FAMILIA

Por: Mario Arango.

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FERNANDO LEÓN DE ARANOA

Nació en Madrid en mayo de 1968. Es licenciado en Ciencias de la Imagen Visual y Auditiva, egresado de la Universidad Complutense de Madrid. Empezó en el mundo del cine, trabajando como guionista en series de televisión
Fue con el cortometraje “Sirenas” en 1994 con el que debutó tras la cámara. El abuelo Antonio se libró de morir ahogado en el naufragio de su barco cuando navegaba. Le salvó su sordera, ya que no oyó el canto de las sirenas que le llamaban desde el fondo del mar.

Realiza su primer largometraje, “Familia”, en 1996. Premio Goya a la mejor dirección novel, entre otros.
Dos años más tarde escribe y dirige la cinta “Barrio” con la cual vuelve a ser galardonado, en esta ocasión con los Goya a la mejor dirección y al mejor guión original. En uno de esos barrios marginados, Javi, Manu y Rai son compañeros de clase, pero, sobre todo, amigos. Comparten también la vida en el barrio, el calor del verano y un montón de problemas.

En 2002 dirige “Los lunes al sol”. En una ciudad costera del norte de España, a la que el desarrollo industrial ha hecho crecer desaforadamente, un grupo de hombres recorren cada día sus empinadas calles, buscando salidas de emergencia, ante la pérdida de sus empleos. Presentada en nuestro cineclub en noviembre de 2007.
Con “Princesas” (2005), debutaría además como productor de 3 Goyas. Ésta es la historia de dos prostitutas, Caye y Zulema. Cuando se conocen casi llegan a enfrentarse: son muchas las chicas españolas que ven con recelo la llegada de inmigrantes a la prostitución. Caye y Zulema se hacen amigas cuando comprenden que, en definitiva, las dos se tambalean en la misma cuerda floja

En 2010 dirige “Amador”, Marcela, una joven con apuros económicos, cuida de Amador, un anciano postrado en cama. Los dos no tardarán en confiarse sus respectivos secretos. Un suceso inesperado deja a la chica enfrentada a un difícil dilema moral.

Su último trabajo hasta el momento es “Un día perfecto” (2015). Un grupo de trabajadores humanitarios trata de sacar un cadáver de un pozo en una zona de conflicto armado. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple se convierte aquí en una misión imposible, a causa de las circunstancias.

Como documentalista ha dirigido en México, “Caminantes” (2001), premiado en los festivales de La Habana, Los Ángeles, Nueva York y Alcalá de Henares y en 2007 participa en el documental “Invisibles”.
A parte de su labor en el cine también ha escrito varios relatos y narraciones breves, habiendo recibido por ellos el Premio Antonio Machado en dos ocasiones. Ha trabajado también como dibujante e ilustrador.

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FAMILIA (1996) GÉNERO: COMEDIA-DRAMA. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN 95

Dirección y guión: Fernando León de Aranoa. Intéprretes: Juan Luis Galiardo, Amparo Muñoz, Ágata Lys, Elena Anaya, Chete Lera, Juan Querol, Raquel Rodrigo, Aníbal Carbonero. Fotografía: Alfredo Mayo. Música: Varios.

Santiago (Juan Luis Galiardo), como cada mañana, se dispone a iniciar un nuevo día. Sin embargo, este no es un día cualquiera. Hoy cumple 55 años de edad y quiere celebrarlos con su familia. Mientras baja a la cocina, su esposa e hijos ultiman los detalles del desayuno. La reunión transcurre de manera normal. La entrega de los regalos, buenos deseos y felicitaciones se suceden como lo amerita la ocasión…Cuando llega el turno de abrir el regalo del hijo menor, Santiago se enfada, y además de rechazar el obsequio, rechaza a su hijo, por estar gordo y además tener gafas…

La inesperada reacción de Santiago sorprende, no solo a los asistentes al evento, sino también, y en gran medida, al espectador, que no logra comprender lo que está ocurriendo. Luego de que alguien de la familia explica que este niño fue lo mejor que lograron encontrar, entendemos que los supuestos familiares del homenajeado hacen parte de un grupo de actores contratados, para representar esa familia con la que Santiago ha soñado.

Este giro argumental, cuando apenas se inicia la historia, es manejado con gran pericia por el director y guionista, y una vez que ha pasado este momento de confusión, va a centrar su atención en mostrarnos los conflictos que surgen entre los miembros de la ficticia familia, que aluden a las verdaderas relaciones existentes en cualquier grupo familiar, confirmando de este modo, que la familia ideal no existe.
Aranoa, que también es autor del guión, sorprende por la originalidad de la historia, y por su acertada e inteligente narrativa. Una narrativa que cada momento se reinventa para para mantener la atención del espectador. El director español se decide por una propuesta formal bastante sencilla, que incluye unos diálogos corrientes y un ritmo bastante fluido. Magistral el equilibrio que logra entre drama, comedia negra y sátira.

