PERRO FANTASMA: EL CAMINO DEL SAMURÁI

Por: Mario Arango Escobar.

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PERRO FANTASMA: EL CAMINO DEL SAMURÁI/ Ghost Dog: The Way of the Samurai. (1999) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 115’

Dirección y guión: Jim Jarmusch. Intérpretes: Forest Whitaker, John Tormey, Cliff Gorman, Henry Silva, Tricia Vessey, Isaach De Bankolé, Victor Argo, Gene Ruffini, Richard Portnow. Fotografía: Robby Müller. Música: RZA.

Continuando con su sorprendente filmografía, el siempre original maestro Jim Jarmusch, nos introduce en el mundo de los samuráis, y más concretamente, en la vida de Ghost Dog, el héroe de esta fascinante película.

Con un protagonista que solo la imaginación de Jarmusch puede crear, Ghost Dog, (Forest Whitaker), es un asesino a sueldo, que se rige por los códigos éticos de los maestros japoneses. Que disfruta del Hip Hop y la soledad. Carece de amigos, y su única compañía son las palomas que mima con esmero. Y para colmo, es obeso y negro…

Y es que la maestría del director norteamericano es tal, que no le cuesta hacer posible la convivencia de elementos tan dispares como que un afroamericano, residente en New York, viva bajo las normas consignadas en el Hagakure (manual de los samuráis). Y aún más, que ese corpulento hombre pueda tener la flexibilidad de un experto en artes marciales. Y que se comunique por medio de palomas mensajeras, en plena era digital. En esta habilidad para mezclar tantos elementos disimiles, reside la genialidad de Jarmusch, que fiel a la estética posmoderna, logra una obra unitaria y coherente, pero además llena de humor y de sarcasmo.

Pero no solo los elementos del relato participan de esta amalgama. La magnífica banda sonora también es una mezcla maravillosa de diferentes estilos. Jarmusch no duda en combinar las composiciones de RZA, con canciones de reggae, hip hop, y sonidos del ambiente, logrando una atmósfera melódica sin igual.

Pero hablemos un poco de la historia. El hecho de que Ghost Dog ahora sea un samurái, tiene que ver con el pacto de fidelidad que adquiere, cuando el mafioso Louie Bonacelli (John Tormey), lo libra de morir a manos de unos delicuentes. A partir de ese momento, Ghost Dog, está dispuesto a cumplir todas las órdenes de Louie, incluso a eliminar a quien sea necesario, con tal de proteger a su jefe. Hasta que un error, hace que Ghost Dog esté ahora en la mira del bando contrario.

Como todo un profesional, Ghost Dog, cumple con su trabajo a la perfección, y no duda en usar la violencia, si las circunstancias lo ameritan. Quienes le conocen le temen, y le respetan.

Su vida es completamente rutinaria y solitaria. Tan solo cuenta con un amigo, Raymond, un vendedor de helados, con el cual establece lazos de amistad, a pesar de que ninguno de los dos comprende lo que cada uno habla.

Pero la relación más significativa que logra establecer nuestro protagonista es la que nace con Pearline, una pequeña niña que comparte con Ghost Dog su aficción por los libros, y con la cual llega a compartir también el Hagakure, tratando de introducirla en los códigos éticos de los samuráis.

Técnicamente la película es todo un derroche de recursos. Además de la exquisita banda sonora, como ya se dijo, Jarmusch se regodea haciendo hermosos movimientos con la cámara, como los que apreciamos al inicio del film. Maravillosas tomas aéreas, que nos llevan al refugio del protagonista. Y que tal las maravillosas vistas nocturnas, con las cuales Jarmusch nos habla de su fascinación por la noche y por las luces de neón.

En el plano actoral, Forest Whitaker realiza una interpretación memorable. Al parecer el personaje de Ghost Dog está hecho a su medida, pero el actor lo enriquece a través de su mirada, de su gestualidad, de la forma en la que se desplaza. Un personaje violento y tierno a partes iguales, que además resulta verosímil. De otro lado, el grupo de secundarios también ofrece un trabajo actoral digno de reconocimiento.

Escenas para el recuerdo. El inicio del film, cuando la cámara nos muestra las impresionantes y hermosas vistas aéreas.

El momento en el que Ghost Dog se alista a cumplir con una misión, al parecer de gran importancia y ya tiene en la mira al personaje de turno. Sin embargo, un pajarito se posa en el arma que el asesino se dispone a disparar…y el atentado fracasa.

Las secuencias finales, cuando Ghost Dog, próximo a morir, se tumba en el asfalto, y una paloma se posa cerca de él, y el moribundo esboza una plácida sonrisa.

“Perro fantasma, el camino del Samurái” es la confirmación del gran talento de Jim Jarmusch. Una película que condensa y resume la carrera de este insigne director. Para mí una de las mejores obras del cine independiente. Todo un poema visual. Imprescindible!

