UN HOMBRE LLAMADO OVE

Por: Mario Arango Escobar.

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HANNES HOLM

Nació en 1962 en Lidingo (Suecia). Director y guionista.

En su filmografía destacan los siguientes títulos:

“Uno en un millón/ En på miljonen (1995). Torsten Sdergren vive en una casa normal con su familia normal en una ciudad completamente normal. Cada mañana, saluda a sus vecinos normales antes de entrar en su coche normal y conduce por el camino usual hacia su trabajo ordinario en un banco ordinario. Pero un día es despedido de su trabajo después de veinte años de leales servicios. Ahora él está dispuesto a hacer cualquier cosa para recuperarlo.

“Nunca ocurre lo que uno espera”/ Det blir aldrig som man tänkt sig (2000) Sofía, que aspiraba a ser actriz, se queda embarazada y decide renunciar a su sueño para ocuparse de su hijo. Sin embargo, cuando le ofrecen el papel de protagonista en una serie de televisión se replantea la situación. Piensa que si cuenta con la ayuda de su madre y de su hermana Tina podrá aceptar el trabajo. La situación familiar empeorará cuando las hermanas tengan que sufrir los problemas conyugales de sus padres.

“La reunión”/ Klassfesten (2002). Edkvist Magnus, de 35 años, odia las reuniones de la clase tanto como cualquier otro y por lo general las omite. Aun así acepta una invitación para una reunión de una clase que él ha dejado hace más de veinte años. Pero él tiene una razón, ya que tiene la posibilidad de que su amor de adolescente, Hillevi, apareciera. La chica con la que él quería compartir el resto de su vida. La chica que se le ha escapado…

“Wonderful and loved by all (2007)Hay algo sobre la vida de Isabella Eklöf que no está bien. En estos momento ella es una super estrella de cine con un novio fantástico. Es como si su vida real, la vida que para ella realmente significa vivir, simplemente nunca se inició. Cuando su gran oportunidad de hacer un cambio por fin aparece, ella lo intenta sin pensarlo dos veces. En ese momento es cuando las cosas realmente comienzan a ir mal.

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UN HOMBRE LLAMADO OVE/En man som heter Oveaka (2015) GÉNERO: DRAMACOMEDIA. PAÍS: SUECIA. DURACIÓN: 116

Dirección y guión: Hannes Holm (Novela: Fredrik Backman). Intérpretes: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll, Tobias Almborg, Klas Wiljergård, Chatarina Larsson, Börje Lundberg, Stefan Gödicke, Johan Widerberg, Anna-Lena Brundin, Nelly Jamarani, Zozan Akgün. Fotografía: Göran Hallberg. Música: Gaute Storaas.

Con base en la novela homónima escrita por Fredrik Backman, el director y guionista sueco Hannes Holm, nos presenta esta tragicomedia que compendia la vida de Ove.

El protagonista del film es un hombre antipático y gruñón. Siempre amargado. Aunque ya no hace parte de la administración de la unidad residencial en la que vive, continúa vigilando para que las normas de convivencia se cumplan con absoluto rigor.

Ove (Rolf Lassgård) está pasando por un momento crítico en su vida. Pues, además de ser destituido como jefe del consejo de vecinos del complejo residencial, también ha sido despedido de la empresa en la cual laboró por más de 45 años. Y para completar, su amada esposa Sonja (Ida Engvoll), acaba de fallecer.

Ante esta suma de adversidades, Ove pierde todo encanto por la vida y considera que lo mejor para él, es terminar con su existencia y así, reunirse con Sonja. Sin embargo, a pesar de varios intentos de suicidio no consigue su objetivo y esto aumenta más su amargura.

Una vez que el director nos ha saturado con el refunfuñar continuo de Ove, introduce una serie de flashbacks, que nos van a permitir conocer el trasfondo de toda esta acritud. Mediante este recurso narrativo, tan acertadamente utilizado, no solo nos enteraremos de la hermosa historia de amor que compartió con su esposa, el accidente en España, y la pérdida de su hijo; sino que vamos a percibir a Ove de otra manera, experimentando hacía él una total empatía.