Aunque la acción transcurre prácticamente en un solo espacio, el film no se torna monótono, gracias al acertado manejo de la cámara.
Una fotografía luminosa, que capta en imágenes realistas los sucesos, es bastante acorde con la historia. Por su parte la música, que mezcla sonidos melódicos y rítmicos, contribuye a crear el ambiente, a veces misterioso, perfecto para el relato.
Destacable la magnífica dirección de actores, que encuentra su compensación en unas actuaciones magistrales. Al ser una película coral, es necesario incluir en esta apreciación a todo el elenco. No obstante, Juan Luis Galiardo como el dueño de casa, y jefe de la familia, logra una caracterización notable.

Escenas para el recuerdo. Además de la que tiene que ver con la entrega del regalo del hijo menor, mencionaría aquella en la cual, Santiago interroga a su “hija”, sobre sus experiencias sexuales.
Hacia el final de la película, cuando, aparentemente la abuela ha muerto. Extraordinaria representación, dentro de la representación, que Santiago, único espectador, no duda en corresponder con un fuerte aplauso.

La contundencia de “Familia”, y la inteligencia del novel director de este entonces, vienen expresadas de manera concisa, en las palabras del propio protagonista cuando afirma que: “es mucho mejor estar mal acompañado que solo. Y quien diga lo contrario es que no sabe lo que es estar solo”.
En definitiva, estamos ante una película que en tono de comedia, nos plantea una reflexión profunda sobre la soledad, que cada vez es más común en nuestra sociedad, y sobre el papel tan importante que tiene la familia, para compensarla. Maravillosa película!

Premios:

1997: Goya: mejor dirección novel.

SECRETOS DEL CORAZÓN

Por: Mario Arango.

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MONTXO ARMENDÁRIS

Nació en 1949 en Olleta, Navarra (España). Fue profesor de electrónica en el Instituto Politécnico de Pamplona. Se inició en el mundo del cine en 1979 realizando cortometrajes.

Destacado por la preocupación social de sus películas desde su debut, en “Tasio” (1984), un relato sobre los últimos carboneros de Navarra, en la que muestra un mundo poético personal. Con este film obtuvo el premio Fotogramas de Plata, a la Mejor Película.

Otros títulos de su filmografía son:

“Las cartas de Alou” (1990). Un grupo de africanos llega clandestinamente a las costas del sur de España. Entre ellos, está Alou, un senegalés de 28 años. Como en Almería le roban todas sus pertenencias, no tiene más remedio que dedicarse a la venta ambulante. Su único placer son las cartas que escribe a su familia para contarles las peripecias de su aventura española.

“Silencio roto” (2001). Invierno de 1944. Lucía, una joven de 21 años, regresa a un pequeño pueblo de montaña. Allí encuentra a Manuel, un joven herrero que colabora con los maquis: guerrilleros que, no se resignan al triunfo del franquismo. Lucía empieza a sentirse atraída por Manuel, sobre todo por el valor que muestra al jugarse la vida para defender sus ideas.

“Obaba” (2005). Basada en la novela homónima de Bernardo Atxaga. La película nos muestra, con mano maestra retazos de vidas, todas ellas con el nexo común de la búsqueda de la felicidad y la huida de la implacable soledad.

“No tengas miedo” (2011). Silvia es una joven marcada por una oscura infancia. Con apenas 25 años decide rehacer su vida y enfrentarse a las personas, sentimientos y emociones que la mantienen ligada al pasado. Y en su lucha contra la adversidad, contra sí misma, irá aprendiendo a controlar sus miedos y a convertirse en una mujer adulta, dueña de sus actos. Una historia sobre las secuelas de los abusos sexuales en la infancia.

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SECRETOS DEL CORAZÓN (1997) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 101

Dirección y guión: Montxo Armendáriz. Intérpretes: Carmelo Gómez, Charo López, Silvia Munt, Vicky Peña, Andoni Erburu, Álvaro Nagore, Joan Valles, Íñigo Garcés, Joan Dalmau, Chete Lera. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Música: Bingen Mendizábal.

La película nos narra la historia de Javi, un muchacho en tránsito de la niñez a la adolescencia, que comparte con Juan, su hermano mayor, y sus amigos, las aventuras propias de la edad. Al mismo tiempo, va descubriendo una serie de secretos familiares, que marcarán su existencia futura.

Los hechos narrados en el film tienen lugar en los años 50, en un pueblo español. La dictadura franquista, expresada en una represión general, alcanza todos los ámbitos de la vida. La familia y las tradiciones ocupan un lugar prominente en la sociedad.
Armendaris, que también es el autor del guión, opta por narrar la historia a través de los ojos de Javi (Andoni Erburu). El director muy hábilmente, crea una trama llena de suspenso, que desde sus inicios, y hasta el final, captura la atención del espectador.
Desde las primeras imágenes, nos convertimos en compañeros de Javi, y compartimos con él, ese afán voyerista que le impulsa a desentrañar los misterios que, Juan (Álvaro Nagore) le comparte a cada momento o que él mismo encuentra a su alrededor.
Javi y Juan viven en casa de sus tías, pues desde que su padre murió, ellas se hacen cargo de su educación. Y es en medio de este mundo de mujeres adultas, donde Javi va encontrarse con secretos inesperados.

