UNA VIDA NUEVA

Por: Mario Arango Escobar.

OUNIE LECOMTE

Nació en 1966 en Seúl Corea del Sur. Cuando contaba con solo nueve años abandonó el país para irse a vivir a Francia con su nueva familia adoptiva. Tras finalizar sus estudios de Diseño de Moda, Lecomte trabajó en diversas películas, entre las que destaca su papel como actriz en el largometraje Paris S’éveille de Olivier Assayas. En 1991, la directora volvió a su Corea natal con el objeto de interpretar a una joven abandonada en busca de sus raíces. La película, un proyecto de Seo Myung-so titulado Seul Metropolis nunca llegó a realizarse, pero Lecomte acabó reencontrándose con su familia biológica.

En 2006 se inscribió en el taller de escritura de guión Femis (La Fémis, ahora Escuela Nacional Superior de Oficios de la imagen y el sonido, es la escuela nacional de cine en Francia), en cuyo seno desarrolló la que se convertiría en su ópera prima Una vida nueva (A Brand New Life).
“Yo deseo que seas amado locamante”/ Je vous souhaite d’être follement aimée), (2015) nos presenta a Elisa, una fisioterapeuta que se instala con su joven hijo, Noé, en Dunkerque, la ciudad donde nació. Meses antes, ella comenzó a investigar a su madre biológica, pero la mujer se negó a revelar su identidad. En busca de una madre desconocida, su pasado y su historia, Elisa no se dará por vencida y buscará comprender, pero la suerte va a cambiar sus expectativas…

UNA VIDA NUEVA/Yeohaengja (2009) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: COREA DEL SUR. DURACIÓN: 92

Dirección y guión: Ounie Lecomte. Intérpretes: Kyung-gu Sol, Ah-sung Ko, Sae Ron Kim, Man-seok Oh, Seong-kun Mun, Myeong-shin Park, Yoo-nah Kim, Do Yeon Park. Fotografía: Hyun Seok Kim.

Retomando recuerdos de su propia infancia, la directora coreana nos presenta esta, su opera prima. La historia está ambientada en los años 70, en una pequeña ciudad de Corea del Sur.

El film comienza mostrándonos a una niña, Jinhee (Sae Ron Kim) de unos nueve años, en compañía de su padre. Juntos disfrutan de un paseo en bicicleta, o comiéndose un helado. La niña se siente feliz con la presencia de su papá, y con los zapatos nuevos que éste le ha regalado. La directora, muy hábilmente, esboza una figura paterna ausente, y por eso casi todo el tiempo oculta su rostro a la cámara.

Al día siguiente, toman el autobús y llegan a un orfanato, donde su padre, sin previo aviso, deja abandonada a Jinhee.

La niña no logra entender cómo, su padre, que es su adoración, la ha abandonado y confía en que pronto regresará por ella. Cuando Jinhee se da cuenta de que no volverá a ver a su papá, entra en una profunda depresión. Se aísla de las demás niñas, se niega a comer, llegando incluso a intentar escaparse del convento.

Con el paso de los días, nuestra protagonista termina aceptando su situación, y empieza a integrarse al grupo de compañeras. Con Sookhee (Do Yeon Park), compartirá muchos secretos, y se convertirán en amigas cómplices, e inseparables.

Llega el día en el que Sookhee, es acogida en adopción y debe abandonar el convento. Ésta pérdida hará que Jinhee experimente nuevos estados de rabia, y de soledad, pero al mismo tiempo, le harán comprender que la mejor opción para ella es la adopción…

Ounie Leconte demuestra, además de su gran talento en la realización, la gran sensibilidad con la que recrea esta parte dolorosa de su existencia. Su mirada intimista está presente en cada plano, ofreciéndonos momentos de gran emotividad.

La directora es honesta con su propuesta. Se limita a narrar unos hechos de su infancia, pero no cae en la tentación de ser juez de sus personajes, y deja que sea el espectador quien lo haga.

En el apartado técnico, se hace necesario destacar el magnífico trabajo fotográfico de Hyun Seok Kim, quien haciendo uso de una paleta de colores agrisados, crea el clima perfecto para la historia.

El singular trabajo actoral de la pequeña Sae Ron Kim, interpretando a Jinhee, deja a la claras la acertada dirección de actores por parte de Lecomte, pero además nos pone frente a una verdadera promesa de la actuación. Uno de los puntos fuertes de la película

Otro punto a favor de la realizadora, es la forma en la que cierra la historia. Una escena final llena de incógnitas y de incertidumbres, lejos de un final feliz, que nunca podría tener una película como la que hemos visto.

Escenas para el recuerdo: Toda la secuencia en la cual Jinhee nos cuenta una anécdota con su hermano pequeño, que ella cree, fue la que llevó a su padre a dejarla en el orfanato.
La otra secuencia, tiene que ver con el momento en que la protagonista, en un momento de total desesperación, empieza a cavar su propia tumba
Ounie Lecomte, siguiendo los pasos de los grandes cineastas orientales, opta por una propuesta sencilla, de gran sensibilidad y belleza visual y nos ofrece una película que perdurará en todo espectador sensible.

MAUDIE

Por: Mario Arango Escobar.

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AISLING WALSH

Nació en Dublín en 1958. Estudió en el Instituto de Arte, Diseño y Tecnología Dún Laoghaire de Dublín y en la Escuela Nacional de Cine en Beaconsfield, Inglaterra.
Otros títulos de su filmografía son:

“Los niños de San Judas”/ Song for a Raggy Boy (2003) Irlanda, 1939. Al reformatorio católico de San Judas llega un nuevo profesor, cuyos métodos chocan frontalmente con los del resto del profesorado, encabezado por el hermano John, que no duda en tratar violentamente a los alumnos. Es la historia de un hombre que no duda en rebelarse y luchar contra el férreo régimen del reformatorio. Su vida es un dramático viaje, desde las destruidas calles del Madrid de la Guerra civil al limitado mundo de un reformatorio. Basada en hechos reales.