El carácter de Ove cambiará radicalmente cuando unos nuevos vecinos se instalan en la casa de al lado. Se trata de una pareja joven, compuesta por Paravaneh (Bahar Pars), una inmigrante iraní, su marido y dos niñas pequeñas. Esta relación se constituye en el núcleo del relato que sucede en tiempo presente y marcará otro punto de giro en la historia.

A pesar de la distancia que Ove genera ante las demás personas, Paravaneh termina ganándose su cariño y devolviéndole la ilusión de vivir. Será la oportunidad para que el hombre pueda expresar sus sentimientos y hablar de sus frustraciones y resentimientos.

Otro aspecto de la narración que es preciso destacar, es el equilibrio entre momentos de comedia, muy ingeniosos, con otros, llenos de dramatismo, lo que le imprime a la historia un ritmo fluido que acapara, en todo momento, la atención del espectador.

La fotografía del maestro Göran Hallberg, es sobria y con ella se destaca la humanidad de los personajes.

La banda sonora a cargo del compositor Gaute Storaas, mezcla fragmentos de temas clásicos, y aporta calidez e intimismo a la historia.

En cuanto a los actores y actrices, destaca la memorable interpretación de Rolf Lassgård, en el papel de Ove, que con reminiscencias de Buster Keaton, le aporta al personaje una gran humanidad. A su lado Bahar Pars, como la joven iraní, logra una actuación plena de naturalidad y dramatismo y se constituye en el contrapunto perfecto para Ove. En cuanto a los secundarios, Ida Engvoll, realiza una caracterización de Sonja bastante meritoria, con algunas escenas de gran dramatismo.

Escenas para el recuerdo. Todas las que se relacionan con los intentos de suicidio de Ove. Las que narran las clases de conducción que Ove intenta dar a Parveneh.

El extraordinario final, cuando Parveneh y su esposo encuentran a Ove, que acaba de morir, con un rostro sereno y feliz, acompañado de su gata.

Hannes Holm nos entrega una gran película, que, no obstante, su apariencia de tragicomedia, nos plantea profunda reflexiones sobre las relaciones humanas Pero también aborda temas de vigente actualidad como la aceptación de los inmigrantes en Europa y la diversidad sexual, entre otros. Imperdible!

Premios

2016: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa y Maquillaje.
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea.
2016: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.
2015: 3 Premios Guldbagge, incluyendo Mejor actor (Lassgård). 6 nominaciones.

 

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YO, DANIEL BLAKE

Por: Mario Arango Escobar.

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KEN LOACH

Nació en 1936 en Nuneaton, Warwickshire (Inglaterra). Su primer medio de expresión fue el teatro, actividad con la que tomó contacto en Oxford mientras estudiaba Derecho, allí sería presidente del Club de Teatro Experimental. Después de un breve período ejerciendo la abogacía, se unió a una compañía de teatro. Su primer largometraje “Poor Cow” lo realiza en 1967, con el que daría muestras de un estilo hiper-realista. La película cuenta con guión de su autoría y narra los devaneos sexuales de la mujer de un convicto.
En 1960 comenzó a trabajar para la BBC y se ganó una reputación como director de series. También escribiría el guión de “Kes” (1969), su siguiente trabajo, que nos cuenta la historia de un muchacho que vive en un pequeño pueblo minero. No va bien en la escuela y comete pequeños hurtos que le reportan algo de dinero. Un buen día, encuentra un pequeño halcón y, lleno de entusiasmo, decide cuidarlo hasta que consiga volar…

“Vida de familia” (1972). Janice está embarazada, y sus padres, con la excusa de que no está preparada para ser madre, la presionan para que aborte. Tal decisión no hará más que agravar sus problemas psíquicos, hasta tal punto que acabará internada en un centro de salud mental. Allí se somete, a una terapia de grupo, que será suspendida por la burocracia hospitalaria, por lo que se le aplicará un tratamiento más tradicional, a base de fármacos y electroshock. Los reproches de sus padres durante las visitas contribuyen a empeorar su situación.
“El guardabosques” /The Gamekeeper (1980) Un año en la vida de un guardabosque. Su relación con la gente y sus dificultades en la crianza de faisanes, luchando contra los depredadores y los cazadores furtivos. Con él veremos también, todas las cosas buenas que ofrece la vida en relación con la naturaleza… aunque se verá enfrentado a la presión repentina de ciertas personas que llegan para perturbar la paz.
“Miradas y sonrisas”/ Looks and Smiles (1981) Mick, de diecisiete años, no consigue encontrar trabajo. Se le ocurre entonces alistarse en el ejército, pero sus padres se oponen radicalmente. Mientras tanto empieza a salir con la dependienta de una zapatería.