María (Charo López) y Rosa (Vicky Peña), las tías de Javi, son dos mujeres solteras. Cada una asume su rutinaria vida de manera bien distinta, María, reprime su anhelo de libertad refugiándose en la bebida. Rosa en cambio carga amargamente con su soledad.

En medio de este ambiente cerrado y oscuro para un niño, Javi no solo descubrirá la sexualidad, sino que también se enterará sobre la verdadera causa de la muerte de su padre, y el motivo por el cual su madre no vive con él.

En el film abundan las metáforas que nos hablan de esos cambios que ocurren en la mente y en el espíritu del protagonista. Para destacar, la bella imagen del niño cruzando el puente, que abre la película, donde Javi, lleno de miedo, y acosado por su hermano, opta por hacer un recorrido diferente. Imagen que posteriormente, se repite, y en la que ya el muchacho logra ir al encuentro de su tía, sin ningún temor.

De igual manera, la tela de araña que podríamos leer como el contenedor de todos los secretos que perturban a Javi. Pero muy especialmente con el que tiene que ver con la muerte de su papá. Por tal motivo, cuando conoce la amarga verdad, decide romperla, pues ya carece de significado, y sus miedos ya no tienen sustento.

Magistral la puesta en escena, en la que sobresale la recreación de la época. Gran trabajo fotográfico del siempre impecable Javier Aguirresarobe, con esa iluminación llena de penumbras, tan cercana a la pintura española del barroco, y tan afín a la historia, plagada de luces y sombras, de verdades y secretos.

Por su parte, la banda sonora, es otro de los fuertes de la película, pues la mezcla de ruidos y sonidos del ambiente contribuyen al clímax de misterio. Igualmente, la música, que acompaña momentos claves del relato, potenciando su dramatismo. Excelente trabajo del compositor Bingen Mendizábal.

En cuanto al grupo de actores, destacable, por encima de todos, el papel de Andoni Erburu, en el papel de Javi. Con su mirada inocente y tierna, construye un personaje que permanece en la retina del espectador, y se constituye en protagonista de la película. En relación a los actores mayores, decir que todo el grupo de protagonistas se luce en sus interpretaciones, pero destacaría la magnífica caracterización de Charo López, que nos brinda una María, llena de matices, humana y creíble.

Precioso final, en el que Armendaris nos lleva de nuevo a la casa del amigo de Javi. Suena la música… Y el joven no duda, en invitar a bailar a la niña. Evidencia del paso que se ha operado en el muchacho.
Armendaris nos regala una película intimista, sencilla, que cautiva por la poesía de sus imágenes, y por la manera como nos comparte su historia. Una historia que permanece en el espectador sensible. Cine de verdad!

Premios

1997: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa.
1997: 4 premios Goya: Actor revelación, dirección artística, sonido, actriz de reparto. 1997: Festival de Berlín: Premio Ángel Azul a la mejor película europea.
1997: Premio Ondas: Mejor película.

LA CAMARERA DEL TITANIC

Por: Mario Arango Escobar.

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JUAN JOSÉ BIGAS LUNA

Nació en 1946 en Barcelona (España). Estudió diseño interior y diseño industrial.
Cofundador de la empresa “Barcelona Group”, se introdujo en el campo de la distribución cinematográfica, llevando a cabo un proyecto de lanzamiento internacional de películas españolas. Asimismo, se interesó por la dirección y dio sus primeros pasos como realizador. Las once películas breves que rodó en “Super 8” a mediados de la década de los setenta llevaban el título genérico de Historias impúdicas, y ya planteaban las dos obsesiones que alentarían su obra posterior: el erotismo hedonista y las diversas manifestaciones del poder.

Comenzó su carrera cinematográfica en los años 70 con proyectos de pequeño formato hasta que, a finales de la década, dirigió y escribió su primer largometraje: “Tatuaje” (1976). El dueño de una peluquería contacta con un detective para que investigue la identidad de un hombre, cuyo cadáver ha aparecido en una playa de Barcelona. La única pista es un tatuaje que llevaba el muerto, donde se leía la frase “He nacido para revolucionar el infierno”.
Pero no fue hasta “Bilbao” (1978), cuando consiguió un reconocimiento internacional como director, al ser seleccionado para el Festival de Cannes. Leo, un psicópata, concibe una progresiva fascinación por Bilbao, una bailarina de striptease que para llegar a fin de mes ejerce como prostituta. Leo sigue a Bilbao a todas horas, estudia sus movimientos y termina por raptarla, como si se tratase de un objeto más que añadir a su colección erótica

Otros títulos destacados de su filmografía son:
“Angustia” (1987). John es oftalmólogo y tiene una curiosa afición: colecciona ojos. Su madre ejerce sobre él un fuerte dominio psicológico. Precisamente, por orden de su madre, va a un cine, donde coincide con dos amigas, Linda y Patricia. El efecto hipnótico de la película ejerce sobre ellos una extraña influencia.
“Las edades de Lulú” (1990). Adaptación de la novela homónima de Almudena Grandes. Lulú es una chica de quince años que sucumbe a los atractivos de Pablo, un amigo de la familia. Después de esta experiencia, Lulú alimenta durante mucho tiempo el deseo por ese hombre, que volverá a entrar en su vida años más tarde, prolongando así el juego amoroso de la niñez.

