FIGURAS OCULTAS

Por: Mario Arango Escobar.

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THEODORE MELFI

Nació en 1971 en Brooklyn, New York, Estados Unidos. Además de realizador, también es guionista y productor de cine.

Su debut como director ocurre en el año de 1999, cuando presenta “Winding Roads” (1999). Tres mujeres se encuentran en el momento más difícil de su vida, en el que tendrán que tomar decisiones que las afectará de forma importante en el futuro.

“St. Vincent” (2014). Maggie una mujer que se muda a Brooklyn con su hijo de 12 años, Oliver; al tener que trabajar muchas horas, no le queda más opción que dejar a Oliver al cargo de su nuevo vecino, Vincent, un jubilado cascarrabias aficionado al alcohol y a las apuestas. Mientras Vincent cree que ayuda a Oliver a hacerse un hombre, éste comienza a ver en el viejo gruñón algo que nadie más ve: un hombre incomprendido de buen corazón.

Hidden Figures Day 41

FIGURAS OCULTAS/ Hidden Figures (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 127

Dirección: Theodore Melfi. Guión: Allison Schroeder (Libro: Margot Lee Shetterly). Intérpretes: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Jim Parsons, Mahershala Ali, Kirsten Dunst, Glen Powell, Rhoda Griffis. Fotografía: Mandy Walker. Música: Benjamin Wallfisch.

Con base en la novela de Margot Lee Shetterly, el director y guionista Theodore Melfi, realiza esta adaptación cinematográfica, en la cual conoceremos a tres brillantes ingenieras y astrofísicas, que tuvieron un destacado papel en los inicios de la carrera espacial norteamericana, en plena guerra fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética.

Katherine Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson, protagonistas de esta desconocida historia, integraron el equipo de la NASA, que tuvo la misión de enviar al astronauta John Glenn al espacio, y de esta manera, contrarrestar el avance de los astronautas rusos, con Yuri Gagarin a la cabeza.
Las tres notables mujeres, además de demostrar su talento en medio de un conglomerado mayoritariamente masculino, fueron pioneras en la lucha contra la segregación racial, pues al ser afroamericanas, debieron soportar toda clase de vejámenes a causa del color de su piel.
Cada una, desde sus diferentes posiciones en la NASA, contribuyó al reconocimiento de la mujer negra, profesional y consciente de sus derechos. Así Mary Jackson (Janelle Monáe) tuvo que recorrer un arduo camino para lograr ingresar a una Universidad y continuar sus estudios. Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) quien con su habilidad y talento logra convertirse en supervisora de las llamadas computadoras humanas, y luego jefe del sistema informático de la primera computadora IBM. Katherine G. Johnson (Taraji P. Henson), la única mujer que hace parte del equipo de calculistas y quien sobresale por su gran capacidad para solucionar los complejos problemas matemáticos.

El director Melfi hace uso de una narrativa clásica y lineal. La historia alterna, de manera muy acertada, el drama y la comedia. En el guión, sobresalen unos diálogos concisos e inteligentes.
Tanto la ambientación, como el vestuario y los decorados, están perfectamente logrados, y aportan credibilidad al relato.
En cuanto al reparto, decir que las tres actrices protagonistas sobresalen claramente sobre todo el grupo y sobre ellas recae el peso de la historia. Aunque Octavia Spencer logró la nominación a mejor actriz de reparto, Taraji P. Henson y Janelle Monáe realizan unas caracterizaciones igualmente sobresalientes. De los secundarios, destacar a Kevin Costner en un papel bastante correcto.
Theodore Melfi con “Figuras ocultas” realiza un justo y merecido homenaje a la mujer. Reivindica la importancia de estas científicas que jugaron un destacado y decisivo papel en la carrera espacial y que hasta hoy eran desconocidas para la mayoría de nosotros. Mujeres, que además, promovieron la igualdad racial y de género en momentos claves de la historia estadounidense. Una película necesaria.

Premios

2016: Premios Oscar: 3 nominaciones incluida mejor película y actriz secundaria. (Octavia Spencer).
2016: Premios BAFTA: Nominada a Mejor guión adaptado.

CERCAS

Por: Mario Arango Escobar.

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DENZEL WASHINGTON

Nació el 28 de diciembre de 1954 en Mount Vernon, Nueva York (Estados Unidos).Cursó estudios de narrativa en la Fordham University de Nueva York, y participa en diversas obras de teatro estudiantiles. Posteriormente estudió en el American Conservatory Theater.

Se inicia en el teatro con “Coriolanus” en un Festival de Shakespeare (1979). Su debut cinematográfico llegó con “Carbon Copy” en 1981. Alterna sus trabajos para la pequeña pantalla trabajando para el cine y consigue por su excelente interpretación una nominación al Oscar como mejor secundario por “Grita libertad”, y recibe una estatuilla en la misma categoría por “Tiempos de gloria” y otra nominación como mejor actor por “Malcolm X”, de Spike Lee. Otras de sus películas son “Philadephia”, “El demonio vestido de azul” y “El coleccionista de huesos”. Fue nuevamente nominado al Oscar por su papel de boxeador en “Huracán Carter”. Ganó otro Óscar en 2001 por su interpretación en “Training day”.