“Visiones de Europa”/ Visions of Europe (2004). Veinticinco cineastas, uno por cada estado de la Unión Europea, realizaron una película sobre sus respectivos países. Todas tenían el mismo presupuesto, debían estar ambientadas en el presente o en un futuro inmediato y durar cinco minutos. No había otras limitaciones, de modo que los autores tenían plena libertad para expresarse. Entre los directores figuran tanto nombres consagrados como voces nuevas dentro del panorama cinematográfico. Cada corto tiene su propia identidad, por lo que es posible establecer comparaciones fascinantes; pero, además, juntos ofrecen una imagen global de la Comunidad Europea a través de la fusión de esas distintas visiones conceptuales y creativas.

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MAUDIE. (2016) DRAMABIOPICPAÍS: IRLANDA. DURACIÓN: 115

Dirección: Aisling Walsh. Guión: Sherry White. Intérpretes: Sally Hawkins, Ethan Hawke, Kari Matchett, Gabrielle Rose, Zachary Bennett, Billy MacLellan, Marthe Bernard, Lawrence Barry, David Feehan, Mike Daly, Nik Sexton, Greg Malone, Brian Marler. Fotografía: Guy Godfree. Múscia: Michael Timmins.

Con base en hechos reales, la realizadora irlandesa Aisling Walsh, nos introduce en la vida de la pintora canadiense Maudie Lewis, quien es considerada como un verdadero icono del Arte Naif a nivel mundial. Sus obras hacen parte de importantes colecciones de Estados Unidos, como es el caso de la pinacoteca de la Casa Blanca, donde dos de sus cuadros fueron elegidos por el presidente Nixon, como parte de la exhibición permanente.

Luego de perder a sus padres, Maudie (Sally Hawkins) es dejada por su hermano Charles al cuidado de su tía Ida. A causa de su artritis reumatoide, la vida de nuestra protagonista se circunscribe a las tareas del hogar, pues Ida no le permite dedicar tiempo a su verdadera pasión: la pintura.

Maudie ansía ser independiente, tener una familia, un trabajo…La vida que su tía le ofrece no le satisface, y entonces, a pesar de sus limitaciones, decide ir en busca de su autonomía.

Un día, al entrar a una tienda para comprar útiles de pintura, Maudie se entera de que un hombre está buscando una mujer para que se encargue de las tareas domésticas. Sigilosamente toma el anuncio que el hombre acaba de pegar en una cartelera y al día siguiente se presenta en la dirección que aparece en el a viso, ofreciendo sus servicios.

Inicialmente Everett (Ethan Hawke), el hombre del anuncio, se niega a aceptarla pues desconfía que una mujer con la discapacidad que él ve en Maudie, no pueda desempeñarse cabalmente. Finalmente, ante la insistencia de Maudie, opta por contratarla.

Una vez que Maudie se ha instalado en su nueva casa, deberá someterse a las estrictas y humillantes normas de Everet, para quien primero están los perros, luego las gallinas y por último ella. Sin embargo, Maudie, asume con resignación lo dispuesto por su patrón, pues no le queda otra alternativa.

A partir de este momento, el relato va a centrarse en mostrarnos la cotidianidad de la pareja. Conoceremos apartes del pasado de ambos personajes, la maternidad frustrada de Maud y los traumas infantiles de Everett. Es así como terminamos comprendiendo muchos de sus comportamientos.

A medida que la historia avanza, notaremos la evolución de los dos protagonistas. Everett cambiará su despotismo por una actitud más comprensiva y cariñosa ante su mujer. De otro lado Maud, con su indómito carácter logra, finalmente, dedicarse a pintar. Con el pasar de los días, el amor y el perdón harán que la relación de pareja se consolide totalmente.

Paralelamente a esta evolución en la relación de Maud con Everett, vamos notando la transformación, que la pequeña vivienda va experimentando, gracias a las pinturas que Maudie va colocando por doquier, haciendo de ésta un lugar acogedor y cálido.

La narrativa de la película está apoyada en un guión sencillo y bien estructurado. Se percibe el interés de la directora por destacar a la artista, al ser humano, su lucha para sobreponerse a las limitaciones de su enfermedad, y por encontrar la aceptación que su familia le negó. Pero no se trata de una historia lastimera, sino de la tenacidad de una mujer por salir adelante y ser feliz.

La magnífica ambientación se complementa con una cuidadosa recreación de la época. El vestuario es austero, acorde con los personajes.
El trabajo del fotógrafo Guy Godfree, es digno de elogio, pues a través de su acertado juego de luces y sombras logra una bella descripción del paisaje de Nueva Escocia, así como de los objetos y los personajes.
En cuanto a la banda sonora, que mezcla ritmos irlandeses y country, a cargo del compositor Michael Tiommins, acompaña y refuerza perfectamente los momentos dramáticos.
A nivel interpretativo, Sally Hawkins nos regala una actuación memorable, captando en su personaje la alegría y el gozo de la artista protagonista. A su lado Ethan Hawke, también acierta en su papel, de gran contención y sutileza. Un contrapunto perfecto para Hawkins.
La directora Walsh logra su cometido, en una película que nos acerca a la vida y obra de una artista excepcional. Sin ninguna formación académica, Maudie Lewis plasmó en sus pinturas su mundo interior con total libertad, como todo gran artista. Imperdible!!

LA PROFESORA

Por: Mario Arango Escobar.

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JAN HREBEJK

Nació en 1967 en Praga (República Checa).Estudió en la Escuela de Cine y Televisión de la Academia de Artes Escénicas en Praga.

Obras destacadas de su filmografía:

“Pelísky” (1999). Dos familias, los Sebkovi y los Krausovi, se disponen a celebrar la Navidad, pero no precisamente con buen humor navideño. Los hijos adolescentes piensan que sus padres son totalmente estúpidos, y los padres están seguros de que sus hijos son unos rebeldes consentidos que se quejan de todo.

“El amor en tiempos de odio”/Musime si pomáhat (2000). En el marco de la Segunda Guerra Mundial, en un pequeño pueblo checo que ha caído en manos de los alemanes, vive Josef, en compañía de su mujer. La apacible vida de los esposos se verá alterada con la llegada de David, un judío que les pide protección ante su inminente captura por parte de los nazis…película que presentamos en nuestro cineclub en abril de 2016.