“Jamón, jamón” (1992). José Luis es el hijo de un acaudalado matrimonio que posee una fábrica de ropa interior masculina, en la que trabaja su novia Silvia. Cuando ella se queda embarazada, él promete casarse con ella a pesar de la oposición de sus padres. Con el fin de frustrar esa boda no deseada, la madre decide contratar a un joven aspirante a torero para que seduzca a la joven.
“La teta y la luna” (1994). Tete, un niño de nueve años, está frustrado por la llegada de un pequeño hermano y celoso porque este le ha ‘robado’ el pecho de su madre. Cansado de beber leche de botella, emprende la búsqueda de una nueva teta de la que poder mamar. Así, se enamora de Estrellita, una guapa bailarina francesa que acaba de llegar al pueblo.
“Son de mar” (2006). A finales del verano, Ulises llega a un pueblo de la costa mediterránea para trabajar como profesor. Allí conoce a Martina, una sensual muchacha. Los jóvenes se casan y tienen un hijo, pero, poco después, Ulises desaparece en el mar mientras pescaba. Martina vuelve a casarse.
Bigas Luna falleció en La Riera, Tarragona, el 5 de abril de 2013.

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LA CAMARERA DEL TITANIC/ LA FEMME DE CHAMBRE DU TITANIC (1997). PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 100

Dirección: Bigas Luna. Guión: Cuca Canals, Bigas Luna (Novela: Didier Decoin). Intérpretes: Aitana Sánchez-Gijón, Olivier Martínez, Romane Bohringer, Salvador Madrid, Didier Bezace, Aldo Maccione, Jean-Marie Juan, Arno Chevrier. Fotografía: Patrick Blossier. Música: Alberto Iglesias.

La novela de Didier Decoin sirve de base para que el director español realice, la que considero, la obra más madura de su filmografía. En ella se nos cuenta la historia de Horty (Olivier Martínez), un obrero que al ganar una competencia de fuerza, entre sus compañeros de trabajo, se hace acreedor a viajar a Southampton, Inglaterra, para ver zarpar al Titanic.

Una vez en la ciudad inglesa, Horty, se hospeda en un lujoso hotel. En la noche, una hermosa mujer llama a la puerta de su habitación, pidiéndole que le permita compartir el cuarto, ya que todo el hotel se encuentra ocupado y no hay cuartos disponibles. Ante la insistencia de la mujer, Horty accede a su pedido. A pesar de que comparten la misma cama, no sucede nada entre ellos.
Al día siguiente, Mary (Aitana Sánchez-Gijón), que en realidad es una camarera del Titanic, desaparece y nuestro protagonista la reconoce, justo antes de que el barco inicie el viaje, y ella, como recuerdo, le deja una foto suya…

Al volver a casa, Horty, comparte el retrato de la camarera con sus compañeros de trabajo. Todos le preguntan cómo fue el encuentro con esa hermosa mujer, y él cuenta la verdad. Sin embargo, al darse cuenta que su esposa ha estado muy cerca del jefe de la fábrica, y presa de los celos, se inventa una historia llena de erotismo, que dice haber vivido con la mujer de la foto.
Horty, rápidamente capta la atención de los asistentes al bar, donde tiene lugar su exposición, y su relato cada vez se vuelve más sugerente, a tal punto que incluso las esposas de los mineros hacen parte de la concurrencia. Hasta allí también llega un famoso actor, que ahora ejerce como director y queda impresionado con las dotes narrativas de nuestro protagonista.

Las citas en el bar se suceden todos los días, hasta que se conoce la noticia del naufragio del Titanic. Al comprobarse que entre los supervivientes no se encuentra ninguna mujer llamada Mary, Horty se niega a seguir con la farsa, y es despedido de la empresa después de pelearse con su patrón.
Al no encontrar nada más que hacer, regresa al bar para seguir con su historia. Allí llegará también su esposa, que decide abandonarlo ante lo que ha descubierto. Pero Horty la convence, diciéndole que todo es una invención.
Enterado de la situación, el viejo director contacta a Horty, y a su esposa para que juntos recorran los pueblos vecinos, llevando por doquier la fantástica historia de amor…

Con un narrativa fluida, que reúne las características más sobresalientes de su cine: erotismo y sensualidad, Bigas Luna, construye una película intimista y romántica.
Un guión completamente original, en el que se alterna de manera perfecta ficción y realidad, y a través del cual el director español “reinventa” la temática amorosa, es uno de los puntos fuertes del film.
La puesta en escena es de gran sencillez, no obstante, la recreación de época es espléndida, y junto con la fotografía, de tonos agrisados, contribuyen a crear la atmósfera precisa que la historia demanda.