Debutó como director con “Antwone Fisher” en el año 2002. Un joven marinero de carácter violento, es obligado a ver a un psiquiatra de la marina para aprender a controlar su rabia. La terapia le inspirará para buscar a la familia que le abandonó cuando era un niño. Un drama basado en hechos reales, a partir de la historia del propio Antwone Fisher.

The Great Debaters (2007). Drama basado en la historia real de Mel Tolson, un profesor de Historia Afroamericana en el Wiley College de Texas, quien en 1935 inspiró a sus estudiantes a formar el primer equipo de debate del colegio, que luego se enfrentaría en la final a la universidad de Harvard en el campeonato nacional.

Pictured: Denzel Washington (Troy Maxson) & Viola Davis (Rose)

CERCAS/ FENCES (2016GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 139

Dirección: Denzel Washington. Guión: August Wilson (Obra: August Wilson). Intérptres: Denzel Washington, Viola Davis, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Música: Marcelo Zarvos.

Denzel Washington, luego de su rutilante carrera como actor, se arriesga a incursionar en la dirección, adaptando la obra homónima de August Wilson*, que ya había protagonizado en Broadway.
La historia, ambientada en la ciudad de Pittsburgh, ocurre en los años 50, y nos presenta la vida cotidiana de una humilde familia afroamericana, formada por Troy Maxson (Denzel Washington), su esposa Rose (Viola Davis) y sus dos hijos.
Troy trabaja como recolector de basuras, con lo cual logra mantener a su familia. Su ilusión es convertirse en conductor del camión, pero ese puesto está reservado a los blancos.

En su juventud, Troy fue un destacado jugador de beisbol, pero debido a la segregación racial imperante en la época, nunca pudo lograr su sueño de convertirse en estrella de las grandes ligas, y esa frustración ha marcado su vida. Su hijo menor heredó su habilidad para el juego de la pelota caliente, pero Troy lo desmotiva, y se opone a que haga parte del equipo local, lo que ocasiona una relación muy tensa entre padre e hijo.

Fiel a la obra literaria, el director Washington construye una narrativa que evidencia el origen teatral de la obra. Escenas, a veces un poco prolongadas, y un manejo del tiempo desprovisto de recursos visuales que aclaren algunos momentos de la trama. Aspectos estos que son hábilmente compensados con unos diálogos de gran agudeza y con unas notables interpretaciones de la pareja protagonista.
La historia, en su mayoría, transcurre en el espacio de la casa familiar, y más concretamente en el patio de atrás, donde tienen lugar largas conversaciones entre Troy, su esposa y sus hijos. En estas tertulias, donde el jefe de familia usa la simbología del beisbol, vamos conociendo el pasado de los personajes, así como sus proyectos futuros. Entre los cuales está la construcción de una cerca de madera, que se constituye en verdadero «leit motiv», de la película.

Uno de los puntos fuertes de “Cercas”, lo constituye, sin lugar a dudas, el extraordinario reparto, que en manos de la hábil dirección del realizador, logra unas interpretaciones dignas de todo elogio. El propio Denzel nos ofrece un personaje lleno de matices y de intensidad dramática. Para mí uno de las mejores interpretaciones de su carrera.

Viola Davis encarnando a la sumisa y abnegada Rose, se convierte en el contrapunto perfecto para Washington. Su dominio de la gestualidad y su presencia escénica le permiten lucirse en esta oportunidad, a tal punto que la hicieron merecedora del Premio a mejor actriz de reparto en los recientes galardones de la Academia.
Escenas para el recuerdo. Destacaría la secuencia en la cual Troy le confiesa a su esposa que le ha sido infiel. Memorable la actuación de Viola Davis en esta parte del film.

Con “Cercas”, Denzel Washington avanza en su carrera como director, se consolida como actor, y nos presenta una obra que nos permite conocer otra arista de la vergonzosa segregación racial que tuvieron que soportar los ciudadanos afroamericanos en un país que se precia de ser adalid de la democracia y de las libertades. Película necesaria.

Premios
2016: Premios Oscar: Mejor actriz de reparto (Viola Davis).
2016: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Viola Davis).
2016: Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Viola Davis).
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año.

*Nota: August Wilson murió hace 12 años, pero el guión escrito de su obra le ha valido una candidatura al Oscar. “Me niego a que la dirija un director blanco no por asuntos de raza, sino por asuntos de cultura. Los directores blancos no están cualificados para este trabajo. El puesto requiere alguien que comparta la cultura de los afroamericanos”, escribió en un artículo publicado en 1990. Está claro que su legado ha sido cumplido.

EL VIAJANTE

Por: Mario Arango Escobar.

 

 

Asghar Farhadi

ASGHAR FARHADI

Nació en Isfahán, Irán, en 1972. Desde muy temprana edad descubrió sus inclinaciones artísticas, lo que le empujó a escribir y a sumergirse en el mundo del teatro y del cine. Después de estudiar en el Instituto del Cine Joven de Irán, se matriculó en la Universidad de Teherán, donde se licenció en Realización Cinematográfica, en 1998. Durante los diez años que duró su formación, realizó dos cortometrajes y dos series de televisión y escribió varios guiones.