“Agenda oculta”/ Hidden Agenda (1990) Irlanda del Norte, a comienzos de los años ochenta. Paul Sullivan e Ingrid Jessner, dos abogados norteamericanos que luchan en favor de los derechos humanos, se encuentran en Belfast investigando cuál es el trato que reciben los presos del IRA. Cuando reciben una información comprometedora para el Gobierno Thatcher, Paul es asesinado y, además, desaparece una cinta con información altamente secreta. El inspector que se encarga del caso, el inglés Kerrigan, colaborará con Ingrid para investigar los hechos. Premio Especial del Jurado en Cannes.
“Riff-Raff” (1991). Drama social, sazonado de amor y humor, sobre las clases trabajadoras. Un joven obrero recién salido de la cárcel consigue trabajo en Londres en una empresa de la construcción. En la capital británica se enamora de una joven cantante adicta a las drogas. Mejor película en los premios del Cine Europeo. Premio de la Crítica en Cannes. El proletariado será a partir de ahora la constante del cine de Loach.

“Lloviendo piedras”/ Raining Stones (1993) Bob, trabajador en paro, vive con su mujer y su hija en un barrio pobre del norte de Inglaterra. Aunque su situación económica es muy precaria, fiel a las tradiciones católicas, hará lo que sea necesario para que su hija lleve un bonito vestido el día de su Primera Comunión. Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado.
“Ladybird, Ladybird” (1994). Maggie tiene cuatro hijos, todos de distintos padres y que, debido al violento ambiente familiar, están a cargo de los servicios sociales británicos. Cuando Maggie conoce a Jorge, un refugiado hispanoamericano, vislumbra la posibilidad de rehacer por fin su hogar. Sin embargo, su pasado sigue atormentándola. Una vez involucrada en la burocracia de la asistencia social, le resultará muy difícil conseguir la custodia de sus hijos, pero Maggie no se da por vencida.

“Tierra y libertad” (1995). Película sobre la guerra civil española. Premios del Cine Europeo: Mejor película.
“Mi nombre es Joe”/ My Name is Joe (1998). Historia de dos treintañeros, un alcohólico y una trabajadora social, que inician un tormentoso romance. Ilustra con maestría los altibajos, los cuerpos reales -y no los divinizados por la pantalla-, las dificultades del amor cuando no están cubiertas otras necesidades básicas -físicas o psicológicas.
“Pan y rosas”/Bread and Roses (2000). El director británico se introduce en la lucha de clases para denunciar la explotación de los inmigrantes ilegales mexicanos, en la ciudad de Los Angeles.
“El viento que agita la cebada”/The wind that shakes the barley , un filme sobre el conflicto de la independencia de Irlanda en el que se narra con crudeza la represión de las tropas inglesas y que fue premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Tomado de: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=loach-ken

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YO, DANIEL BLAKE/ I, Daniel Blake (2016) GÉNERO: DRAMA SOCIAL. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN: 100’

Dirección: Ken Loach. Guión: Paul Laverty. Intérpretes: Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan McKiernan, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe, Steven Richens, Amanda Payne. Fotografía: Robbie Ryan. Música: George Fenton.

El veterano maestro Ken Loach, la voz más crítica del denominado cine social inglés, nos introduce en el laberinto de los sistemas de salud contemporáneos, para que seamos testigos excepcionales del caos en que están atrapados.

Para acercarnos al drama que viven miles de usuarios, el director británico se sirve de Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero próximo a jubilarse, que acaba de sufrir un accidente, motivo por el cual su médico le prohíbe trabajar hasta tanto no se recupere completamente.

Para acceder a los servicios de salud, y obtener los beneficios previstos en caso de incapacidad laboral, nuestro protagonista se verá inmerso en una intricada red de normas y empleados de segunda, que parecen existir para hacer que el sistema sanitario sea inoperante.