Premios:

1999: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).
1999: Premios Cesar: Nominada a la mejor película extranjera.
2000: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película.

 

 

 

TREN MISTERIOSO

Por: Mario Arango Escobar.

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TREN MISTERIOSO/ MYSTERY TRAIN (1989) GÉNERO: DRAMACOMEDIA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 105

Dirección y guión: Jim Jarmusch. Intérpretes: Masatoshi Nagase, Youki Kudoh, Nicoletta Braschi, Cinqué Lee, Screamin’ Jay Hawkins, Elizabeth Bracco, Tom Noonan, Steve Buscemi, Tom Waits, Rick Aviles, Joe Strummer. Fotografía: Robby Müller. Música: John Lurie.

El director estadounidense continúa explorando en el vacío existencial de sus personajes, y en el devenir del tiempo. En esta oportunidad, construye tres historias independientes que suceden en la ciudad de Memphis, y que tienen como elemento común la figura del gran Elvis Presley.

La primera historia, “Lejos de Yokohama”, sigue a una pareja de jóvenes japonés, Jun (Masatoshi Nagase) y Mitzuko (Youki Kudoh), que viajan a la ciudad norteamericana para visitar la casa del legendario músico y el Estudio Sun, donde éste realizó sus grabaciones.

En el siguiente relato, “El fantasma”, una mujer italiana, Luisa (Nicoletta Braschi), acompaña a su difunto esposo de regreso a su país. Debido a un contratiempo inesperado, debe pasar la noche en Memphis. Allí se hospeda en un hotel, donde recibe la visita del fantasma del ídolo musical.

Finalmente, en “Perdidos en el espacio”, encontramos a tres malandrines: Johnny (Joe Strummer), Will Robinson (Rick Aviles) y Charlie (Steve Buscemi), quienes al robar una licorería, son heridos y golpeados, y deben refugiarse en el hotel (donde también están los personajes de las otras historias) para evadir la acción de la policía.

Jarmusch, fiel a su particular estética, construye esta nueva propuesta con elementos cada vez más sutiles y elaborados. Alejado de la narrativa tradicional, su interés se centra en las conversaciones intrascendentes de los personajes, en los silencios, en las miradas…De nuevo insiste en su habitual ritmo pausado, y en esa mezcla perfecta de ironía y humor.

Además de la “presencia” de Elvis Presley, que se siente en todos los lugares que recorren los personajes, las tres historias están conectadas por algunos elementos comunes. Como ya se dijo, el ruinoso hotel donde se refugian todos los protagonistas. La vía del ferrocarril, cercana al hotel, por la que constantemente circula el tren. Y por último el disparo que se escucha en la madrugada.

Algo que llama la atención, es la mirada con la que el director capta la ciudad de Memphis. No encontraremos la urbe idealizada, en la cual los grandes nombres del rock and roll (entre ellos Elvis Presley) grabaron sus canciones. La Memphis que Jarmusch nos muestra es una ciudad totalmente decrépita y en ruinas. Una versión que puede interpretarse como el símil de una sociedad decadente, donde no es posible encontrar el anhelado “sueño americano”. Ni aún el color, que el director retoma en este film, contribuye a iluminar la atmósfera de esta ciudad que agoniza en la sombra.

Recordemos que Jarmusch es un melómano total. En este film esta pasión por la música es evidente. El mismo título alude a una canción de Elvis Presley, que unida a la nostálgica “Blue Moon” (también en la voz del Rey), sirven de contrapunto a la cadenciosa voz de Tom Waits, que se escucha en la radio. En conjunto una extraordinaria selección de melodías musicales que contribuyen a crear ese clima melancólico que permea todo el film.

La fotografía, a cargo de Robby Müller recoge en bellas imágenes, que recuerdan la pintura de Edward Hoper, esa sensación de abandono y soledad, tanto de la ciudad musical, como de los erráticos personajes.
Excelente la dirección de actores. Para destacar, en el apartado de las interpretaciones que están a cargo de la pareja conformada por Masatoshi Nagase y Mitzuko Youki Kudoh que protagonizan el primer relato.

Escenas para el recuerdo. La que tiene lugar en el segundo episodio, y que se desarrolla en un bar, cuando la turista italiana es abordada por un hombre que dice tener un objeto personal de Elvis, especialmente para ella.
Inolvidable, la aparición del fantasma de Elvis, también en el segundo episodio.
Con “Tren misterioso” Jarmusch avanza en la consolidación de su propuesta artística, realizando una película aparentemente sencilla, pero llena de elementos para el análisis y la reflexión. Imperdible!

Premios
1989: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).
1989: Premios Independent Spirit: 7 nominaciones incluyendo Mejor película.

BAJO EL PESO DE LA LEY

Por: Mario Arango Escobar.