“Horem pádem” (2004). Dos contrabandistas se encuentran a un bebé abandonado, lo que dará pie a las más cómicas situaciones.

“Kawasakiho ruze (2009). 2009. Pavel Josek, un inminente científico y antiguo disidente, está a punto de recibir una condecoración por su valentía. Sin embargo, durante el rodaje de un documental de televisión sobre su vida se desvelará que a principios de los años 70, y bajo presión de la policía secreta, este hombre tomó parte activa en la desacreditación de un antiguo amigo que se vio finalmente obligado a emigrar. Este drama familiar gira en torno a las prácticas de la policía secreta a la hora de desacreditar a sus oponentes.

“Líbánky” (2013). Durante una íntima luna de miel que se llevará a cabo durante la tarde, la noche y la mañana siguiente en una casa de campo, irrumpirá un invitado inesperado.

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LA PROFESORA/Ucitelka (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESLOVAQUIA. DURACIÓN: 102

Dirección: Jan Hrebejk. Guión: Petr Jarchovský. Intérpretes: Zuzana Mauréry, Zuzana Konecná, Csongor Kassai, Tamara Fischer, Martin Havelka, Éva Bandor, Oliver Oswald, Peter Bebjak, Richard Labuda, Ina Gogálová, Monika Certezni, Peter Bartak, Jozef Domonkos, Judita Hansman. Fotografía: Martin Ziaran. Música: Michal Novinski.

Con base en hechos reales, sucedidos en Bratislava (antigua Checoslovaquia), Jan Hrebejk, nos presenta la historia de la profesora María Drazdechova, interpretada por Zuzana Maurery.

Se trata de una maestra nada convencional, pues además de ser la representante del Partido Comunista local, hace uso de su posición para manipular y extorsionar a sus alumnos y a padres de familia. Son tan efectivos y maquiavélicos sus métodos para dominar y obtener lo que pretende, que nadie en la escuela se atreve a denunciarla.

Sin embargo, una de las alumnas, presa de su acoso, llega al límite, e intenta acabar con su vida. Esta situación hará que la directora convoque una reunión de padres, para pedir el traslado de la docente.

La película se inicia con la llegada de los padres al colegio para acatar la solicitud de la directora. Una reunión que evidencia las diferentes percepciones que los asistentes tienen de la maestra, pues mientras para algunos es una profesora ejemplar, para otros es una total arpía. Simultáneamente, presenciamos la llegada de la profesora a su primer día de clases, y su protocolaria presentación ante sus alumnos. Llama la atención, el interés de la maestra por tomar nota detallada de los nombres y oficios de los padres de familia. Información ésta que va consignando en una libreta.

La historia está narrada haciendo uso de un montaje paralelo. Las escenas de la reunión de padres, van alternándose con frecuentes flashbacks, que nos ponen al tanto de las prácticas que la profesora lleva a cabo dentro y fuera del aula de clase. Este continuo ir y venir en el tiempo, le imprime a la historia un ritmo ágil, no exento de suspenso.

A medida que avanza la trama, aquella mujer, que en un principio aparece simpática y cercana, va transformándose en la encarnación de un déspota, a quien solo le interesa su bienestar. Alumnos y padres de familia se convierten gracias al miedo, en sus sirvientes, siempre dispuestos a cumplir sus órdenes.

El talento del director y del guionista se pone de presente en la forma tan acertada de denunciar el mundo de corrupción que se vive en la escuela (microcosmos perfecto de la sociedad checa de ese entonces), con finos toques de humor negro.

Una propuesta argumentalmente muy sólida, de indudables intenciones críticas al estado de corrupción y de desequilibrio del mundo contemporáneo, que Jan Hrebejk camufla inteligentemente como una propuesta sin mayores pretensiones.

En el apartado técnico merece especial mención la banda sonora, autoría del compositor Michal Novinski, que combina una serie de temas clásicos, los cuales se adaptan perfectamente a la historia.

Pero uno de los puntos fuertes de la película, además del excelente y bien construido guión, es el personaje de la profesora. Zuzana Mauréry nos brinda una memorable lección de buen actuar, que le hizo merecedora al premio de mejor actriz en el Festival de Karlovy Vary. Los demás integrantes del reparto también merecen el reconocimiento por sus buenas interpretaciones, siempre al servicio del personaje protagónico y de la historia.

El director cierra su propuesta de manera muy interesante. Como una de las últimas secuencias, vemos a la profesora, como cada comienzo de curso, presentándose ante sus alumnos, lo que nos lleva a pensar en una historia redonda, por su similitud con la secuencia inicial. Sin embargo, mirando detenidamente nos damos cuenta que ahora la maestra ha cambiado el ruso por el inglés… lo cual no es gratuito.

“La profesora”, una muestra del siempre vigente cine checo. Una propuesta que alcanza dimensiones universales, y que se erige como una acida y lúcida critica a los abusos del poder. Cine necesario!

Premios

2016: Festival de Karlovy Vary: Mejor actriz (Zuzana Mauréry).
2016: Festival de Gijón: Mejor banda sonora y dirección artística.

LA SEDUCCIÓN

Por: Mario Arango Escobar.

SOFIA COPPOLA

Nació en 1971, en New York (USA). Es hija del director y productor Francis Ford Coppola.
En 1989 escribió su primer guión, colaborando con su padre en el texto de un segmento de la película “Historias de Nueva York”.