En este laberinto burocrático, que Blake debe recorrer para tratar de obtener algún recurso, conoce a Katie (Hayley Squires), una madre soltera con dos hijos, que también se encuentra desamparada. Daniel se compadece de la situación de esta mujer y trata de ayudarla en lo que puede. Con el paso de los días, se establece entre ellos una relación paterno-filial, que compensa las carencias económicas de ambos.

Daniel Blake, nuestro protagonista, no conoce el manejo del computador, y sin embargo (prueba de la distancia del sistema frente a los usuarios), se le ordena realizar una serie de trámites, a través de la web. La norma y los protocolos siempre primero que la persona.

Como ya es habitual en su cine, Loach, con gran sencillez formal, pero con una gran ternura por sus personajes, nos involucra, con total realismo, en el drama de miles de seres humanos, que a diario, deben luchar por tener acceso a los servicios de salud, de manera digna. Una situación que no solo afecta a los habitantes del llamado Tercer Mundo, pues la historia que Loach nos presenta, ocurre en la ciudad inglesa de Newcastle.

A través de esa narrativa escueta, desprovista de artificios, que caracteriza su filmografía, el realizador británico, hace que hasta el espectador más indiferente, termine conmovido con la tragedia de Daniel y Katie. Y ello, gracias a la magnífica construcción de ambos personajes, obra del guionista Paul Laverty, habitual en el cine de Loach.

No obstante, Loach, como gran maestro, no se queda solo en la denuncia. A través de la relación de la pareja protagónica, nos muestra cómo, en medio de la adversidad, puede florecer la solidaridad entre los seres humanos,

La fotografía del maestro irlandés Robbie Ryan, con iluminación cercana al documental, y en tonos opacos, se ajusta perfectamente al tema narrado en la película.

Sobresaliente la dirección de actores, mediante la cual el realizador logra unas interpretaciones magistrales. Y lo hace permitiendo que los intérpretes sean ellos mismos. Dave Johns es un comediante y actor de la televisión inglesa que realiza una caracterización de Daniel Blake, realmente memorable. Hayley Squires, quien encarna a Katie (además de actriz de teatro es dramaturga), asume con gran profesionalismo su rol.
En cuanto a los secundarios, también debo decir que cumplen de manera precisa con sus respectivos papeles, y todos contribuyen a darle credibilidad a la historia.

Escenas para el recuerdo. La que tiene lugar en el Banco de alimentos, donde Katie, llega al límite de su desesperación…

“Yo, Daniel Blake”, un film en el que Ken Loach, fiel a su interés en denunciar las aberraciones de la burocracia inglesa, nos presenta esta crítica mordaz a los actuales sistemas de salud. A las precarias condiciones de los más desfavorecidos, y a la indiferencia del Estado. Una temática universal y vigente. Un cine que se hace cada vez más necesario.

Premios

2016: Festival de Cannes: Palma de Oro.
2016: Premios BAFTA: Mejor film británico. 5 nominaciones.
2016: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea.
2016: Premios César: Mejor película extranjera.
2016: Premios David di Donatello: Mejor film de la Unión Europea.
2016: Premios del Cine Europeo: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película.

 

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

Por: Mario Arango Escobar.

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AKI KAURISMAKI
Nació en 1957 en Orimanttila (Finlandia). Desde muy temprana edad se interesó por el cine. Según sus propias palabras “…lo anotaba todo en mi agenda y veía una media de seis películas diarias”. “Cuando era joven vi una película de Buñuel y eso cambió mi vida: en gran medida yo acabé en este sucio negocio por culpa de Buñuel”.

Su incursión en la dirección data del año de 1981, cuando en compañía de su hermano Mika, mayor que él, y graduado en la Escuela Universitaria de Cine de Múnich, realiza “El síndrome del lago Saimaa”, una película de tipo documental.
Los dos hermanos Kaurismaki fundaron su propia productora de cine Villealfa, un nombre que homenajea a Jean-Luc Godard por su película “Alphaville”.                     Su debut como director independiente ocurre en 1983, con “Crimen y Castigo” adaptación de la novela de Dostoievsky. La historia, trasladada a Helinski, nos cuenta como un trabajador de un matadero, se convierte absurdamente en un asesino. Presentada en nuestro cineclub en mayo de 2012.
“Kalamari Union” (1985) es una comedia en la cual conocemos la historia de 18 hombres cansados de su vida, 17 de los cuales se llaman Frank.