CICLO: JIM JARMUSCH
A través de su extensa filmografía, Jim Jarmusch se ha consolidado como uno de los nombres más importantes del cine independiente norteamericano. Su nombre ya ha logrado un puesto el cine de autor. Su personal estilo que conjuga, de manera perfecta, al artista, al músico y al literato son los motivos para la presentación de este breve recorrido por su propuesta cinematográfica.

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JIM JARMUSCH

Nació en 1953 en un hogar de clase media en Akron, estado de Ohio (Estados Unidos). Una vez completó la escuela superior, Jarmusch intentó escapar de su pequeño pueblo natal e ingresó a la Universidad de Columbia, en Nueva York, de donde se graduó en la Facultad de Literatura. Interesado siempre en la narrativa deconstructiva, estudió de la mano de poetas y desde una temprana edad comenzó a ver filmes americanos y japoneses en blanco y negro. Seducido por estas películas decidió mudarse a París, allí descubrió los tesoros de la Cinematheque Francaise y este descubrimiento le hizo permanecer en Francia durante un año. Una vez regresó a los Estados Unidos comenzó a escribir textos más descriptivos y cinematográficos.

Más tarde cursaría un Máster en Cine en la Universidad de New York, donde ejerció de asistente de Nicholas Ray, un reconocido cineasta que lo introdujo a las técnicas de la producción de cine. Como realizador, Ray tuvo una enorme influencia sobre Jarmusch, ya que ambos directores estaban fascinados con los personajes marginados por la sociedad. Trabajando de la mano de Ray, Jarmusch descubrió su verdadera pasión por el cine. Una vez recibe una beca para pagar sus estudios en la Universidad de New York, decide utilizar los fondos para costear su primer filme: Vacaciones permanentes/ Permanent Vacation en 1979, que relata la historia de una chica neoyorquina en busca de algún significado en la vida.
Su acción fue evidentemente reprendida por parte de los oficiales de la universidad y podríamos sugerir que a partir de este momento, Jarmusch decide abandonar sus estudios para dedicarse a lo que verdaderamente le interesaba: la cinematografía.

Otros títulos destacados de su filmografía:
“Extraños en el paraíso/ Stranger than Paradise (1984). Dos amigos y la prima de uno de ellos, que acaba de llegar a Estados Unidos desde Budapest, viven en Florida diversas aventuras.
“Bajo el peso de la ley”/ Down by Law (1986), película que presentamos en nuestro cineclub.
“Tren misterioso”/ Mystery Train (1989), un film que trata tres historias conectadas por un hotel de Memphis y el espíritu de Elvis Presley.

“Noche en la tierra”/ Night on Earth (1991). Película dividida en historias independientes a través de las cuales Jim Jarmusch presenta el panorama nocturno de cinco grandes ciudades (Los Angeles, Nueva York, París, Roma y Helsinki), con un taxi, y lo que en él ocurre desde el anochecer hasta el amanecer de un mismo día, y obviamente con diferentes personajes, como hilo conductor.

“Hombre muerto”/ Dead Man (1995). William Blake acepta una oferta de trabajo en otra ciudad, pero cuando llega a su lugar de destino comprueba que no tiene ese trabajo porque el propietario de la factoría ha cedido su puesto a otra persona.

“Perro Fantasma”/ Ghost Dog: The Way of the Samurai (1999). “Perro fantasma” es un asesino a sueldo de Nueva York, un hombre de actitud tranquila en su vida diaria que se rige bajo el código de honor de los antiguos samuráis.

“Flores rotas”/ Broken Flowers (2005). Después de ser abandonado por su última conquista, Don Johnston (Bill Murray) recibe una carta anónima en la que se le informa de que tiene un hijo. Tan inesperada noticia lo impulsa a emprender un viaje en busca de sus antiguas amantes para resolver el misterio. Película presentada en el primer semestre de 2007.

“Solo los amantes sobreviven”/ Only Lovers Left Alive (2013). Historia centrada en dos vampiros que llevan enamorados varios siglos. Tras pasar un tiempo separados, deciden reencontrarse para seguir disfrutando de la vida juntos. Sin embargo, la llegada de la hermana de ella les alterará sus planes.

“Paterson” (2016). Historia sobre un conductor de autobús y poeta aficionado sobre las pequeñas cosas llamado Paterson, que vive en Paterson, New Jersey.

Jim Jarmusch - Down By Law - 1986 | John Lurie, Tom Waits, Roberto Benigni, Nicoletta Braschi | Photo

BAJO EL PESO DE LA LEY/ DOWN BY LAW (1986) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 107

Dirección y guión: Jim Jarmusch. Intérpretes: Tom Waits, Roberto Benigni, John Lurie, Nicoletta Braschi, Ellen Barkin, Billie Neal, Pruitt Taylor Vince. Fotografía: Robby Müller. Música: John Lurie, Tom Waits.