Por su parte, la bellísima música, a cargo del maestro Alberto Iglesias, mezcla melodías nostálgicas y alegres con otras de efecto intimista y trágico, que refuerzan el carácter pasional del relato.
Los dos protagonistas, Aitana Sánchez-Gijón y Olivier Martínez se roban la atención del espectador con sus respectivas caracterizaciones. Ambos asumen sus personajes con gran despliegue de seducción, y dramatismo. Un punto a favor de Bigas Luna, por su certera dirección de actores.

Como ya mencioné, el director español logra, su obra más lograda. Un verdadero canto al amor verdadero. Inolvidable película!

Premios:

1997: Premios Goya: Mejor guión adaptado y diseño de vestuario. 5 nominaciones.

LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS

Por: Mario Arango Escobar.

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ISABEL COIXET

Nació en 1960 en Sant Adrià del Besós, Barcelona (España). En su adolescencia pasó un tiempo con su abuela, taquillera en una sala de cine en el barrio donde nació. Pasó mucho tiempo viendo todo tipo de películas una y otra vez. Cursó estudios de Geografía e Historia.

Laboralmente, su primer contacto con el cine fue a través de la productora de Víctor Albi, en la que fue admitida en el año 1977. Desde ese momento realiza crítica cinematográfica y publicidad, trabajó como periodista en la revista Fotogramas.

Algunos títulos destacados de su filmografía son:

“Cosas que nunca te dije” (1996). Don es un vendedor de casas que en su tiempo libre presta servicio voluntario en el Teléfono de la Esperanza. A Ann, que trabaja en una tienda de artículos de fotografía y vídeos, su novio le ha dicho que ya no la quiere y que desea cortar la relación. Para intentar recuperarlo, ella graba una cinta de vídeo donde le cuenta cosas que nunca le dijo.

“Mi vida sin mí” (2003). Ann tiene 23 años, dos hijas, un marido que pasa la mayor parte del tiempo sin empleo, una madre que odia al mundo, un padre que lleva 10 años en la cárcel, un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día… Vive en una caravana en el jardín de su madre, en las afueras de Vancouver. Esta existencia gris cambia completamente tras un reconocimiento médico. Desde ese día, paradójicamente, Ann descubre un inusual placer de vivir, guiada por un impulso vital: elaborar una lista de cosas que quiere hacer antes de morir.

“Nadie quiere la noche” (2015). Groenlandia, año 1908. Josephine Peary, una mujer rica y culta, inicia una expedición al Polo Norte para reunirse con su marido, el explorador Robert Peary. Durante el viaje se encuentra con una humilde mujer esquimal. Pese a sus numerosas diferencias culturales y personales, ambas tendrán que unirse para poder sobrevivir a las duras condiciones climáticas del Ártico.

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LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS /The Secret Life of Words (2005) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 120’

Dirección y guión: Isabel Coixet. Intérpretes: Sarah Polley, Tim Robbins, Javier Cámara, Sverre Anker Ousdal, Steven MacKintosh, Julie Christie, Eddie Marsan, Christine Inge, Daniel Mays, Dean Lennox Kelly. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Música: Varios.

La directora española nos sumerge en la historia de Hanna (Sarah Polley), una mujer que trabaja desde hace ya bastante tiempo, en una fábrica de plásticos y que a instancias de su jefe se ve forzada a tomar unas vacaciones, pues no ha descansado desde su ingreso en la empresa. Acorde con su temperamento, Hanna viaja hasta una plataforma petrolífera, situada en medio del mar, para cuidar a Josef (Tim Robbins), quien acaba de sufrir un grave accidente.

Tanto Hanna como Josef comparten un pasado lleno de dolor y sufrimiento, que guardan en su interior sin atreverse a compartirlo con nadie. Josef, compensa su pérdida de visión con su verborrea exagerada. Hanna por su parte, aprovecha su condición de sorda para refugiarse de todo aquel que quiera irrumpir en su intimidad.

Poco a poco, y a fuerza de la cotidianidad que comparten, empiezan a ayudarse. Ambos empiezan a desnudar sus almas y hacer posible el encuentro y la catarsis.

Los primeros momentos de la película son francamente desconcertantes, pues abundan los pequeños detalles, los diálogos aislados, que hacen un tanto difícil mantener el interés en la historia. Sin embargo, cuando conocemos el secreto que Hanna oculta, la emoción se enciende, y todo lo anterior cobra verdadero sentido. El espectador queda atrapado por la magia de este relato turbador y apasionante.

Isabel Coixet derrocha talento en un guión que hace de la palabra su eje central y nos acerca a unos personajes, magistralmente construidos. La sencillez y la delicadeza con las que aborda la historia, denotan la solidez que ha alcanzado su propuesta cinematográfica.