En el año 1986 realiza “Sombras en el paraíso”. La película narra la relación entre un conductor de un camión de basura y una cajera de un supermercado, a los que la vida ha tratado con gran dureza.
Seis años más tarde, filmará su primer largometraje de ficción “Hamlet en los negocios” (1987), que es una interpretación muy personal del clásico de Shakespeare.
“Ariel” (1988), narra la historia de Taisto, un minero que es despedido de su trabajo, al que las circunstancias familiares no ayudan mucho, además se ve involucrado en un asunto por el que es condenado y tendrá que ingresar en prisión
En 1989 dirige la divertida película satírica “Leningrad Cowboys Go America”, un road movie con tintes surrealistas, teñida por la melancolía y con una buena música de rock, en la que el director se “burla” de sus peculiares personajes así como de Estados Unidos, país por el que los protagonistas emprenden un viaje hacia la anhelada fama.

Al año siguiente en 1990, filma “La muchacha de la fábrica de cerillas”. Historia de una mujer agobiada por la rutina de su trabajo, totalmente carente de afecto, y cuyo único aliciente es encontrar alguien con quien bailar. Película presentada en nuestro cineclub en noviembre de 2009.
Con esta película concluye la trilogía del proletariado, de la que también hacen parte “Sombras en el paraíso” y “Ariel” Dicha trilogía se centra en la figura del trabajador, en las duras condiciones y en una realidad social, terriblemente descarnada aunque no exenta de humor.
“Contraté a un asesino a sueldo” (1990) es la historia de un suicida frustrado que al no poder acabar con su vida, contrata a un asesino a sueldo para que lo mate. Sin embargo, el hombre se enamora, y decide cambiar los planes, pero ya es demasiado tarde. Presentada en nuestro cineclub en mayo de 2012.

“La vida de Bohemia” (1992), basada en la obra de Henry Murger la misma que inspiró a Puccini, su afamada ópera. La historia gira en torno a la amistad que surge entre tres intelectuales en el París de los años noventa. Rodolfo, un pintor albano sin papeles de residencia, Marcel, un escritor y editor de revistas poco afortunado y Schaunard, un compositor posmodernista.
“Agárrate el pañuelo, Tatiana” (1994). La película trata de dos amigos que conocen a dos chicas con las cuales entablan una particular historia de amor. Este es uno de los filmes que mejor definen el cine de Kaurismäki: puesta en escena minimalista, participación de un número limitado de personajes, falta casi absoluta de diálogos, poniendo a prueba la capacidad expresiva de los actores.
“Nubes pasajeras” (1996) Historia que aborda la crisis económica y el desempleo. Con esta película Kaurismaki inicia su llamada trilogía de los perdedores, de la que hacen parte “Un hombre sin pasado” y “Luces al atardecer”.
“Juha” (1999). Basado en el clásico de la literatura finlandesa Juha de Juhani Aho (1911) adaptado por Kaurismaki. Un homenaje al cine mudo. El director muestra su estilo más radical, elimina los diálogos y el color; opta por la sencillez y por la música como espejo de las emociones de los protagonistas.

“Un hombre sin pasado” (2002) Premio del Jurado en el Festival de Cannes. La historia se centra en un hombre que ha perdido la memoria y que padece una de las mayores tragedias del ser humano que es la soledad. Un ser que se vuelve anónimo por carecer de carnet de identidad y de una cuenta bancaria. Película presentada en nuestro cineclub.
“Luces al atardecer” (2006). Consolida y profundiza su reflexión sobre la soledad del ser humano contemporáneo. El protagonista es un guarda de seguridad que embelesado por una atractiva mujer, que trabaja para la mafia, accede de una manera casi involuntaria a perpetrar un robo. Según Kaurismaki, para esta película se inspiró en la famosa obra de Chaplin “Luces de la ciudad”. Presentada en nuestro cineclub en junio de 2012.
“Le Havre” (2011) Una lúcida mirada al tema de la inmigración en la Europa actual y su falta de solidadridad. Presentada en nuestro cineclub en junio de 2012
Aki Kaurismaki es el cineasta finlandés más destacado y uno de los directores más importantes del cine contemporáneo. Su estilo sencillo, austero, desprovisto de todo elemento superfluo, tiene un sello personal, único e irrepetible. Estas características de sus filmes permiten afirmar que su obra se inscribe en el llamado cine de autor.