Debutó como director en la gran pantalla en 2003 con “Bailando en el polvo”/ Raghs dar ghobar. Cuenta la historia de un hombre que debe divorciarse de su esposa debido a la presión social que sufre tras descubrirse que su madre es una prostituta. Con esta película obtuvo el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Moscú.

Su segundo largometraje, “La bella ciudad”/ Shah-re ziba, 2004. Un joven asesino es condenado a muerte, pero un amigo impide su ejecución Obtuvo el Premio a la Mejor Película en el Festival de Varsovia, en el Festival Internacional de Cine de India y en el Festival de Cine “Rostros del amor” de Moscú.

“Fiesta del fuego”/ Chaharshanbe-soori (2006) Tres días antes del Año Nuevo iraní, la criada de un matrimonio se entera de la infidelidad del marido. El film fue premiado en el Festival de Locarno.

“A propósito de Elly”/ Darbareye Elly (2009), ensayo sobre los misterios de la condición humana. Con este film obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín en 2009. Presentada en agosto de 2010.

En el 2011 realiza “Nader y Simin, una separación”/ Jodaeiye Nader az Simin. Nader y Simin han decidido divorciarse y su hija adolescente deberá decidir con cuál de los padres vivirá. Galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlin (Mejor película) y con Premio Oscar a la mejor película en lengua extranjera. Presentada en nuestro cineclub en marzo de 2012.
“El pasado”/ Le passé (2013) Después de cuatro años de separación, Ahmad viaja de Teherán a París a petición de Marie, su esposa francesa, para resolver los trámites de su divorcio. Durante su estancia, descubre la conflictiva relación entre Marie y su hija. Sus esfuerzos para mejorar esa relación sacarán a flote un secreto del pasado. Presentada en nuestro cineclub en febrero de 2014.

Salesman

EL VIAJANTE/ Forushande (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: IRÁN. DURACIÓN: 125

Dirección y guión: Asghar Farhadi. Intérpretes: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati. Fotografía: Hossein Jafarian. Música: Sattar Oraki.

Con el eco de la obra de Arthur Miller, La muerte de un viajante, el director iraní Asghar Farhadi, nos presenta su último trabajo cinematográfico en el que nos habla de la vida de Emad (Shahab Hosseini) y Rana (Taraneh Alidoosti), dos actores de teatro que se ven obligados a abandonar su apartamento, y mudarse a la residencia de un amigo. En su nuevo hogar deberán enfrentarse a un hecho sorpresivo que cambiará su vida de manera definitiva.

Autor también del guión, Farhadi, realiza una aproximación bastante original e inteligente al texto de Miller. Por un lado, como una especie de tributo al gran dramaturgo, al poner en escena la obra mencionada, que es representada por la pareja protagonista. Pero también en la trama que, por fuera de las tablas, Emad y Rana van vivir.

Pero el acierto del director iraní está en la forma en que ambas miradas se entrelazan a través de un montaje preciso que, además de darle dinamismo al relato, nos habla de la unión entre la vida y el arte. De esta manera, Emad y Rana, además de su actuación teatral de cada noche, viven en su cotidianidad situaciones que se asemejan a las vividas por los personajes presentes en la obra de Miller. Con este recurso, Farhadi inscribe el tema del dramaturgo americano en el mundo contemporáneo, y muy concretamente en la sociedad iraní, para hablarnos de asuntos como el machismo, y la situación de indefensión que padece la mujer.

Farhadi opta por una narrativa a base de largos planos, cámara en mano, que sigue a los personajes. El director se toma su tiempo para entregarnos la información de lo que ocurre. De esta manera, la intriga aumenta poco a poco, y finalmente convierte el drama en un verdadero thriller.

Shahab Hosseini y Taraneh Alidoosti como la pareja protagonista, hacen derroche de su capacidad y versatilidad actoral, a través de un admirable dominio de la gestualidad, y el lenguaje corporal, que imprimen al relato una gran dosis de realismo. Lo mismo podría decirse del resto del grupo de actores secundarios, que hacen una presentación excelente.

En el apartado técnico, mención especial para el trabajo fotográfico de Hossein Jafarian, quien haciendo uso de sombras y contrastes, acentúa el estado de ánimo de los personajes principales, y le imprime a la historia su calidad de obra cinematográfica, no obstante su interacción con el teatro.

Interesantísimo e inesperado final, cuando Rana, en un acto que puede parecer polémico, opta por el perdón para el posible agresor, y nos entrega esa potente reflexión: La venganza no resuelve nada y solo produce caos y destrucción.

Asghar Farhadi se consolida como un narrador consumado, maestro del guión y del montaje. Con su cine, aparentemente sencillo, llega al alma del espectador. Pero no como un mero muestrario de destrezas, pues cada obra de su filmografía, genera reflexiones muy profundas sobre la naturaleza humana, y “El viajante” no es la excepción. Cine de autor, imprescindible.

Premios

2016: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa.
2016: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa.
2016: Festival de Cannes: Mejor actor (Shahab Hosseini) y mejor guión.
2016: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa.
2016: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa.

LUZ DE LUNA

Por: Mario Arango Escobar.