Su primera experiencia detrás de la cámara fue con el corto “Lick the Star” (1998).Una mirada a la adolescencia, protagonizada por cuatro colegialas, obsesionadas con las novelas de V.C. Andrews
Posteriormente, llegaría su reconocimiento a nivel mundial con la película “Las vírgenes suicidas”/ The Virgin Suicides (1999). «En menos de un año y medio, cinco hermanas adolescentes hijas de una católica ferviente que no las dejaba salir con chicos, se suicidaron. Veinte años después, varios hombres, que fueron sus vecinos, intentan desentrañar el enigma de esas muertes relacionadas con los misterios de la feminidad y el deseo

En el año 2003 realiza “Lost in Translation”, drama sobre el desarraigo y la soledad. Bob Harris, un actor de edad madura, ha llegado a Tokio para filmar un comercial. Charlotte está en la ciudad acompañando a su esposo que es fotógrafo. En esta enorme ciudad, ambos sienten soledad y desconexión con las personas y el entorno que les rodean. Pero, cuando estos personajes se conocen, ambos encuentran a ese Otro con quien lograrán tender aquellos puentes comunicativos que devendrán en profundos vínculos afectivos. .Con esta película ganó el premio Oscar al mejor guión original (además de obtener otras tres nominaciones, entre ellas la de mejor película) y tres premios Globos de Oro. Presentada en nuestro cineclub en agosto de 2011.

Su siguiente película seria “María Antonieta”/ Marie-Antoinette (2006), adaptación de la biografía de la última reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser.
“En algún lugar del corazón”/ Somewhere (2010), se centra en el drama existencial de un joven actor de Hollywood que, al tener que cuidar a su hija pre-adolescente por unos días, profundiza su crisis. Con esta película obtuvo El León de Oro en el Festival de Cine de Venecia.

LA SEDUCCIÓN/The Beguiled (2017) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 91’

Dirección y guión: Sofia Coppola (Novela: Thomas Cullinan). Intérpretes: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Wayne Pére, Emma Howard, Matt Story, Rod J. Pierce. Fotografía: Philippe Le Sourd. Música: Phoenix.

La joven directora estadounidense, nos presenta su versión cinematográfica de la obra homónima, escrita por Thomas Cullinan. Una historia que transcurre al final de la Guerra de Secesión de los Estados Unidos, en Louisiana, más concretamente en la escuela de señoritas que dirige Martha Farnsworth (Nicole Kidman).
La película inicia con una hermosa secuencia que muestra a Amy, una de las estudiantes, recogiendo hongos comestibles en el bosque. Inesperadamente se encuentra con un soldado herido. Luego de recuperarse del temor que el hombre le genera, decide ayudarlo y lo conduce hasta donde se encuentra, la directora del Instituto, para que le cure.

La señorita Farnsworth, inmediatamente se hace cargo del herido y se encierra con él para limpiar y coser su herida. Mientras esto ocurre, afuera, algunas de las estudiantes y la maestra Edwina Morrow (Kirsten Dunst) se deshacen en fantasías.

Poco a poco, el hombre, John McBurney (Colin Farrell), va recuperándose y se aprovecha del deseo que ha visto en las mujeres, para desplegar su estrategia de seducción y asegurar su estancia en la casa.

Edwina será la primera en robarse el interés de McBunery, hecho que va a detonar los celos de la directora.

El metraje avanza y también el romance. Una noche el soldado promete a Edwina tener un encuentro con ella, en su cuarto. Sin embargo, el tiempo pasa, y la mujer llena de ansiedad acude en su búsqueda y sorprende a McBunery en compañía de una de las jóvenes. Su reacción no se hace esperar y en medio de una acalorada pelea, empuja al hombre por la escalera, lastimándole la pierna.

El drama estalla y la narración da un giro total. Enteradas de la traición del seductor, y a instancias de la directora, las mujeres pactan vengarse del intruso…

Coppola sorprende con su narrativa, con un manejo exquisito de la luz, que remite al cine clásico. En esta oportunidad, desprovista de todo artificio, compone una obra sutil, y de gran belleza formal.

Con gran elegancia y con unos personajes perfectamente definidos, la directora aborda el universo femenino, que se expresa en las miradas, en los gestos, en los diálogos de doble sentido que se concretan en las dos cenas que reúnen a los personajes.

La puesta en escena, en especial la recreación de época es todo un acierto. Magistral el diseño de vestuario a cargo de Stacey Battat, que se convierte en un personaje más de la historia.
Pero sin lugar a dudas, uno de los puntos fuertes, a nivel técnico del film es su fotografía. Philippe Le Sourd, juega espléndidamente con la luz natural, que potencia a través de diferentes lentes y filtros, con tonalidades maravillosas, que crean una atmósfera totalmente pictórica. Notable también, el tratamiento de la iluminación a partir de las velas en las escenas de interiores, que crea ese clima amenazador y a veces opresivo.

La banda sonora combina los silencios, que caracterizan los momentos iniciales de la historia, con algunas canciones y fragmentos musicales, que se hacen presentes cuando la historia avanza y los secretos de los protagonistas se hacen evidentes. Importante destacar la presencia de los ruidos, sobre todo los cañonazos que se oyen a la distancia y que traen a la pantalla el fragor de la guerra.

El otro gran punto fuerte de la película, además de la iluminación, es el trabajo de todo el reparto. Nicole Kidman, demuestra, una vez más su capacidad interpretativa. Kirsten Dunst y Elle Fanning están perfectas en sus respectivos papeles, con gran dosis de sensualidad. En cuanto a las actrices más pequeñas, todo un acierto del casting, especialmente Oona Laurence, en el papel de Amy. De otro lado, Colin Farrell, aunque correcto en su interpretación, decepciona un tanto.

Secuencias para el recuerdo: Las que tienen lugar en la mesa durante las dos cenas que reúnen a las mujeres y al militar.

La directora de “Maria Antonieta”, nos entrega un elaborado estudio de las relaciones humanas, especialmente del universo femenino, del poder y del deseo. Toda una lección de buen cine.

Premios

2017: Festival de Cannes: Mejor dirección.

UN HOMBRE LLAMADO OVE

Por: Mario Arango Escobar.

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HANNES HOLM

Nació en 1962 en Lidingo (Suecia). Director y guionista.

En su filmografía destacan los siguientes títulos:

“Uno en un millón/ En på miljonen (1995). Torsten Sdergren vive en una casa normal con su familia normal en una ciudad completamente normal. Cada mañana, saluda a sus vecinos normales antes de entrar en su coche normal y conduce por el camino usual hacia su trabajo ordinario en un banco ordinario. Pero un día es despedido de su trabajo después de veinte años de leales servicios. Ahora él está dispuesto a hacer cualquier cosa para recuperarlo.