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EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA/ Toivon tuolla puolenaka (2017) GÉNERO: COMEDIADRAMA. PAÍS: FINLANDIA. DURACIÓN: 98
Dirección y guión: Aki Kaurismäki. Intérpretes: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji . Fotografía: Timo Salminen.

El gran maestro finlandés de nuevo, posa su atención y su cámara sobre el drama de los inmigrantes, y nos presenta la que sería la segunda entrega de una trilogía, que inicia con la memorable “Le Havre”.

En esta oportunidad Kaurismaki nos hace partícipes del periplo desesperado que Khaled (Sherwan Haji), un refugiado sirio, emprende por varios países, tratando de encontrar a su hermana, que, al igual que él, tuvo que dejar su patria, huyendo de la guerra.

Por casualidad, Khaled llega a Helsinki oculto como polizón en un barco procedente de Polonia. En la capital finesa deberá afrontar el desamparo y la soledad de todos los indocumentados.

De otro lado, Wikström (Sakari Kuosmanen), un curtido comerciante finlandés, decide dar un vuelco total a su vida, abandonando a su mujer después de muchos años de matrimonio, y dejando su almacén de camisas, para probar suerte abriendo un restaurante.

Por cosas del azar, y claro, del estupendo guión, las vidas de Khaled y de Wikström, van a encontrarse y el sirio ingresará a trabajar al restaurante de su reciente amigo.
Fiel a su estilo minimalista, que ya es reconocible en su filmografía, el film que nos ocupa también posee una narrativa bastante simple. El sólido guión, y el acertado montaje, confirman la habilidad de Kaurismki para hacer que sus personajes realicen cosas muy absurdas totalmente en serio, y apropiarse del más ácido humor, para henchirnos de melancolía.
La película se inicia con una sucesión de escenas, carentes de diálogos, que narran la llegada del protagonista a Helsinki. Luego de esta introducción, el director se concentra en mostrarnos algunos de los comportamientos que la sociedad tiene frente a los refugiados.

A medida que avanza el metraje, la mezcla de comedia y drama se hace más evidente, cuando Wikström, irrumpe en la trama, para poner en marcha el restaurante. En este espacio se darán cita una gran diversidad de razas y nacionalidades, que junto a los gustos culinarios de cada quien, van a provocar hilarantes situaciones.
La puesta en escena, otro elemento que delata la presencia de Kaurismaki, con esa Helsinki espectral, con esos espacios austeros y esos decorados que le imprimen esa atmósfera tan especial a la película.

La fotografía del siempre habitual en su cine, el maestro Timo Salminen, con una iluminación contrastada, y colores vivos que nos remiten a los desolados espacios del pintor Hopper, donde habitan esos personajes, emocionalmente heridos, que hacen parte del universo del realizador.
Pero sin lugar a dudas, es la música, la que adquiere un marcado protagonismo, con una serie de canciones interpretadas por diferentes músicos, con letras que se insertan en la historia, y que contribuyen, de manera eficaz, a crear esa atmósfera nostálgica que permea toda la película.

La dirección de actores hace visible el talento de Kaurismaki, ya que todo el grupo de intérpretes asume tu trabajo con notable calidad.
Escenas para el recuerdo. Aquella en la cual Khaled, relata a la funcionaria estatal, su tragedia, sus motivos para dejar su patria…
“El otro lado de la esperanza”, una fábula dura y cómica a la vez, que Kaurismaki utiliza para hablarnos del conflicto sirio, del horror de la guerra, de la indiferencia de los gobiernos frente al drama de los refugiados. Cine social que suscita profundas reflexiones sobre la solidaridad humana.
Nota: La película está dedicada a la memoria de Peter von Bagh (1943-2014), historiador de cine y cineasta.

Premios:

2017: Festival de Berlín: Oso de Plata – Mejor director.
 