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BARRY JENKINS

Nació en 1979, en Miami (Estados Unidos). Cuando tenía doce años muere su padre. Este se había separado de su madre creyendo que Jenkins no era su hijo biológico. Durante su infancia, Jenkis fue criado en apartamentos pequeños por una mujer y realizó sus estudios en Miami Northwestern Senior High School.
“Medicina para la melancolía”/ Medicine for Melancholy (2008). Una particular historia de amor que tiene como escenario a San Francisco. El film sigue a una pareja de jóvenes negros, en su viaje a través de la ciudad de California, explorando las calles, así como la posibilidad de una relación más profunda entre ellos.

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LUZ DE LUNA”/ MOONLIGHT (2016). GÉNERO: DRAMAHOMOSEXUALIDAD. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 111′

Dirección: Barry Jenkins. Guión: Barry Jenkins (Historia: Tarell Alvin McCraney). Intérpretes: Trevante Rhodes, Naomie Harris, Mahershala Ali, Ashton Sanders, André Holland, Alex R. Hibbert, Janelle Monáe, Jharrel Jerome, Shariff Earp, Duan Sanderson, Edson Jean. Fotografía: James Laxton. Música: Nicholas Britell.

Barry Jenkins, nos presenta su versión cinematográfica de la obra teatral, escrita por Alvin McCRaney, In Moonlight Black Boys Look Blue (a la luz de la luna los chicos negros parecen azules). En ella se nos narra la historia de Chiron, un niño negro, que se descubre diferente. Situación que sus compañeros de juego y colegio también advierten y por ello Chrion será objeto de burlas y de hostilidades.

El entorno familiar de Chiron está marcado por la ausencia del padre, el tráfico y consumo de drogas, una madre, adicta empedernida, que además se prostituye, y para quien no importa lo que ocurra con su hijo.

Afortunadamente, para Chiron, aparece en su vida Juan (Mahershala Ali), quien domina el mercado de droga del sector y que, junto con su novia Teresa (Janelle Monáe), se convierten en su familia sustituta, y le brindan acogida y afecto.

El film está estructurado en tres partes que coinciden con tres etapas en la vida del protagonista: infancia, adolescencia y adultez; cada una de ellas separadas por el acertado manejo de la elipsis, donde importa tanto lo que se nos cuenta como lo que se sugiere. En la primera, como ya se dijo, veremos a Chiron lleno de miedo, de interrogantes sobre su sexualidad, pero con la compañía salvadora de Juan, que marcará su desarrollo futuro.

Luego vendrá la adolescencia con el descubrimiento del sexo y la atracción manifiesta por Kevin, su compañero de infancia, que también es gay.

Finalmente, está Chiron, adulto, empoderado en su papel de amo y señor del mercado de las drogas. Escondido en un cuerpo de hombre rudo, pero con el recuerdo nítido de ese amigo al que le abrió su alma y su intimidad.

Jenkins sorprende por la sensibilidad para narrar este drama, que según expresa, contiene varios elementos de su propia vida y acierta con la construcción realista de personajes. Unos personajes que parten de los estereotipos, pero que el director los humaniza y transforma en seres que, además de su envoltura, poseen una personalidad que los diferencia.

Algo similar ocurre con los sentimientos de quienes viven la historia. El director los devela con una gran dosis de poesía y sobriedad. Jenkins evade lo artificioso. Su interés no está en procurar la lágrima fácil y más bien se concentra en la mirada, los gestos, los silencios…

En el apartado técnico, sobresale el magnífico trabajo del fotógrafo James Laxton, que se constituye en un complemento perfecto para la historia. De otro lado, tenemos la banda sonora, que acentúa el tono dramático de las secuencias que acompaña. Punto aparte para la hermosa interpretación de Cucurrucucú paloma a cargo de Caetano Veloso.

En cuanto al grupo de actores. Mahershala Ali como Juan, demuestra con suficiencia por qué es considerado uno de los grandes actores afroamericanos del momento, con una interpretación bastante convincente que le valió la nominación como mejor actor secundario en los recientes Premios Oscar.

Por su parte, los tres actores que dan vida a Chiron en sus diferentes momentos (Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes) nos brindan unas actuaciones extraordinarias, llenas de matices, que le otorgan solidez y verosimilitud al film.

Escenas para el recuerdo. Al inicio, cuando Juan encuentra a Chiron que se ha escondido en una destartalada caseta, para evadir el acoso de sus compañeros.

Cuando Chiron, regresa de Atlanta, para encontrarse con su viejo amigo y vemos a un grupo de niño en la playa, todos azules, felices, mientras la voz de Caetano Veloso, nos remite al cine de Wong Kar-Wai, uno de los directores que Jenkis más admira.

El plano final, Kevin y Chiron en un abrazo lleno de significado que sirve de colofón perfecto a esta hermosa película.

Con “Luz de luna”, Barry Jenkis, nos habla de una dura realidad, que también fue suya: ser gay, y además negro. Con su poética mirada nos ha regalado una bella película que permanecerá en todo espectador sensible. Imprescindible.

Premios
2016: Premios Oscar: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película y director.
2016: Globos de Oro: Mejor película drama. 6 nominaciones, inc. Mejor director.
2016: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película.
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año.
2016: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas, director y actriz secundaria (Harris).

LOVING

Por: Mario Arango Escobar.