“Nunca ocurre lo que uno espera”/ Det blir aldrig som man tänkt sig (2000) Sofía, que aspiraba a ser actriz, se queda embarazada y decide renunciar a su sueño para ocuparse de su hijo. Sin embargo, cuando le ofrecen el papel de protagonista en una serie de televisión se replantea la situación. Piensa que si cuenta con la ayuda de su madre y de su hermana Tina podrá aceptar el trabajo. La situación familiar empeorará cuando las hermanas tengan que sufrir los problemas conyugales de sus padres.

“La reunión”/ Klassfesten (2002). Edkvist Magnus, de 35 años, odia las reuniones de la clase tanto como cualquier otro y por lo general las omite. Aun así acepta una invitación para una reunión de una clase que él ha dejado hace más de veinte años. Pero él tiene una razón, ya que tiene la posibilidad de que su amor de adolescente, Hillevi, apareciera. La chica con la que él quería compartir el resto de su vida. La chica que se le ha escapado…

“Wonderful and loved by all (2007)Hay algo sobre la vida de Isabella Eklöf que no está bien. En estos momento ella es una super estrella de cine con un novio fantástico. Es como si su vida real, la vida que para ella realmente significa vivir, simplemente nunca se inició. Cuando su gran oportunidad de hacer un cambio por fin aparece, ella lo intenta sin pensarlo dos veces. En ese momento es cuando las cosas realmente comienzan a ir mal.

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UN HOMBRE LLAMADO OVE/En man som heter Oveaka (2015) GÉNERO: DRAMACOMEDIA. PAÍS: SUECIA. DURACIÓN: 116

Dirección y guión: Hannes Holm (Novela: Fredrik Backman). Intérpretes: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll, Tobias Almborg, Klas Wiljergård, Chatarina Larsson, Börje Lundberg, Stefan Gödicke, Johan Widerberg, Anna-Lena Brundin, Nelly Jamarani, Zozan Akgün. Fotografía: Göran Hallberg. Música: Gaute Storaas.

Con base en la novela homónima escrita por Fredrik Backman, el director y guionista sueco Hannes Holm, nos presenta esta tragicomedia que compendia la vida de Ove.

El protagonista del film es un hombre antipático y gruñón. Siempre amargado. Aunque ya no hace parte de la administración de la unidad residencial en la que vive, continúa vigilando para que las normas de convivencia se cumplan con absoluto rigor.

Ove (Rolf Lassgård) está pasando por un momento crítico en su vida. Pues, además de ser destituido como jefe del consejo de vecinos del complejo residencial, también ha sido despedido de la empresa en la cual laboró por más de 45 años. Y para completar, su amada esposa Sonja (Ida Engvoll), acaba de fallecer.

Ante esta suma de adversidades, Ove pierde todo encanto por la vida y considera que lo mejor para él, es terminar con su existencia y así, reunirse con Sonja. Sin embargo, a pesar de varios intentos de suicidio no consigue su objetivo y esto aumenta más su amargura.

Una vez que el director nos ha saturado con el refunfuñar continuo de Ove, introduce una serie de flashbacks, que nos van a permitir conocer el trasfondo de toda esta acritud. Mediante este recurso narrativo, tan acertadamente utilizado, no solo nos enteraremos de la hermosa historia de amor que compartió con su esposa, el accidente en España, y la pérdida de su hijo; sino que vamos a percibir a Ove de otra manera, experimentando hacía él una total empatía.

El carácter de Ove cambiará radicalmente cuando unos nuevos vecinos se instalan en la casa de al lado. Se trata de una pareja joven, compuesta por Paravaneh (Bahar Pars), una inmigrante iraní, su marido y dos niñas pequeñas. Esta relación se constituye en el núcleo del relato que sucede en tiempo presente y marcará otro punto de giro en la historia.

A pesar de la distancia que Ove genera ante las demás personas, Paravaneh termina ganándose su cariño y devolviéndole la ilusión de vivir. Será la oportunidad para que el hombre pueda expresar sus sentimientos y hablar de sus frustraciones y resentimientos.

Otro aspecto de la narración que es preciso destacar, es el equilibrio entre momentos de comedia, muy ingeniosos, con otros, llenos de dramatismo, lo que le imprime a la historia un ritmo fluido que acapara, en todo momento, la atención del espectador.

La fotografía del maestro Göran Hallberg, es sobria y con ella se destaca la humanidad de los personajes.

La banda sonora a cargo del compositor Gaute Storaas, mezcla fragmentos de temas clásicos, y aporta calidez e intimismo a la historia.

En cuanto a los actores y actrices, destaca la memorable interpretación de Rolf Lassgård, en el papel de Ove, que con reminiscencias de Buster Keaton, le aporta al personaje una gran humanidad. A su lado Bahar Pars, como la joven iraní, logra una actuación plena de naturalidad y dramatismo y se constituye en el contrapunto perfecto para Ove. En cuanto a los secundarios, Ida Engvoll, realiza una caracterización de Sonja bastante meritoria, con algunas escenas de gran dramatismo.

Escenas para el recuerdo. Todas las que se relacionan con los intentos de suicidio de Ove. Las que narran las clases de conducción que Ove intenta dar a Parveneh.

El extraordinario final, cuando Parveneh y su esposo encuentran a Ove, que acaba de morir, con un rostro sereno y feliz, acompañado de su gata.

Hannes Holm nos entrega una gran película, que, no obstante, su apariencia de tragicomedia, nos plantea profunda reflexiones sobre las relaciones humanas Pero también aborda temas de vigente actualidad como la aceptación de los inmigrantes en Europa y la diversidad sexual, entre otros. Imperdible!

Premios

2016: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa y Maquillaje.
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea.
2016: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.
2015: 3 Premios Guldbagge, incluyendo Mejor actor (Lassgård). 6 nominaciones.

 

YO, DANIEL BLAKE

Por: Mario Arango Escobar.