Jim Jarmusch nos presenta su tercera película, que junto con “Extraños en el paraíso” y “Tren misterioso”, constituyen una trilogía.

La historia del film es bastante sencilla. Tres hombres son enviados a prisión por diferentes motivos. Jack (John Lurie), un disc-jockey que es engañado por un gánster al comprometerlo con una joven menor de edad. Zack (Tom Waits), es embaucado por un traficante de drogas, para llevar un lujoso carro al extremo de la ciudad, y en el recorrido es sorprendido por la policía, que descubre un cadáver en el baúl del coche. Y finalmente, Roberto (Roberto Benigni) un simpático turista italiano, encarcelado por matar a un tipo que le acusó de hacer trampas en el juego.

Estando en la cárcel, Robert se ingenia la manera de fugarse, y los otros dos se unen a él. Una vez logrado el objetivo, deberán enfrentarse con un medio más hostil que la misma prisión, hasta que por azar encuentran a una mujer, Nicoletta (Nicoletta Braschi), dueña de un modesto hotel, que se enamora de Robert…y les brinda acogida.

Jarmusch, que también es autor del guión, se revela como un narrador original y revolucionario, pues su historia no está contada a la manera tradicional (inicio, nudo y desenlace). A Jarmusch le interesan más otros aspectos de la gramática cinematográfica. Por ejemplo el juego con la cámara, y la música que él usa como recursos narrativos.

A propósito, la banda sonora está a cargo de John Lurie, en la que sobresalen canciones de Tom Waits y fragmentos de gran belleza, que combinan guitarra, percusión, trompeta y violoncelo. Ambos compositores participan, además como actores de la película.

Interesado por mostrar una realidad desprovista de todo lo superfluo, el director opta por una puesta en escena minimalista, que no obstante, está llena de poesía. Recuérdese esos bellos travellings por las desoladas calles de Louisiana, y su decrepita arquitectura. Un perfecto trasfondo para hablarnos de los estados de ánimo de los personajes.

Otro de los elementos sobresalientes del film, y que es casi un sello de la filmografía del autor, es su sentido del humor, a través del cual realiza una mordaz crítica a los males que aquejan la sociedad de su país, especialmente el individualismo y la incomunicación.

La fotografía, en un refinado blanco y negro, a cargo del maestro Robby Müller, aprovecha todas las gamas posibles para crear atmósferas de gran poder visual.

El grupo de actores protagonistas realiza un trabajo admirable, sin embargo, es Roberto Benigni (quien hace su primera incursión en el cine americano) quien logra, el personaje más acabado y convincente, además de cómico.

Escenas para el recuerdo. La que tiene que ver con ese monólogo de Roberto, mientras asa el conejo que acaba de capturar.

Otra escena maravillosa la constituye el gran final sencillo pero inteligente. Dos solitarios que deben continuar siéndolo, pues no podrían vivir de otra manera.

Con “Bajo el peso de la ley”, Jim Jarsmuch crea una fábula nostálgica, melancólica y hermosa sobre las relaciones humanas de tres perdedores. Un poema hecho cine, como será habitual en sus siguientes producciones. ¡Imperdible!

Premios:
1986: Premios Independent Spirit: 4 nominaciones incluyendo Mejor película.
1986: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).

FIGURAS OCULTAS

Por: Mario Arango Escobar.

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THEODORE MELFI

Nació en 1971 en Brooklyn, New York, Estados Unidos. Además de realizador, también es guionista y productor de cine.

Su debut como director ocurre en el año de 1999, cuando presenta “Winding Roads” (1999). Tres mujeres se encuentran en el momento más difícil de su vida, en el que tendrán que tomar decisiones que las afectará de forma importante en el futuro.

“St. Vincent” (2014). Maggie una mujer que se muda a Brooklyn con su hijo de 12 años, Oliver; al tener que trabajar muchas horas, no le queda más opción que dejar a Oliver al cargo de su nuevo vecino, Vincent, un jubilado cascarrabias aficionado al alcohol y a las apuestas. Mientras Vincent cree que ayuda a Oliver a hacerse un hombre, éste comienza a ver en el viejo gruñón algo que nadie más ve: un hombre incomprendido de buen corazón.

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FIGURAS OCULTAS/ Hidden Figures (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 127

Dirección: Theodore Melfi. Guión: Allison Schroeder (Libro: Margot Lee Shetterly). Intérpretes: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Jim Parsons, Mahershala Ali, Kirsten Dunst, Glen Powell, Rhoda Griffis. Fotografía: Mandy Walker. Música: Benjamin Wallfisch.

Con base en la novela de Margot Lee Shetterly, el director y guionista Theodore Melfi, realiza esta adaptación cinematográfica, en la cual conoceremos a tres brillantes ingenieras y astrofísicas, que tuvieron un destacado papel en los inicios de la carrera espacial norteamericana, en plena guerra fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética.