La narrativa del film es intimista y a la vez intensa, destacándose en ella, una prelación por el lenguaje gestual y los silencios. El ritmo lento con el que discurre la película está totalmente acorde con la gradual evolución de los personajes principales.

En consonancia con lo anterior, la directora acierta con la puesta en escena, ubicando la acción en esa inhóspita plataforma (cuyo nombre alude al fundador de una ONG de apoyo a las víctimas de torturas), perfecta para el encuentro entre los dos protagonistas.

La fotografía, a cargo del maestro Jean-Claude Larrieu, acentúa, a través de una paleta de colores agrisados, esa atmósfera de soledad en la que está inscrita la historia. De otro lado, y apuntando al mismo objetivo, tenemos la muy nostálgica música, en la cual destacan fragmentos del inigualable Tom Waits.

Uno de los puntos fuertes de la película es la caracterización de la pareja de actores principales. Tim Robbins, sorprende en con el dramatismo y la verosimilitud que imprime a su personaje. Por su parte Sarah Polley brilla en el papel de Hanna, y nos ofrece una poderosa lección de actuación. En cuanto a los secundarios, Javier Cámara sobresale en un papel lleno de optimismo.

Escenas para el recuerdo. Aunque pudiera mencionar varias, creo que la más impactante y por consiguiente la que queda en la mente del espectador, es aquella en la que Hanna, toma la mano de Josef, y hace que éste recorra su pecho colmado de cicatrices…

Coixet logra una obra, desgarradora y triste, pero también con un mensaje claro de la fuerza del amor. Imperdible.

Premios

2005: 4 Premios Goya: Mejor película, director, guión original, diseño de producción.
2006: Premios Ariel: Mejor película iberoamericana.

UN MONSTRUO VIENE A VERME

Por: Mario Arango Escobar.

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JUAN ANTONIO BAYONA
Nació en 1975, en Barcelona, España. Estudió en La Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). Tras su graduación, inició su carrera dirigiendo anuncios y vídeos musicales. A los 19 años conoció a Guillermo del Toro en el Festival de Cine de Sitges que presentaba La invención de Cronos (1993) al que Bayona reconoce como un mentor.

Debuta en el largometraje con “El orfanato” (2007). Laura se instala con su familia en el orfanato en el que creció de niña. Su propósito es abrir una residencia para niños discapacitados. El ambiente del viejo caserón despierta la imaginación de su hijo, que empieza a dejarse arrastrar por la fantasía. Los juegos del niño inquietan cada vez más a Laura, que empieza a sospechar que en la casa hay algo que amenaza su familia. La película se estrenó en Cannes, recibiendo una ovación de más de 10 minutos por parte de los asistentes.

Bayona fue galardonado con el Goya al Mejor Director Novel en 2008
“Lo imposible” (2012). Película basada en la experiencia que vivió una familia española en el tsunami del océano Índico en 2004. Nominada en 14 categorías de los Premios Goya, incluyendo Mejor película, Mejor director, Mejor actriz, Mejor Actor de reparto.
En 2013 Juan Antonio Bayona recibió el Premio Nacional de Cinematografía en el marco de la 61ª edición del Festival Internacional de San Sebastián.

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UN MONSTRUO VIENE A VERME/A MONSTER CALLS (2016). GÉNERO: DRAMA-FANTÁSTICO. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 100

Dirección: J.A. Bayona. Guión: Patrick Ness (Novela: Patrick Ness). Intérpretes: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay . Fotografía: Óscar Faura. Música: Fernando Velázquez.

Tercer largometraje de J.A. Bayona, adaptación libre de la novela homónima de Patric Ness, con la cual el realizador, completa su trilogía sobre las relaciones materno-filiales, que iniciaron “El orfanato” y “Lo imposible”.
El director español, nos involucra en la historia de Connor O’Malley (Lewis MacDougall), un niño que debe enfrentarse a la inminente muerte de su madre (Felicity Jones), que padece una enfermedad terminal. Además del dolor que para el niño significa esta separación, quizás lo peor que le espera es quedar al cuidado de su déspota y estricta abuela (Sigourney Weaver).

Para enfrentar la tragedia, Connor se refugia en la fantasía, y se inventa un monstruo amigo, al que confía sus cuitas. Entre el monstruo (Liam Neeson) y el muchacho se va estableciendo, poco a poco, una amistad cómplice. El monstruo accede a ayudarle, a cambio de ello, Connor deberá sincerarse con él y confiarle una verdad que hasta ahora ha mantenido oculta.
Con un guión perfectamente estructurado, Bayona se apoya en una acertada y emotiva mezcla de realidad y fantasía, en la que tiene protagonismo una serie de metáforas que nos permiten acercarnos al drama que sufre Connor.

