Película que presentamos en nuestro cineclub.
“Aliento”/ Soom (2007). Un hombre condenado a muerte espera el momento de su ejecución, aislado tras varios intentos fallidos de suicidio. Una mujer sufre ante las múltiples infidelidades y los malos tratos de su marido. El inesperado encuentro de estos dos solitarios supondrá un nuevo aliento para sus vidas.

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TIME /SHI GAN (2006). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: COREA DEL SUR. DURACIÓN: 97′.

Dirección y guión: Kim Ki-duk. Intérpretes: Ha Jung-Woo, Park Ji-Yeon, Kiki Sugino, Kim Sung-Min, Seong Hyeon-A, Jang Jun-Yeong, Suh Won Oh, Jung Gyu-Woon. Fotografía: Jong-moo Sung. Música: Hyung-woo Noh.

Sinopsis: Después de dos años de noviazgo, una joven teme que su novio se haya cansado de ella, y se fije más en otras mujeres en las que encuentre la frescura de la novedad. Un amor sin límites y unos celos enfermizos la empujan entonces a acudir a una clínica de cirugía estética, con la esperanza de que un nuevo rostro permita volver a enamorarle, como la primera vez…
Con el estilo simbólico que caracteriza su cine, el director coreano desarrolla esta inquietante historia, en la que nos presenta a Seh-hee una mujer enamorada locamente de su novio. Ambos llevan varios años de romance, y al parecer todo es perfecto. Sin embargo, con el paso del tiempo, la mujer empieza a sentirse insegura del amor de su amante. Para conjurar la posibilidad de que el hombre la abandone por otra, más joven, ella decide acudir a un cirujano plástico para transformarse en otra mujer, y de esta manera, conservarle a su lado.

Luego de la cirugía, Seh-hee, desaparece de la vida de Ji-woo, que no logra entender el porqué del abandono. Una vez que la mujer se ha recuperado regresa, con otro rostro, pero Ji-woo no la reconoce. Empiezan a frecuentarse y él se enamora de ella, con lo cual Seh-hee se da cuenta que su antiguo novio la ha olvidado. Llena de ansiedad y angustia, al ver que su transformación no ha logrado el objetivo esperado, decide escribir una carta a Ji-woo pidiéndole que retomen su relación. Él quiere volver con Ella. Ella siente celos de Ella misma. Ella se siente infeliz con Ella y quiere volver a ser Ella. Ella vuelva a él con una máscara de Ella. Él se da cuenta de que Ella es Ella. Él no entiende a Ella. Él se va. Él se hace la cirugía. Ella le busca a él, pero ella no sabe quién es él. Ella cree conocer en varias ocasiones a él. Pero él no es él. Ella piensa que él muere. Ella quiere desaparecer y se hace la cirugía otra vez para ser otra Ella. Ella sale de la clínica y choca con Ella original… Y todo vuelve a empezar, en un círculo vicioso, donde ambos personajes quedan atrapados irremediablemente.

Kim Ki-duk, de manera muy inteligente, utiliza toda su creatividad para sumergirnos en esta metáfora que tiene que ver con la propia identidad, y con el dilema que Ji-woo debe resolver, cual es el de elegir entre las dos mujeres, antes y después de la cirugía. Si elige a la que se ha transformado, traicionaría a su antigua novia, y si no lo hace, el rechazo es totalmente frustrante e inaceptable…
En el apartado técnico, mención aparte para la imponente fotografía, a cargo de Jong-moo Sung. Además de recoger locaciones hermosas, el hecho de que el protagonista sea fotógrafo, no es gratuito. Recordemos cómo está decorada su habitación, con fotos de su amada, una manera de conservarla, de mantenerla a su lado. En cambio para ella, carente de identidad, las fotos significan una pérdida intolerable. Su propia foto se convierte en máscara. De otro lado, el uso del color de manera simbólica, es otro elemento que aporta riqueza y significado a la película. Una banda sonora, de gran lirismo, que refuerza los momentos más dramáticos del relato.

Una historia compleja, de gran contenido metafórico, que logra ser creíble, gracias al sólido guión y a unos intérpretes que literalmente “se meten” en sus personajes, logrando que el espectador se identifique con su tragedia.

“Time”, una película capital dentro de la filmografía, sorprendente y a veces desconcertante del director coreano. Un film que admite, como toda gran obra, múltiples lecturas. El tiempo en su eterno pasar… en su eterno recomenzar; y a cuyo paso queda su huella, en el cuerpo; en las relaciones amorosas…Y el gran tema de la identidad, de la propia aceptación, en conflicto con los cánones de belleza impuestos por el mercado. Imperdible!

Nota:
El parque de las esculturas.
El lugar que aparece en la película, y que los protagonistas denominan con este nombre, está lleno de obras de arte, que representan el amor y el dolor, temas que desarrolla la película. Se trata del parque de Baemigumi, situado en la isla de Mo, a cuarenta kilómetros de Seúl, la capital de Corea. Allí expone una treintena de obras el escultor Lee Il-ho, que vive y trabaja en esta isla, de superficie inferior al kilómetro cuadrado. Lee ensalza la naturaleza en sus esculturas, pues no le gusta la frenética vida de la ciudad. Cree que la tecnología avanzada puede perjudicar al espíritu y a los instintos más puros del ser humano.