Katherine Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson, protagonistas de esta desconocida historia, integraron el equipo de la NASA, que tuvo la misión de enviar al astronauta John Glenn al espacio, y de esta manera, contrarrestar el avance de los astronautas rusos, con Yuri Gagarin a la cabeza.
Las tres notables mujeres, además de demostrar su talento en medio de un conglomerado mayoritariamente masculino, fueron pioneras en la lucha contra la segregación racial, pues al ser afroamericanas, debieron soportar toda clase de vejámenes a causa del color de su piel.
Cada una, desde sus diferentes posiciones en la NASA, contribuyó al reconocimiento de la mujer negra, profesional y consciente de sus derechos. Así Mary Jackson (Janelle Monáe) tuvo que recorrer un arduo camino para lograr ingresar a una Universidad y continuar sus estudios. Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) quien con su habilidad y talento logra convertirse en supervisora de las llamadas computadoras humanas, y luego jefe del sistema informático de la primera computadora IBM. Katherine G. Johnson (Taraji P. Henson), la única mujer que hace parte del equipo de calculistas y quien sobresale por su gran capacidad para solucionar los complejos problemas matemáticos.

El director Melfi hace uso de una narrativa clásica y lineal. La historia alterna, de manera muy acertada, el drama y la comedia. En el guión, sobresalen unos diálogos concisos e inteligentes.
Tanto la ambientación, como el vestuario y los decorados, están perfectamente logrados, y aportan credibilidad al relato.
En cuanto al reparto, decir que las tres actrices protagonistas sobresalen claramente sobre todo el grupo y sobre ellas recae el peso de la historia. Aunque Octavia Spencer logró la nominación a mejor actriz de reparto, Taraji P. Henson y Janelle Monáe realizan unas caracterizaciones igualmente sobresalientes. De los secundarios, destacar a Kevin Costner en un papel bastante correcto.
Theodore Melfi con “Figuras ocultas” realiza un justo y merecido homenaje a la mujer. Reivindica la importancia de estas científicas que jugaron un destacado y decisivo papel en la carrera espacial y que hasta hoy eran desconocidas para la mayoría de nosotros. Mujeres, que además, promovieron la igualdad racial y de género en momentos claves de la historia estadounidense. Una película necesaria.

Premios

2016: Premios Oscar: 3 nominaciones incluida mejor película y actriz secundaria. (Octavia Spencer).
2016: Premios BAFTA: Nominada a Mejor guión adaptado.

CERCAS

Por: Mario Arango Escobar.

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DENZEL WASHINGTON

Nació el 28 de diciembre de 1954 en Mount Vernon, Nueva York (Estados Unidos).Cursó estudios de narrativa en la Fordham University de Nueva York, y participa en diversas obras de teatro estudiantiles. Posteriormente estudió en el American Conservatory Theater.

Se inicia en el teatro con “Coriolanus” en un Festival de Shakespeare (1979). Su debut cinematográfico llegó con “Carbon Copy” en 1981. Alterna sus trabajos para la pequeña pantalla trabajando para el cine y consigue por su excelente interpretación una nominación al Oscar como mejor secundario por “Grita libertad”, y recibe una estatuilla en la misma categoría por “Tiempos de gloria” y otra nominación como mejor actor por “Malcolm X”, de Spike Lee. Otras de sus películas son “Philadephia”, “El demonio vestido de azul” y “El coleccionista de huesos”. Fue nuevamente nominado al Oscar por su papel de boxeador en “Huracán Carter”. Ganó otro Óscar en 2001 por su interpretación en “Training day”.

Debutó como director con “Antwone Fisher” en el año 2002. Un joven marinero de carácter violento, es obligado a ver a un psiquiatra de la marina para aprender a controlar su rabia. La terapia le inspirará para buscar a la familia que le abandonó cuando era un niño. Un drama basado en hechos reales, a partir de la historia del propio Antwone Fisher.

The Great Debaters (2007). Drama basado en la historia real de Mel Tolson, un profesor de Historia Afroamericana en el Wiley College de Texas, quien en 1935 inspiró a sus estudiantes a formar el primer equipo de debate del colegio, que luego se enfrentaría en la final a la universidad de Harvard en el campeonato nacional.

Pictured: Denzel Washington (Troy Maxson) & Viola Davis (Rose)

CERCAS/ FENCES (2016GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 139

Dirección: Denzel Washington. Guión: August Wilson (Obra: August Wilson). Intérptres: Denzel Washington, Viola Davis, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Música: Marcelo Zarvos.