A medida que avanza el metraje la relación del joven protagonista y su fantástico amigo va en aumento, y sus confidencias incrementan en el espectador, la intriga y el suspenso.                                                                                                                                 No obstante lo doloroso que puede ser el relato, el director equilibra muy hábilmente la tragedia, con una fastuosa y llamativa puesta en escena.
Haciendo uso de unos poderosos y bien logrados efectos especiales, la magia de la historia se hace patente en cada secuencia, con imágenes impactantes y bellas que recogen la fotografía espectacular de Óscar Faura.                                                             La banda sonora, a cargo del compositor Fernando Velázquez, subraya el tono onírico y emotivo de la historia.

Pero sin duda, uno de los puntos fuertes del film es la memorable interpretación de Lewis MacDougall, como Connor. Sorprende la facilidad con la que este pequeño actor asume los diversos estados de ánimo que su papel exige, y lo hace de manera natural y convincente. Todo un acierto del casting y de la dirección de actores. A su lado Sigourney Weaver, como la abuela, y Felicity Jones, como la madre, cumplen sobradamente con sus respectivos roles.
Juan Antonio Bayona acierta con esta emotiva y hermosa fábula de superación y se consolida como un excelente narrador de historias. Imperdible!

Premios:
2016: 9 Premios Goya, incluyendo mejor director. 12 nominaciones.
2016: Critics Choice Awards: Nom. a intérprete joven (MacDougall) y efectos visuales.
2016: Premios Feroz: Mejor música.
2016: 8 Premios Gaudí: incluyendo Mejor película en lengua no catalana. 11 nom.

EL FIN ES MI PRINCIPIO

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JO BAIER
Nació en 1949 en Munich (Alemania). Estudió Dramaturgia, alemán e inglés en Ludwig Maximilians University, Desde 1979 ha dirigido, principalmente documentales para la televisión.

Su debut en la gran pantalla ocurre en 1991, cuando presenta “Wildfeuer” . Baviera, 1890. Emerenz es una joven granjera que tiene muchas aspiraciones en la vida. Tiene talento como escritora y una enorme curiosidad por el mundo. Así que decide abandonar el pueblo para mudarse a una ciudad cercana.
Su siguiente trabajo es “Operación Valkiria”/Stauffenberg (2004). La mañana del 20 de julio de 1944, el teniente Claus von Stauffenberg se dispone a reunirse con Adolf Hitler en el cuartel general del dictador en Prusia Oriental. Stauffenberg es la punta de lanza de un movimiento rebelde que pretende acabar con Hitler; los explosivos que esconde en su maletín están destinados a liberar a Alemania de la locura del tirano.

En el 2010 realiza “Enrique de Navarra”/Henri IV (2010). Coproducción europea que gira en torno a la figura de Enrique IV de Francia y III de Navarra (1503-1555). Enrique era un joven príncipe navarro, llamado a ser un día Rey de Francia, según la profecía de Nostradamus. Tras largos años de guerras religiosas e intrigas palaciegas, Enrique llega al trono. Su tolerancia religiosa, su pasión por la vida y las mujeres, su preocupación por los más desvalidos, lo convertirán en un monarca excepcional.

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EL FIN ES MI PRINCIPIO/Das Ende ist mein Anfang (2010) GÉNERO: DRAMA. PAIS: ALEMANIA. DURACIÓN: 95

Dirección: Jo Baier. Guión: Folco Terzani, Ulrich Limmer. Intérpretes: Bruno Ganz, Elio Germano, Erika Pluhar, Andrea Osvárt, Nicolò Fitz-William Lay. Fotografía: Judith Kaufmann. Música: Ludovico Einaudi.

Adaptación cinematográfica con base en el libro del mismo título, que recoge las experiencias del reconocido corresponsal de prensa, Tiziano Terzani.

A sabiendas que le quedan tan solo unos meses de vida, a causa de una enfermedad terminal, Tiziano Terzani (Bruno Ganz) escribe a su hijo Folco (Elio Germano), para que viaje hasta Toscana, y sostener con él la última conversación y compartirle sus experiencias como periodista en China, su posición ante el Comunismo y su concepción de la vida y de la muerte, entre otros temas.

La película se inicia con una bella metáfora, en la cual la cámara capta la imagen de un pincel mojado en tinta que dibuja un círculo, el círculo de la vida aún sin cerrar, que nos pone de presente sobre las intenciones del film.

Seguidamente el relato avanza hasta el encuentro entre padre e hijo, y Folco se entera de los deseos de aquel: transmitirle sus enseñanzas de vida, y pedirle que grabe estas conversaciones para que finalmente sean consignadas en un libro, que es el que finalmente daría origen a la película que hoy presento.

El realizador alemán opta por una narrativa lineal, de ritmo pausado, acorde con la historia. Con este recurso, hace que la atención del espectador se centre en los encuentros y en los diálogos que sostienen los dos personajes protagónicos.

Para reforzar el carácter intimista de la película, el director ha ubicado la historia en los idílicos parajes de la Toscana italiana, donde reina la tranquilidad y que tan bellamente captura la fotografía realista y luminosa a cargo de Judith Kaufman.