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JEFF NICHOLS

Nació en 1979 en (Arkansas), Estados Unidos. Además de director es escritor y productor. Su carrera en el mundo del cine comenzó como actor, con un pequeño papel en el drama romántico, “Come Early Morning”, en el año 2006.
En 2007, escribe, dirige y produce “Shotgun Stories” Narra la enemistad que estalla entre dos grupos de hermanastros tras la muerte de su padre. Una aguda exploración de los instintos más primarios. Con los campos de algodón y las carreteras secundarias de Arkansas como telón de fondo, estos hermanos tendrán que decidir hasta dónde quieren llegar para proteger a sus familias.
Su siguiente trabajo, estrenado en 2011 fue el thriller dramático de corte apocalíptico “Take Shelter”. La historia, habla acerca de un hombre acosado por terribles visiones del fin del mundo y su necesidad de construir un refugio para su familia.
“Mud”(2012). Es la historia de dos adolescentes que realizan un pacto con un fugitivo de la ley, para ayudarlo a escapar de una isla en el Mississippi.
“Midnight Special” (2016). Un hombre, Roy y su hijo de 8 años Alton son perseguidos por el gobierno cuando el niño desarrolla poderes especiales.

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LOVING (2016) GÉNERO: DRAMA RACISMO. PAÍS: USA: DURACIÓN123

Dirección y guión: Jeff Nichols. Intérpretes: Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon, Marton Csokas, Nick Kroll, Jon Bass, Bill Camp, David Jensen, Alano Miller, Sharon Blackwood, Chris Greene. Fotografía: Adam Stone. Música: David Wingo.

Con base en hechos reales acaecidos, en Virginia, Estados Unidos, el director y guionista Jeff Nichols nos presenta la increíble historia de los esposos Loving, quienes debieron afrontar lo absurdo de la ley de ese entonces, que prohibía los matrimonios entre parejas de diferentes razas.

Richard y Mildred, él blanco, ella negra. Se aman, esperan un hijo, y para que éste no nazca fuera del matrimonio, deciden viajar a Washington para contraer matrimonio. Luego regresan a su Estado de origen, Virginia, donde su unión carece de validez. Cuando las autoridades se enteran, son condenados, de acuerdo a la ley vigente, a un año de cárcel. Esta pena solo podía ser conmutada, a cambio de que la pareja abandonara durante 25 años su lugar de residencia.

La historia se inicia en 1958, cuando la pareja protagonista se une en matrimonio, y termina en 1967, año en el que el Tribunal Supremo deroga la ley que condena los matrimonios interraciales.

El film abre con una especie de introducción, en la cual el director nos presenta a los personajes principales y algunos momentos de sus vidas, sus ilusiones, y sueños como tener una casa propia, y poder educar a sus hijos según sus principios.

Posteriormente ocurre la boda en Washington y el regreso a Virginia. Una vez instalados como pareja, empieza la persecución policial y el consiguiente juicio, pues han violado la ley.

Nichols, muy hábilmente, evita hacer del proceso judicial, el protagonista de su película, y recurre al fuera de campo para ponernos al corriente de lo que ocurre en las Cortes. De igual manera, el efecto publicitario que este acontecimiento generó, es tratado de manera muy sutil, pues lo que verdaderamente le interesa al director es mostrarnos la fuerza del amor que une a Mildred y Richard.

Con una narrativa sobria y precisa, que evade los artificios para centrarse en lo esencial. Nada de osados movimientos con la cámara, ni travellings, ni flasbacks. El director dirige su cámara a los rostros de Richar y Mildred, que van a trasmitirnos, a través de sus miradas, sus gestos y sus silencios todas las emociones que viven en día a día. Por su sutileza, y por su parquedad en los diálogos, “Loving” se asemeja a las grandes películas de la época del cine mudo.

Y es que el dúo de actores principales realiza un trabajo tan perfecto que complementa las intenciones narrativas y expresivas del director. Ruth Negga (Mildred), nos ofrece una interpretación sin ningún tipo de afectación. Que evoluciona a medida que transcurre el film, de una mujer tímida a una mujer de gran fuerza. Un personaje que se roba la empatía del espectador. Por su parte, Joel Edgerton (Richard), nos convence con su excelente interpretación, desde el silencio y la contención.

Destacable la puesta en escena y ambientación. Para resaltar en este apartado el cuidado en el trabajo de reconstrucción de los espacios interiores, cuidando al máximo los detalles, lo que nos permite situarnos en la época de la historia, y conocer el nivel social de la pareja protagónica.

En cuanto a la banda sonora, a cargo del maestro David Wingo, decir que se ajusta perfectamente al relato y sirve para subrayar los momentos dramáticos.

Un final que nos presenta algunas referencias históricas, y esa frase llena de ternura “Cuidó de mí”.

“Loving”, una película modesta que se vuelve inmensa gracias a la mano de un director, que sabe que en el cine, menos es más. Una película que nos da a conocer un tema que resulta increíble. Película necesaria y hermosa.

Premios
2016: Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Ruth Negga).
2016: Globos de Oro: Nominada a mejor actor-drama (Edgerton) y actriz (Negga).
2016: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso.
2016: Premios Gotham: Nominada a mejor actor (Edgerton) y actriz (Ruth Negga).
2016: Critics Choice Awards: Nom. a mejor película, actor, actriz y guión original.

MANCHESTER FRENTE AL MAR

Por: Mario Arango Escobar.