Denzel Washington, luego de su rutilante carrera como actor, se arriesga a incursionar en la dirección, adaptando la obra homónima de August Wilson*, que ya había protagonizado en Broadway.
La historia, ambientada en la ciudad de Pittsburgh, ocurre en los años 50, y nos presenta la vida cotidiana de una humilde familia afroamericana, formada por Troy Maxson (Denzel Washington), su esposa Rose (Viola Davis) y sus dos hijos.
Troy trabaja como recolector de basuras, con lo cual logra mantener a su familia. Su ilusión es convertirse en conductor del camión, pero ese puesto está reservado a los blancos.

En su juventud, Troy fue un destacado jugador de beisbol, pero debido a la segregación racial imperante en la época, nunca pudo lograr su sueño de convertirse en estrella de las grandes ligas, y esa frustración ha marcado su vida. Su hijo menor heredó su habilidad para el juego de la pelota caliente, pero Troy lo desmotiva, y se opone a que haga parte del equipo local, lo que ocasiona una relación muy tensa entre padre e hijo.

Fiel a la obra literaria, el director Washington construye una narrativa que evidencia el origen teatral de la obra. Escenas, a veces un poco prolongadas, y un manejo del tiempo desprovisto de recursos visuales que aclaren algunos momentos de la trama. Aspectos estos que son hábilmente compensados con unos diálogos de gran agudeza y con unas notables interpretaciones de la pareja protagonista.
La historia, en su mayoría, transcurre en el espacio de la casa familiar, y más concretamente en el patio de atrás, donde tienen lugar largas conversaciones entre Troy, su esposa y sus hijos. En estas tertulias, donde el jefe de familia usa la simbología del beisbol, vamos conociendo el pasado de los personajes, así como sus proyectos futuros. Entre los cuales está la construcción de una cerca de madera, que se constituye en verdadero «leit motiv», de la película.

Uno de los puntos fuertes de “Cercas”, lo constituye, sin lugar a dudas, el extraordinario reparto, que en manos de la hábil dirección del realizador, logra unas interpretaciones dignas de todo elogio. El propio Denzel nos ofrece un personaje lleno de matices y de intensidad dramática. Para mí uno de las mejores interpretaciones de su carrera.

Viola Davis encarnando a la sumisa y abnegada Rose, se convierte en el contrapunto perfecto para Washington. Su dominio de la gestualidad y su presencia escénica le permiten lucirse en esta oportunidad, a tal punto que la hicieron merecedora del Premio a mejor actriz de reparto en los recientes galardones de la Academia.
Escenas para el recuerdo. Destacaría la secuencia en la cual Troy le confiesa a su esposa que le ha sido infiel. Memorable la actuación de Viola Davis en esta parte del film.

Con “Cercas”, Denzel Washington avanza en su carrera como director, se consolida como actor, y nos presenta una obra que nos permite conocer otra arista de la vergonzosa segregación racial que tuvieron que soportar los ciudadanos afroamericanos en un país que se precia de ser adalid de la democracia y de las libertades. Película necesaria.

Premios
2016: Premios Oscar: Mejor actriz de reparto (Viola Davis).
2016: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Viola Davis).
2016: Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Viola Davis).
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año.

*Nota: August Wilson murió hace 12 años, pero el guión escrito de su obra le ha valido una candidatura al Oscar. “Me niego a que la dirija un director blanco no por asuntos de raza, sino por asuntos de cultura. Los directores blancos no están cualificados para este trabajo. El puesto requiere alguien que comparta la cultura de los afroamericanos”, escribió en un artículo publicado en 1990. Está claro que su legado ha sido cumplido.

EL VIAJANTE

Por: Mario Arango Escobar.

 

 

Asghar Farhadi

ASGHAR FARHADI

Nació en Isfahán, Irán, en 1972. Desde muy temprana edad descubrió sus inclinaciones artísticas, lo que le empujó a escribir y a sumergirse en el mundo del teatro y del cine. Después de estudiar en el Instituto del Cine Joven de Irán, se matriculó en la Universidad de Teherán, donde se licenció en Realización Cinematográfica, en 1998. Durante los diez años que duró su formación, realizó dos cortometrajes y dos series de televisión y escribió varios guiones.

Debutó como director en la gran pantalla en 2003 con “Bailando en el polvo”/ Raghs dar ghobar. Cuenta la historia de un hombre que debe divorciarse de su esposa debido a la presión social que sufre tras descubrirse que su madre es una prostituta. Con esta película obtuvo el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Moscú.

Su segundo largometraje, “La bella ciudad”/ Shah-re ziba, 2004. Un joven asesino es condenado a muerte, pero un amigo impide su ejecución Obtuvo el Premio a la Mejor Película en el Festival de Varsovia, en el Festival Internacional de Cine de India y en el Festival de Cine “Rostros del amor” de Moscú.

“Fiesta del fuego”/ Chaharshanbe-soori (2006) Tres días antes del Año Nuevo iraní, la criada de un matrimonio se entera de la infidelidad del marido. El film fue premiado en el Festival de Locarno.