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KEN LOACH

Nació en 1936 en Nuneaton, Warwickshire (Inglaterra). Su primer medio de expresión fue el teatro, actividad con la que tomó contacto en Oxford mientras estudiaba Derecho, allí sería presidente del Club de Teatro Experimental. Después de un breve período ejerciendo la abogacía, se unió a una compañía de teatro. Su primer largometraje “Poor Cow” lo realiza en 1967, con el que daría muestras de un estilo hiper-realista. La película cuenta con guión de su autoría y narra los devaneos sexuales de la mujer de un convicto.
En 1960 comenzó a trabajar para la BBC y se ganó una reputación como director de series. También escribiría el guión de “Kes” (1969), su siguiente trabajo, que nos cuenta la historia de un muchacho que vive en un pequeño pueblo minero. No va bien en la escuela y comete pequeños hurtos que le reportan algo de dinero. Un buen día, encuentra un pequeño halcón y, lleno de entusiasmo, decide cuidarlo hasta que consiga volar…

“Vida de familia” (1972). Janice está embarazada, y sus padres, con la excusa de que no está preparada para ser madre, la presionan para que aborte. Tal decisión no hará más que agravar sus problemas psíquicos, hasta tal punto que acabará internada en un centro de salud mental. Allí se somete, a una terapia de grupo, que será suspendida por la burocracia hospitalaria, por lo que se le aplicará un tratamiento más tradicional, a base de fármacos y electroshock. Los reproches de sus padres durante las visitas contribuyen a empeorar su situación.
“El guardabosques” /The Gamekeeper (1980) Un año en la vida de un guardabosque. Su relación con la gente y sus dificultades en la crianza de faisanes, luchando contra los depredadores y los cazadores furtivos. Con él veremos también, todas las cosas buenas que ofrece la vida en relación con la naturaleza… aunque se verá enfrentado a la presión repentina de ciertas personas que llegan para perturbar la paz.
“Miradas y sonrisas”/ Looks and Smiles (1981) Mick, de diecisiete años, no consigue encontrar trabajo. Se le ocurre entonces alistarse en el ejército, pero sus padres se oponen radicalmente. Mientras tanto empieza a salir con la dependienta de una zapatería.

“Agenda oculta”/ Hidden Agenda (1990) Irlanda del Norte, a comienzos de los años ochenta. Paul Sullivan e Ingrid Jessner, dos abogados norteamericanos que luchan en favor de los derechos humanos, se encuentran en Belfast investigando cuál es el trato que reciben los presos del IRA. Cuando reciben una información comprometedora para el Gobierno Thatcher, Paul es asesinado y, además, desaparece una cinta con información altamente secreta. El inspector que se encarga del caso, el inglés Kerrigan, colaborará con Ingrid para investigar los hechos. Premio Especial del Jurado en Cannes.
“Riff-Raff” (1991). Drama social, sazonado de amor y humor, sobre las clases trabajadoras. Un joven obrero recién salido de la cárcel consigue trabajo en Londres en una empresa de la construcción. En la capital británica se enamora de una joven cantante adicta a las drogas. Mejor película en los premios del Cine Europeo. Premio de la Crítica en Cannes. El proletariado será a partir de ahora la constante del cine de Loach.

“Lloviendo piedras”/ Raining Stones (1993) Bob, trabajador en paro, vive con su mujer y su hija en un barrio pobre del norte de Inglaterra. Aunque su situación económica es muy precaria, fiel a las tradiciones católicas, hará lo que sea necesario para que su hija lleve un bonito vestido el día de su Primera Comunión. Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado.
“Ladybird, Ladybird” (1994). Maggie tiene cuatro hijos, todos de distintos padres y que, debido al violento ambiente familiar, están a cargo de los servicios sociales británicos. Cuando Maggie conoce a Jorge, un refugiado hispanoamericano, vislumbra la posibilidad de rehacer por fin su hogar. Sin embargo, su pasado sigue atormentándola. Una vez involucrada en la burocracia de la asistencia social, le resultará muy difícil conseguir la custodia de sus hijos, pero Maggie no se da por vencida.

“Tierra y libertad” (1995). Película sobre la guerra civil española. Premios del Cine Europeo: Mejor película.
“Mi nombre es Joe”/ My Name is Joe (1998). Historia de dos treintañeros, un alcohólico y una trabajadora social, que inician un tormentoso romance. Ilustra con maestría los altibajos, los cuerpos reales -y no los divinizados por la pantalla-, las dificultades del amor cuando no están cubiertas otras necesidades básicas -físicas o psicológicas.
“Pan y rosas”/Bread and Roses (2000). El director británico se introduce en la lucha de clases para denunciar la explotación de los inmigrantes ilegales mexicanos, en la ciudad de Los Angeles.
“El viento que agita la cebada”/The wind that shakes the barley , un filme sobre el conflicto de la independencia de Irlanda en el que se narra con crudeza la represión de las tropas inglesas y que fue premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Tomado de: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=loach-ken

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YO, DANIEL BLAKE/ I, Daniel Blake (2016) GÉNERO: DRAMA SOCIAL. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN: 100’

Dirección: Ken Loach. Guión: Paul Laverty. Intérpretes: Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan McKiernan, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe, Steven Richens, Amanda Payne. Fotografía: Robbie Ryan. Música: George Fenton.

El veterano maestro Ken Loach, la voz más crítica del denominado cine social inglés, nos introduce en el laberinto de los sistemas de salud contemporáneos, para que seamos testigos excepcionales del caos en que están atrapados.

Para acercarnos al drama que viven miles de usuarios, el director británico se sirve de Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero próximo a jubilarse, que acaba de sufrir un accidente, motivo por el cual su médico le prohíbe trabajar hasta tanto no se recupere completamente.

Para acceder a los servicios de salud, y obtener los beneficios previstos en caso de incapacidad laboral, nuestro protagonista se verá inmerso en una intricada red de normas y empleados de segunda, que parecen existir para hacer que el sistema sanitario sea inoperante.

En este laberinto burocrático, que Blake debe recorrer para tratar de obtener algún recurso, conoce a Katie (Hayley Squires), una madre soltera con dos hijos, que también se encuentra desamparada. Daniel se compadece de la situación de esta mujer y trata de ayudarla en lo que puede. Con el paso de los días, se establece entre ellos una relación paterno-filial, que compensa las carencias económicas de ambos.