 

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KENNETH LONERGAN

Nació en 1962 en New York. Mientras cursaba la secundaria empieza su vida como escritor, con la obra The Rennings Children”, la cual fue elegida para ser presentada en el Young Playwright’s Festival de 1982, cuando él contaba con sólo 20 años de edad.

Ingresó a la Universidad Wesley para estudiar Redacción de Guiones y Dirección. Posteriormente obtuvo su master en Dramaturgia en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de New York.
Luego de su graduación trabajó como escritor de campañas para la Agencia de Protección Ambiental y también escribió guiones para campañas de empresas como Weight Watchers y Fujifilm.
Sus primeros éxitos teatrales llegaron con sus obras “This is Our Youth” (1996), seguido por “The Waverley Gallery” (1999) y, más tarde, “Lobby Hero” (2002).
Poco antes del 2000 escribió el guión para el largometraje “Analízame” (1999), que se convirtió en un gran éxito de taquilla.
Sus siguientes guiones fueron para las películas Analízate” (2002) y Gangs of New York” (2002).

Debuta en la gran pantalla con la película “Puedes contar conmigo”/ You Can Count on Me (2000). Sammy Precott, que se quedó huérfana siendo una niña, es una madre soltera que sólo vive para su hijo. Sigue viviendo en su pueblo natal, al norte de Nueva York, y lleva una vida sencilla y tranquila. Sin embargo, su vida se tambalea el día en que regresa al pueblo su hermano, un joven bastante problemático.

En el año 2011 realiza “Margaret”. Lisa, una estudiante neoyorquina de 17 años, está convencida de haber provocado, aunque involuntariamente, un accidente de tráfico que le ha costado la vida a una mujer. Se siente tan impotente y desolada que empieza a tratar con crueldad a su familia, amigos, profesores y, sobre todo, a sí misma. Y es que las circunstancias la han colocado frente a una verdad esencial: sus ideales de juventud no se corresponden con la realidad y las responsabilidades que implica el mundo adulto.

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MANCHESTER FRENTE AL MAR/Manchester by the Sea (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 135’

Dirección y guión: Kenneth Lonergan. Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol, Kara Hayward, Susan Pourfar. Fotografía: Jody Lee Lipes. Música: Lesley Barber.

Lee Chandler (Casey Affleck), trabaja como conserje de un bloque de apartamentos, y lleva una vida monótona y rutinaria. Un día recibe la noticia de la muerte de su hermano mayor, y por tal motivo debe viajar a Manchester frente al mar, una isla al norte de Massachusetts, para hacerse cargo de las exequias. Este regreso a su ciudad natal, significa para Lee enfrentarse a un pasado que lo atormenta. Además, deberá asumir la custodia de su sobrino Patrick (Lucas Hedges), según deseo expreso de su hermano.

Mediante sucesivos flashbacks, el director y guionista nos lleva a conocer la vida anterior de Lee. Los momentos felices en compañía de su sobrino, aún pequeño y de su hermano.
De su vida familiar, al lado de su esposa Randi (Michelle Williams) y de sus hijos. Igualmente, estos saltos hacia el pasado nos van a aclarar el motivo del extraño comportamiento del protagonista, relacionado con la tragedia familiar que no puede apartar de su mente. Gracias a un bien logrado montaje, la historia fluye, y pasado y presente se funden de manera perfecta.

Lonergan construye su relato con un ritmo pausado, y nos suministra la información muy dosificadamente, hasta que, casi sin darnos cuenta, estamos ante el estallido del portentoso y trágico drama. El director nos hace partícipes de la desolación emocional que arrastra Lee en su diario vivir. Y lo hace desde la más completa austeridad, desde los silencios o desde la melancólica melodía musical.

Un punto más a destacar en el preciso guión, es el cuidado en la construcción de los personajes. Lonergan, al estilo de los directores clásicos, se vale de unos cuantos rasgos para dibujar la personalidad de ellos, y hacerlos verosímiles.

La fotografía, a cargo de Jody Lee Lipes, captura perfectamente los hermosos y áridos paisajes del lugar, y sirven de complemento perfecto a las vivencias emocionales del protagonista.

En cuanto a la banda sonora, además de lo ya anotado, decir que la música, en particular el bellísimo pero melancólico “Adagio de Albinoni”, tiene un peso determinante en la creación de la emoción, justo en el climax de la historia.

Otro de los grandes aciertos del director es la elección de Casey Affleck para el papel protagónico. Desprovisto de artificios, recurriendo a la completa sobriedad, a su mirada elocuente, construye un personaje, a través del cual, sentimos el dolor, la rabia y la culpa que abruman a Lee. Merecido su reconocimiento con el premio Oscar al mejor actor.

Por su parte, Lucas Hedges, como Patrick, el sobrino de Lee, constituye todo una sorpresa, al asumir un papel bastante difícil, que borda muy acertadamente, logrando gran empatía con el espectador. Su actuación le mereció una nominación a mejor actor de reparto en los premios Oscar.

Escenas para el recuerdo. Indudablemente, el momento en que ocurre la desgracia, puras imágenes, sobrecogedoras, y esa música de fondo!
Otro momento especial, y que revela la calidad actoral de Affleck, cuando el protagonista comprende la magnitud de lo ocurrido. La variedad de emociones que logra trasmitir, solo con gestos, silencios y miradas.
La secuencia en la que Lee cuenta a la policía lo ocurrido.