“A propósito de Elly”/ Darbareye Elly (2009), ensayo sobre los misterios de la condición humana. Con este film obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín en 2009. Presentada en agosto de 2010.

En el 2011 realiza “Nader y Simin, una separación”/ Jodaeiye Nader az Simin. Nader y Simin han decidido divorciarse y su hija adolescente deberá decidir con cuál de los padres vivirá. Galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlin (Mejor película) y con Premio Oscar a la mejor película en lengua extranjera. Presentada en nuestro cineclub en marzo de 2012.
“El pasado”/ Le passé (2013) Después de cuatro años de separación, Ahmad viaja de Teherán a París a petición de Marie, su esposa francesa, para resolver los trámites de su divorcio. Durante su estancia, descubre la conflictiva relación entre Marie y su hija. Sus esfuerzos para mejorar esa relación sacarán a flote un secreto del pasado. Presentada en nuestro cineclub en febrero de 2014.

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EL VIAJANTE/ Forushande (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: IRÁN. DURACIÓN: 125

Dirección y guión: Asghar Farhadi. Intérpretes: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati. Fotografía: Hossein Jafarian. Música: Sattar Oraki.

Con el eco de la obra de Arthur Miller, La muerte de un viajante, el director iraní Asghar Farhadi, nos presenta su último trabajo cinematográfico en el que nos habla de la vida de Emad (Shahab Hosseini) y Rana (Taraneh Alidoosti), dos actores de teatro que se ven obligados a abandonar su apartamento, y mudarse a la residencia de un amigo. En su nuevo hogar deberán enfrentarse a un hecho sorpresivo que cambiará su vida de manera definitiva.

Autor también del guión, Farhadi, realiza una aproximación bastante original e inteligente al texto de Miller. Por un lado, como una especie de tributo al gran dramaturgo, al poner en escena la obra mencionada, que es representada por la pareja protagonista. Pero también en la trama que, por fuera de las tablas, Emad y Rana van vivir.

Pero el acierto del director iraní está en la forma en que ambas miradas se entrelazan a través de un montaje preciso que, además de darle dinamismo al relato, nos habla de la unión entre la vida y el arte. De esta manera, Emad y Rana, además de su actuación teatral de cada noche, viven en su cotidianidad situaciones que se asemejan a las vividas por los personajes presentes en la obra de Miller. Con este recurso, Farhadi inscribe el tema del dramaturgo americano en el mundo contemporáneo, y muy concretamente en la sociedad iraní, para hablarnos de asuntos como el machismo, y la situación de indefensión que padece la mujer.

Farhadi opta por una narrativa a base de largos planos, cámara en mano, que sigue a los personajes. El director se toma su tiempo para entregarnos la información de lo que ocurre. De esta manera, la intriga aumenta poco a poco, y finalmente convierte el drama en un verdadero thriller.

Shahab Hosseini y Taraneh Alidoosti como la pareja protagonista, hacen derroche de su capacidad y versatilidad actoral, a través de un admirable dominio de la gestualidad, y el lenguaje corporal, que imprimen al relato una gran dosis de realismo. Lo mismo podría decirse del resto del grupo de actores secundarios, que hacen una presentación excelente.

En el apartado técnico, mención especial para el trabajo fotográfico de Hossein Jafarian, quien haciendo uso de sombras y contrastes, acentúa el estado de ánimo de los personajes principales, y le imprime a la historia su calidad de obra cinematográfica, no obstante su interacción con el teatro.

Interesantísimo e inesperado final, cuando Rana, en un acto que puede parecer polémico, opta por el perdón para el posible agresor, y nos entrega esa potente reflexión: La venganza no resuelve nada y solo produce caos y destrucción.

Asghar Farhadi se consolida como un narrador consumado, maestro del guión y del montaje. Con su cine, aparentemente sencillo, llega al alma del espectador. Pero no como un mero muestrario de destrezas, pues cada obra de su filmografía, genera reflexiones muy profundas sobre la naturaleza humana, y “El viajante” no es la excepción. Cine de autor, imprescindible.

Premios

2016: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa.
2016: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa.
2016: Festival de Cannes: Mejor actor (Shahab Hosseini) y mejor guión.
2016: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa.
2016: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa.

LUZ DE LUNA

Por: Mario Arango Escobar.

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BARRY JENKINS

Nació en 1979, en Miami (Estados Unidos). Cuando tenía doce años muere su padre. Este se había separado de su madre creyendo que Jenkins no era su hijo biológico. Durante su infancia, Jenkis fue criado en apartamentos pequeños por una mujer y realizó sus estudios en Miami Northwestern Senior High School.
“Medicina para la melancolía”/ Medicine for Melancholy (2008). Una particular historia de amor que tiene como escenario a San Francisco. El film sigue a una pareja de jóvenes negros, en su viaje a través de la ciudad de California, explorando las calles, así como la posibilidad de una relación más profunda entre ellos.