Daniel Blake, nuestro protagonista, no conoce el manejo del computador, y sin embargo (prueba de la distancia del sistema frente a los usuarios), se le ordena realizar una serie de trámites, a través de la web. La norma y los protocolos siempre primero que la persona.

Como ya es habitual en su cine, Loach, con gran sencillez formal, pero con una gran ternura por sus personajes, nos involucra, con total realismo, en el drama de miles de seres humanos, que a diario, deben luchar por tener acceso a los servicios de salud, de manera digna. Una situación que no solo afecta a los habitantes del llamado Tercer Mundo, pues la historia que Loach nos presenta, ocurre en la ciudad inglesa de Newcastle.

A través de esa narrativa escueta, desprovista de artificios, que caracteriza su filmografía, el realizador británico, hace que hasta el espectador más indiferente, termine conmovido con la tragedia de Daniel y Katie. Y ello, gracias a la magnífica construcción de ambos personajes, obra del guionista Paul Laverty, habitual en el cine de Loach.

No obstante, Loach, como gran maestro, no se queda solo en la denuncia. A través de la relación de la pareja protagónica, nos muestra cómo, en medio de la adversidad, puede florecer la solidaridad entre los seres humanos,

La fotografía del maestro irlandés Robbie Ryan, con iluminación cercana al documental, y en tonos opacos, se ajusta perfectamente al tema narrado en la película.

Sobresaliente la dirección de actores, mediante la cual el realizador logra unas interpretaciones magistrales. Y lo hace permitiendo que los intérpretes sean ellos mismos. Dave Johns es un comediante y actor de la televisión inglesa que realiza una caracterización de Daniel Blake, realmente memorable. Hayley Squires, quien encarna a Katie (además de actriz de teatro es dramaturga), asume con gran profesionalismo su rol.
En cuanto a los secundarios, también debo decir que cumplen de manera precisa con sus respectivos papeles, y todos contribuyen a darle credibilidad a la historia.

Escenas para el recuerdo. La que tiene lugar en el Banco de alimentos, donde Katie, llega al límite de su desesperación…

“Yo, Daniel Blake”, un film en el que Ken Loach, fiel a su interés en denunciar las aberraciones de la burocracia inglesa, nos presenta esta crítica mordaz a los actuales sistemas de salud. A las precarias condiciones de los más desfavorecidos, y a la indiferencia del Estado. Una temática universal y vigente. Un cine que se hace cada vez más necesario.

Premios

2016: Festival de Cannes: Palma de Oro.
2016: Premios BAFTA: Mejor film británico. 5 nominaciones.
2016: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea.
2016: Premios César: Mejor película extranjera.
2016: Premios David di Donatello: Mejor film de la Unión Europea.
2016: Premios del Cine Europeo: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película.

 

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

Por: Mario Arango Escobar.

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AKI KAURISMAKI
Nació en 1957 en Orimanttila (Finlandia). Desde muy temprana edad se interesó por el cine. Según sus propias palabras “…lo anotaba todo en mi agenda y veía una media de seis películas diarias”. “Cuando era joven vi una película de Buñuel y eso cambió mi vida: en gran medida yo acabé en este sucio negocio por culpa de Buñuel”.

Su incursión en la dirección data del año de 1981, cuando en compañía de su hermano Mika, mayor que él, y graduado en la Escuela Universitaria de Cine de Múnich, realiza “El síndrome del lago Saimaa”, una película de tipo documental.
Los dos hermanos Kaurismaki fundaron su propia productora de cine Villealfa, un nombre que homenajea a Jean-Luc Godard por su película “Alphaville”.                     Su debut como director independiente ocurre en 1983, con “Crimen y Castigo” adaptación de la novela de Dostoievsky. La historia, trasladada a Helinski, nos cuenta como un trabajador de un matadero, se convierte absurdamente en un asesino. Presentada en nuestro cineclub en mayo de 2012.
“Kalamari Union” (1985) es una comedia en la cual conocemos la historia de 18 hombres cansados de su vida, 17 de los cuales se llaman Frank.

En el año 1986 realiza “Sombras en el paraíso”. La película narra la relación entre un conductor de un camión de basura y una cajera de un supermercado, a los que la vida ha tratado con gran dureza.
Seis años más tarde, filmará su primer largometraje de ficción “Hamlet en los negocios” (1987), que es una interpretación muy personal del clásico de Shakespeare.
“Ariel” (1988), narra la historia de Taisto, un minero que es despedido de su trabajo, al que las circunstancias familiares no ayudan mucho, además se ve involucrado en un asunto por el que es condenado y tendrá que ingresar en prisión
En 1989 dirige la divertida película satírica “Leningrad Cowboys Go America”, un road movie con tintes surrealistas, teñida por la melancolía y con una buena música de rock, en la que el director se “burla” de sus peculiares personajes así como de Estados Unidos, país por el que los protagonistas emprenden un viaje hacia la anhelada fama.

Al año siguiente en 1990, filma “La muchacha de la fábrica de cerillas”. Historia de una mujer agobiada por la rutina de su trabajo, totalmente carente de afecto, y cuyo único aliciente es encontrar alguien con quien bailar. Película presentada en nuestro cineclub en noviembre de 2009.
Con esta película concluye la trilogía del proletariado, de la que también hacen parte “Sombras en el paraíso” y “Ariel” Dicha trilogía se centra en la figura del trabajador, en las duras condiciones y en una realidad social, terriblemente descarnada aunque no exenta de humor.
“Contraté a un asesino a sueldo” (1990) es la historia de un suicida frustrado que al no poder acabar con su vida, contrata a un asesino a sueldo para que lo mate. Sin embargo, el hombre se enamora, y decide cambiar los planes, pero ya es demasiado tarde. Presentada en nuestro cineclub en mayo de 2012.