Si bien “Manchester frente al mar” se estructura en base a una terrible tragedia, que marcará la vida del protagonista, contiene el germen esperanzador de la reconciliación con él mismo y con su entorno.

Kenneth Lonergan suma a su filmografía un título de indiscutible calidad, que hace pensar en una nueva promesa del cine independiente. “Manchester frente al mar”, seguramente pasará la prueba de fuegos artificiales que se encienden con los Oscar, y permanecerá en el tiempo. Cine del bueno.
Premios:

2016: Premios Oscar: Mejor actor (Casey Affleck) y guión original.
2016: Globos de Oro: Mejor actor drama (Affleck). 5 nominaciones incluyendo mejor película.
2016: Premios BAFTA: Mejor guion original y actor (Affleck). 6 nominaciones.
2016: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera.
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año.
2016: Premios Independent Spirit: Mejor actor (Casey Affleck).

FRANTZ

Por: Mario Arango Escobar.

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FRANÇOIS OZON

Nació en 1967, en París (Francia). Graduado con doctorado de cine en París (tiene como profesores a Eric Rohmer y Joseph Morder). Al tiempo que estudia, realiza decenas de películas con la cámara super8 de su padre. En 1990 ingresa al departamento de dirección de la Femis. Redacta una tesis sobre Pialat y firma numerosos cortometrajes. Gracias a estos cortos se hará un nombre en el medio del joven cine francés. Entre estas obras se distingue “Une robe d’été” (1996), visión sin complejos de la homosexualidad, premiada en Locarno y presentada en Cannes.

Otros títulos de su filmografía:

“Sitcom” (1998) Historia de una familia francesa corriente, a punto de romperse en mil pedazos con la llegada de un ratón de laboratorio, que cambiará los hábitos sexuales de toda la familia.

“Los amantes criminales”/ Les amants criminels (1998). Alice es una joven que gusta de los juegos de seducción y de violencia. Un día decide matar a Saïd, un compañero de clase. Pero ella no puede hacerlo sola. Así que Alice manipula a su ingenuo novio Luc para que cometa el crimen a sangre fría, como prueba de su amor…
“Gotas de agua sobre piedras calientes”/ Gouttes d’eau sur pierres brûlantes (1999) adaptación de una obra teatral de Fassbinder. Leopold es un vendedor de seguros homosexual que sostiene una relación con un adolescente, aún confuso respecto a sus deseos. El romance se sale de control cuando aparecen en escena las mujeres de ambos.

“Bajo la arena”/ Sous le sable (2000). Durante una visita a la playa, el esposo de la profesora Marie Drillon desaparece sin dejar rastro. ¿Ha muerto o se ha marchado voluntariamente? Incapaz de enfrentar la situación y ante el asombro de quienes le rodean, Marie comienza a negar la ausencia de su esposo…

“Ocho mujeres”/ 8 femmes (2002). En una residencia campestre aislada por la nieve, ocho mujeres (empleadas y patronas, además de una aparecida de último minuto) deberán resolver el misterio de un asesinato. Cualquiera de ellas puede ser la culpable, más aún cuando en el curso de la noche van aflorando algunos de sus más profundos secretos.

“La Piscina”/ Swimming Pool (2003). Harta de ser considerada una simple autora de novelas policiales, la escritora Sarah Morton acepta irse de vacaciones a la casa de su editor, en el sur de Francia. Todo es paz y descanso los primeros días, pero luego se aparece la hija del editor (una chica con severos problemas de conducta) y las vacaciones de Sarah se van al diablo.
“El tiempo que queda”/ Le temps qui reste (2005). Romain es un fotógrafo de modas, homosexual quien se descubre enfermo de cáncer terminal. Torturado por el rápido fin que se avecina, Romain decide saltarse la terapia y aprovechar sus últimos meses de vida, aunque eso signifique no sólo hacer las paces con algunos, sino también dejar salir la rabia y frustración que le ha ocultado a otros.

“Mi refugio”/ Le Refuge (2009). Tras la muerte de su novio por sobredosis, una mujer embarazada se refugia en la cabaña costera de un amigo mientras intenta superar su propia adicción a las drogas. Hasta ese lugar llega alguien que no esperaba ver: el hermano del muerto.
“En la casa”/Dans la maison (2012). Un profesor de literatura, cansado de enseñar para alumnos sin ningún tipo de interés, descubre de repente, corrigiendo las redacciones que estos le han entregado, un texto que le fascinará. En él, Claude, uno de sus alumnos, narra la visita que ha hecho a la casa de uno de sus compañeros y describe cómo es la vida de la clase media. El relato termina con un “continuará”… El profesor, empieza a alentar a su estudiante para que siga escribiendo, sin embargo, esto les llevará a una situación que terminará por salirse de sus manos. Película que presentamos en nuestro cineclub en octubre de 2013
“Joven y bonita”/ Jeune et jolie (2013). Isabelle, una hermosa joven de 17 años que pertenece a una familia de clase alta de París, parece tener el mundo a sus pies. Pero tras un verano en el que la pérdida de la virginidad le resulta decepcionante, un viaje de autodescubrimiento sexual la embarcará a partir del otoño en una doble vida: estudiante de día y prostituta de lujo por las tardes. Esta es su historia, a través de cuatro estaciones y cuatro canciones.
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FRANTZ (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: FRANCIA. DURACIÓN: 113

Dirección: François Ozon. Guión: François Ozon y Philippe Piazzo. Intérpretes: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Marie Gruber, Ernst Stötzner, Anton von Lucke. Fotografía: Pascal Marti. Música: Philippe Rombi.