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LUZ DE LUNA”/ MOONLIGHT (2016). GÉNERO: DRAMAHOMOSEXUALIDAD. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 111′

Dirección: Barry Jenkins. Guión: Barry Jenkins (Historia: Tarell Alvin McCraney). Intérpretes: Trevante Rhodes, Naomie Harris, Mahershala Ali, Ashton Sanders, André Holland, Alex R. Hibbert, Janelle Monáe, Jharrel Jerome, Shariff Earp, Duan Sanderson, Edson Jean. Fotografía: James Laxton. Música: Nicholas Britell.

Barry Jenkins, nos presenta su versión cinematográfica de la obra teatral, escrita por Alvin McCRaney, In Moonlight Black Boys Look Blue (a la luz de la luna los chicos negros parecen azules). En ella se nos narra la historia de Chiron, un niño negro, que se descubre diferente. Situación que sus compañeros de juego y colegio también advierten y por ello Chrion será objeto de burlas y de hostilidades.

El entorno familiar de Chiron está marcado por la ausencia del padre, el tráfico y consumo de drogas, una madre, adicta empedernida, que además se prostituye, y para quien no importa lo que ocurra con su hijo.

Afortunadamente, para Chiron, aparece en su vida Juan (Mahershala Ali), quien domina el mercado de droga del sector y que, junto con su novia Teresa (Janelle Monáe), se convierten en su familia sustituta, y le brindan acogida y afecto.

El film está estructurado en tres partes que coinciden con tres etapas en la vida del protagonista: infancia, adolescencia y adultez; cada una de ellas separadas por el acertado manejo de la elipsis, donde importa tanto lo que se nos cuenta como lo que se sugiere. En la primera, como ya se dijo, veremos a Chiron lleno de miedo, de interrogantes sobre su sexualidad, pero con la compañía salvadora de Juan, que marcará su desarrollo futuro.

Luego vendrá la adolescencia con el descubrimiento del sexo y la atracción manifiesta por Kevin, su compañero de infancia, que también es gay.

Finalmente, está Chiron, adulto, empoderado en su papel de amo y señor del mercado de las drogas. Escondido en un cuerpo de hombre rudo, pero con el recuerdo nítido de ese amigo al que le abrió su alma y su intimidad.

Jenkins sorprende por la sensibilidad para narrar este drama, que según expresa, contiene varios elementos de su propia vida y acierta con la construcción realista de personajes. Unos personajes que parten de los estereotipos, pero que el director los humaniza y transforma en seres que, además de su envoltura, poseen una personalidad que los diferencia.

Algo similar ocurre con los sentimientos de quienes viven la historia. El director los devela con una gran dosis de poesía y sobriedad. Jenkins evade lo artificioso. Su interés no está en procurar la lágrima fácil y más bien se concentra en la mirada, los gestos, los silencios…

En el apartado técnico, sobresale el magnífico trabajo del fotógrafo James Laxton, que se constituye en un complemento perfecto para la historia. De otro lado, tenemos la banda sonora, que acentúa el tono dramático de las secuencias que acompaña. Punto aparte para la hermosa interpretación de Cucurrucucú paloma a cargo de Caetano Veloso.

En cuanto al grupo de actores. Mahershala Ali como Juan, demuestra con suficiencia por qué es considerado uno de los grandes actores afroamericanos del momento, con una interpretación bastante convincente que le valió la nominación como mejor actor secundario en los recientes Premios Oscar.

Por su parte, los tres actores que dan vida a Chiron en sus diferentes momentos (Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes) nos brindan unas actuaciones extraordinarias, llenas de matices, que le otorgan solidez y verosimilitud al film.

Escenas para el recuerdo. Al inicio, cuando Juan encuentra a Chiron que se ha escondido en una destartalada caseta, para evadir el acoso de sus compañeros.

Cuando Chiron, regresa de Atlanta, para encontrarse con su viejo amigo y vemos a un grupo de niño en la playa, todos azules, felices, mientras la voz de Caetano Veloso, nos remite al cine de Wong Kar-Wai, uno de los directores que Jenkis más admira.

El plano final, Kevin y Chiron en un abrazo lleno de significado que sirve de colofón perfecto a esta hermosa película.

Con “Luz de luna”, Barry Jenkis, nos habla de una dura realidad, que también fue suya: ser gay, y además negro. Con su poética mirada nos ha regalado una bella película que permanecerá en todo espectador sensible. Imprescindible.

Premios
2016: Premios Oscar: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película y director.
2016: Globos de Oro: Mejor película drama. 6 nominaciones, inc. Mejor director.
2016: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película.
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año.
2016: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas, director y actriz secundaria (Harris).