Si la fotografía envuelve en un halo de intimidad y poesía el relato, igual se podría decir de las sutiles melodías del compositor y pianista Ludovico Einaudi, que potencian la emotividad de gran parte de las escenas.

Bruno Ganz, en un papel memorable, encarna con lujo de detalles al periodista italiano. Tan acertado es su desempeño, que su presencia contribuye a mantener el interés en historia. Elio Germano, por su parte, en el papel de hijo, imprime a su personaje alegría y vitalidad, logrando una interpretación bastante eficaz.

“El fin es mi principio”, combina de manera perfecta la belleza formal con el interesante contenido de su propuesta, que nos brinda momentos de profundas reflexiones. Una película que toca las emociones del espectador y que permanece en su mente luego de su visualización. Imprescindible!

 

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PATERSON

Por: Mario Arango Escobar.

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PATERSON (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 113’

Dirección y guión: Jim Jarmusch. Intérpretes: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr., Frank Harts, William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase, Owen Asztalos, Jaden Michael. Fotografía: Frederick Elmes. Música: SQÜRL.

Con un estilo depurado, que evidencia la madurez de su propuesta cinematográfica, Jim Jarmusch nos hace partícipes de una semana en la vida de Paterson (Adam Driver), un conductor de bus urbano, fuera de lo común, por su particular forma de mirar el mundo.

Paterson es un hombre sencillo, cuya vida se rige por una rutina casi invariable. Cada día se levanta temprano, besa amorosamente a su joven esposa, toma su desayuno, y emprende el camino rumbo a su trabajo.

Mientras conduce su buseta va almacenando en su memoria pequeños sucesos que sorprenden su atención: el niño con el abrigo amarillo que cruza la calle tomado del brazo de su madre. El par de niños que hablan de Huracán Carter y de los disfraces para el Halloween… Al mediodía, después de tomar el almuerzo, que es una evocación de su amada mujer, Paterson “escribe” mentalmente, poemas sobre diversos temas, que luego copia en una pequeña libreta que siempre lleva consigo.

En la tarde, una vez concluida su labor, regresa a su casa y comparte con Laura (Golshifteh Farahani), su experiencia del día. Toma una cerveza en un bar cercano, y aprovecha para darle un paseo a su perro…

Es evidente el interés de Jarmusch por permanecer fiel a sus constantes estéticas, no obstante la austeridad de su narrativa. En primer lugar, su amor por la literatura, que en esta ocasión es todo un homenaje a la poesía de William Carlos Williams, y también esa búsqueda de la poética de la cotidianidad sobre la que Jarmusch ha cimentado su filmografía.

En “Paterson”, también encontramos esa obsesión del director por el viaje. Y no solo como recorrido, sino como transformación, o búsqueda de uno mismo. Pero también como el eterno retorno, al que aluden las hermosas imágenes con las que abre y cierra el film.

Para completar este mosaico de los afectos artísticos de Jarmusch, no podría faltar su tributo a los maestros del cine clásico, y entonces surge esa hermosa secuencia en la cual Paterson y Laura disfrutan viendo “La Isla de las Almas Perdidas” (Island of Lost Souls) de Erle C. Kenton, (1932).

Muy acertado el recurso de transcribir y sobreponer en pantalla la poesía que el protagonista va escribiendo, palabra por palabra, y en caligrafía manual, como si lo hiciera sobre su libreta de apuntes.

La película fluye de manera tranquila, acorde con el ritmo que Paterson vive su cotidianidad. El único evento, que altera la paz de la historia, generando el único giro dramático del film, es el que protagoniza el perro al verse abandonado por sus amos.

Un elemento que llama la atención en el guión lo constituyen las repetidas dualidades que están presentes a lo largo de la película. Como el par de gemelos, los dos ancianos, los colores (blanco y negro) que Laura elige para su ropa y para decorar la casa y los pastelillos que vende en el mercado. La mención de parejas famosas como Abbott y Costello o Romeo y Julieta. Elementos todos que están conectados con ese deseo de la pareja de tener un par de gemelos.

La Banda Sqür (de la que hace parte el propio Jarmusch), compone sutiles melodías, que acompañan de manera perfecta el relato, potenciando los momentos más poéticos.

La pareja de actores protagónicos, Adam Driver (Paterson) y Golshifteh Farahani (Laura), asumen sus respectivos roles con gran solvencia. Destacable la química que establecen mutuamente, lo que contribuye a que sus personajes sean creíbles y cercanos.

Maravilloso, lleno de sugerencias, el encuentro, casi al final del film, entre Paterson y el anónimo japonés. La figura del libro en blanco, perfecto colofón para esta sorprendente historia.

Jarmusch logra, desde la sencillez de su lenguaje, una obra de indiscutible potencia visual, que rezuma poesía en cada plano. Una obra maestra que rescata la belleza oculta de las cosas sencillas. Cine con la impronta de un artista total!

Premios:

2016: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso.
2016: Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film extranjero.
2016: Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Adam Driver).
2016: Premios Gotham: Nominada a mejor película, guión y actor (Adam Driver).