“La vida de Bohemia” (1992), basada en la obra de Henry Murger la misma que inspiró a Puccini, su afamada ópera. La historia gira en torno a la amistad que surge entre tres intelectuales en el París de los años noventa. Rodolfo, un pintor albano sin papeles de residencia, Marcel, un escritor y editor de revistas poco afortunado y Schaunard, un compositor posmodernista.
“Agárrate el pañuelo, Tatiana” (1994). La película trata de dos amigos que conocen a dos chicas con las cuales entablan una particular historia de amor. Este es uno de los filmes que mejor definen el cine de Kaurismäki: puesta en escena minimalista, participación de un número limitado de personajes, falta casi absoluta de diálogos, poniendo a prueba la capacidad expresiva de los actores.
“Nubes pasajeras” (1996) Historia que aborda la crisis económica y el desempleo. Con esta película Kaurismaki inicia su llamada trilogía de los perdedores, de la que hacen parte “Un hombre sin pasado” y “Luces al atardecer”.
“Juha” (1999). Basado en el clásico de la literatura finlandesa Juha de Juhani Aho (1911) adaptado por Kaurismaki. Un homenaje al cine mudo. El director muestra su estilo más radical, elimina los diálogos y el color; opta por la sencillez y por la música como espejo de las emociones de los protagonistas.

“Un hombre sin pasado” (2002) Premio del Jurado en el Festival de Cannes. La historia se centra en un hombre que ha perdido la memoria y que padece una de las mayores tragedias del ser humano que es la soledad. Un ser que se vuelve anónimo por carecer de carnet de identidad y de una cuenta bancaria. Película presentada en nuestro cineclub.
“Luces al atardecer” (2006). Consolida y profundiza su reflexión sobre la soledad del ser humano contemporáneo. El protagonista es un guarda de seguridad que embelesado por una atractiva mujer, que trabaja para la mafia, accede de una manera casi involuntaria a perpetrar un robo. Según Kaurismaki, para esta película se inspiró en la famosa obra de Chaplin “Luces de la ciudad”. Presentada en nuestro cineclub en junio de 2012.
“Le Havre” (2011) Una lúcida mirada al tema de la inmigración en la Europa actual y su falta de solidadridad. Presentada en nuestro cineclub en junio de 2012
Aki Kaurismaki es el cineasta finlandés más destacado y uno de los directores más importantes del cine contemporáneo. Su estilo sencillo, austero, desprovisto de todo elemento superfluo, tiene un sello personal, único e irrepetible. Estas características de sus filmes permiten afirmar que su obra se inscribe en el llamado cine de autor.

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EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA/ Toivon tuolla puolenaka (2017) GÉNERO: COMEDIADRAMA. PAÍS: FINLANDIA. DURACIÓN: 98
Dirección y guión: Aki Kaurismäki. Intérpretes: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji . Fotografía: Timo Salminen.

El gran maestro finlandés de nuevo, posa su atención y su cámara sobre el drama de los inmigrantes, y nos presenta la que sería la segunda entrega de una trilogía, que inicia con la memorable “Le Havre”.

En esta oportunidad Kaurismaki nos hace partícipes del periplo desesperado que Khaled (Sherwan Haji), un refugiado sirio, emprende por varios países, tratando de encontrar a su hermana, que, al igual que él, tuvo que dejar su patria, huyendo de la guerra.

Por casualidad, Khaled llega a Helsinki oculto como polizón en un barco procedente de Polonia. En la capital finesa deberá afrontar el desamparo y la soledad de todos los indocumentados.

De otro lado, Wikström (Sakari Kuosmanen), un curtido comerciante finlandés, decide dar un vuelco total a su vida, abandonando a su mujer después de muchos años de matrimonio, y dejando su almacén de camisas, para probar suerte abriendo un restaurante.

Por cosas del azar, y claro, del estupendo guión, las vidas de Khaled y de Wikström, van a encontrarse y el sirio ingresará a trabajar al restaurante de su reciente amigo.
Fiel a su estilo minimalista, que ya es reconocible en su filmografía, el film que nos ocupa también posee una narrativa bastante simple. El sólido guión, y el acertado montaje, confirman la habilidad de Kaurismki para hacer que sus personajes realicen cosas muy absurdas totalmente en serio, y apropiarse del más ácido humor, para henchirnos de melancolía.
La película se inicia con una sucesión de escenas, carentes de diálogos, que narran la llegada del protagonista a Helsinki. Luego de esta introducción, el director se concentra en mostrarnos algunos de los comportamientos que la sociedad tiene frente a los refugiados.

A medida que avanza el metraje, la mezcla de comedia y drama se hace más evidente, cuando Wikström, irrumpe en la trama, para poner en marcha el restaurante. En este espacio se darán cita una gran diversidad de razas y nacionalidades, que junto a los gustos culinarios de cada quien, van a provocar hilarantes situaciones.
La puesta en escena, otro elemento que delata la presencia de Kaurismaki, con esa Helsinki espectral, con esos espacios austeros y esos decorados que le imprimen esa atmósfera tan especial a la película.

La fotografía del siempre habitual en su cine, el maestro Timo Salminen, con una iluminación contrastada, y colores vivos que nos remiten a los desolados espacios del pintor Hopper, donde habitan esos personajes, emocionalmente heridos, que hacen parte del universo del realizador.
Pero sin lugar a dudas, es la música, la que adquiere un marcado protagonismo, con una serie de canciones interpretadas por diferentes músicos, con letras que se insertan en la historia, y que contribuyen, de manera eficaz, a crear esa atmósfera nostálgica que permea toda la película.

La dirección de actores hace visible el talento de Kaurismaki, ya que todo el grupo de intérpretes asume tu trabajo con notable calidad.
Escenas para el recuerdo. Aquella en la cual Khaled, relata a la funcionaria estatal, su tragedia, sus motivos para dejar su patria…
“El otro lado de la esperanza”, una fábula dura y cómica a la vez, que Kaurismaki utiliza para hablarnos del conflicto sirio, del horror de la guerra, de la indiferencia de los gobiernos frente al drama de los refugiados. Cine social que suscita profundas reflexiones sobre la solidaridad humana.
Nota: La película está dedicada a la memoria de Peter von Bagh (1943-2014), historiador de cine y cineasta.

Premios:

2017: Festival de Berlín: Oso de Plata – Mejor director.