El veterano director francés recrea el clásico film de Ernest Lubitsch “Remordimiento” (1932), que a su vez está basado en una obra de Maurece Rostand, “El hombre al que maté”.

La historia nos lleva al pueblo alemán de Quedlinburg, poco después de finalizada la I Guerra Mundial. Allí, encontraremos a Anna (Paula Beer), una joven que aún llora la muerte de su prometido en el campo de batalla. Un día, mientras va a visitar su tumba, encuentra que alguien ha depositado en ella, un ramo de rosas. Después de averiguar, Anna descubre, que quien ha dejado las flores, es un joven que ha venido desde Francia y que afirma haber sido amigo de Frantz (Anton von Lucke). Su nombre: Adrien Rivoire (Pierre Niney)

A instancias de los padres de Frantz, Anna invita al recién llegado para que les cuente sobre lo ocurrido con su hijo. Sin embargo, Adrien, incapaz de revelar el secreto sobre la suerte de Frantz, y así evitar un mayor sufrimiento a sus padres y también a Anna, decide inventar una relación que jamás tuvo con el fallecido. Poco a poco, el joven se gana la confianza de la familia, y va haciéndose un amigo muy especial de Anna.

Los días pasan, y Adrien debe regresar a su país, quedando Anna sumida nuevamente en la soledad…

Ozon nos sumerge, desde las primeras secuencias, en una historia de mentiras y engaños, en la cual el misterio se hace presente hasta el último plano. Con una estructura propia de las mejores películas clásicas, Ozon deslumbra en el manejo del lenguaje y en la utilización de recursos narrativos que hacen de “Frantz”, una verdadera obra maestra.

Destacable el trabajo del guión, del que también es coautor Ozon. Si miramos detenidamente su aparente sencilla estructura, descubriremos que posee una marcada complejidad. Los recuerdos del pasado y la mentira son los ejes sobre los cuales se apoya todo el relato conformando un verdadero entramado de emociones. La emotiva historia de amor, ausencia y dolor conjugada perfectamente con el contundente mensaje antibélico.

Visualmente, la película raya la perfección. Sus hermosas imágenes, de una cuidadosa composición y perfectos encuadres, son un deleite para la vista. Filmada en un rotundo blanco y negro, con ocasionales virajes de color, para hablarnos del recuerdo de Frantz o de los momentos felices que Anna pasa con Adrien, aportan calidad estética al film. Magistral trabajo de Pascal Marti.

La puesta en escena y la rigurosa recreación de época, aportan realismo a los acontecimientos y hacen que los sentimientos y emociones de los personajes cobren intensidad.
Otro elemento de gran importancia lo constituye la banda sonora La música, a cargo del compositor Philippe Rombi no solo sirve para reforzar algunos momentos dramáticos de la historia, sino que, además sirve como punto de unión entre Frantz, Adrien y Anna, pues los tres tienen en común esta pasión. Para destacar, la bella interpretación al violín y piano de la Nocturne No. 20 de Frédéric Chopin, interpretada en la película por Adrien y Anna.
De igual manera, así como la música y la mentira une a los dos protagonistas, encontramos en el cuadro de Manet, El suicida (1877), otro elemento de unión entre ellos. Esta obra es significativa, pues alude al deseo de terminar con la vida, que en algún momento de la historia experimentan los dos personajes. Pero que, al final de la película, se convierte en un motivo que remite a la vida. Gracias a Adrien, Anna encuentra una razón para vivir, por eso el cuadro adquiere color, y Anna nos habla de sus nuevos sentimientos cuando dice: “vengo a ver este cuadro para alimentar mis ganas de seguir viviendo”.

En cuanto a las actuaciones. Paula Beer, logra desde la sobriedad de su interpretación, un personaje lleno de matices, de sutilezas, realmente impactante. De igual manera Pierre Niney, construye un personaje lleno de misterio y sirve de complemento perfecto al trabajo de la actriz protagonista.
Escenas para el recuerdo. La película abunda en momentos y secuencias llenas de emotividad y belleza. Destaco aquella en la que Anna relee una carta del novio muerto, y empezamos a escuchar dos voces en off, que llegan casi a coincidir, como muestra de los nuevos sentimientos que están surgiendo en la protagonista.
Otra escena bella y reveladora, es aquella en la que Adrien y Anna están tocando, y ésta no logre terminar su interpretación, pues no puede fingir lo que ya está sintiendo por Adrien.
El inesperado final, abierto, lleno de esperanza…
François Ozon, nos presenta una obra emotiva, llena de poesía, hermosa y trise. Una original historia de amor, y una contundente reflexión antibelicista. Pero además, “Frantz” es un precioso homenaje al cine clásico, con el cual Ozon se consolida como un artista total. Imprescindible!