 

 

CARTA DE UNA MUJER DESCONOCIDA

Por: Mario Arango Escobar.

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XU JINGLEI

Nació en 1974 en Pekín. Licenciada en la Universidad de cine de Pekín, en 1997, posteriormente fue profesora de la misma escuela. Es una reconocida actriz, guionista y directora china.

En su filmografía como directora, se destacan los siguientes títulos:

“Mi padre y yo”/ Wo he ba ba (2003). Después de perder a su madre en un accidente, Xiao Yu, se va a vivir con su padre biológico, del que no sabe casi nada. Poco a poco, padre e hija van conociéndose y aceptándose como son, compartiendo sus alegrías y dificultades.

“Go Lala Go”/ Du Lala sheng zhi ji (2010). Du Lala es una joven soñadora que trabaja como recepcionista de una gran firma, que consigue ir escalando escalafones en la empresa y llegar hasta lo más alto. Y allí arriba es donde encontrará el amor. Basada en un bestseller de la escritora con Li Ke, todo un fenómeno social en China.

“Dear Enemy”/ Qin Mi Di Ren (2011). Comedia romántica, que se desarrolla en el ámbito de la industria financiera, de las fusiones y adquisiciones Una pareja que sirve para dos entidades diferentes, y que han permanecido separados por mucho tiempo, vuelven a reunirse.

“Somewhere Only We Know” / You yi ge di fang zhi you wo men zhi dao (2015). Tras la ruptura con su novio y la muerte de su abuela, una joven china decide pasar una temporada en Praga para reinventarse haciendo cosas que nunca antes había hecho. Una carta de un antiguo amor de su abuela y un joven músico cambiarán su vida para siempre.

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CARTA DE UNA MUJER DESCONOCIDA/ Yi ge mo sheng nu ren de lai xinaka (2004) GÉNERO: DRAMA ROMÁNTICO. PAÍS: CHINA. DURACIÓN: 90

Dirección Xu Jinglei. Guión: Xu Jinglei (Historia: Stefan Zweig). Intérpretes: Jiang Wen, Xu Jinglei, Huang Jue, Su Xiaoming, Jiao Huang, Lin Yuan, Enran Ma, Sun Feihu. Fotografía: Lee Ping-Bing. Música: Kubota Osamu, Lin Hai.

La polifacética directora japonesa Xu Jinglei, se sirve de la novela del mismo nombre, escrita por Stephan Zweig, para presentarnos esta versión cinematográfica, que ya hiciera Max Ophüls en 1958.

Captando de manera magistral los sentimientos y la atmósfera de la obra del autor austríaco, Kinglei nos traslada a su país, para que seamos partícipes de la singular historia de amor de Liza con un reconocido escritor. El guión se concentra en la descripción del amor de la joven y de este modo, la actitud egoísta e indiferente del hombre, se convierte en contrapunto para explicar y resaltar las emociones de ella. La narración es intensa y conmovedora. Como trasfondo a la historia de amor, la película nos acerca a la ocupación japonesa, la Segunda Guerra Mundial y los primeros años de la revolución china.

La película se estructura como un gran flash-back, que se inicia cuando el escritor recibe una carta de su antigua amada. Está dividida en tres partes o capítulos, que corresponden a un momento concreto en la vida de la protagonista.

La historia se desarrolla en Shangai, entre 1924 y 1948. En un primer momento tenemos a Liza (Xu Jinglei), una adolescente, que se enamora perdidamente de su vecino, Jiang Wen.

Un segundo momento se presenta cuando Liza, regresa de Sangdon, donde había emigrado con su familia. Ahora ella es una joven de unos 18 años. Su amor por Jiang Wen permanece intacto, así que decide contactarlo. Tiene lugar el primer encuentro amoroso entre los enamorados. Pero finalmente el hombre, por razones de trabajo, se marcha a otra ciudad.

El tercer episodio está marcado por el regreso del novelista. Liza queda desconcertada ante la indiferencia de su antiguo amor, quien no parece recordarla…Desengañada busca refugio en otros hombres, pero nadie logra hacer que olvide ese amor de juventud.

Destacable la labor de Kinglei, quien además de dirigir, escribe el guión, produce, y protagoniza el film.

Esta versión cinematográfica, contada desde la perspectiva femenina, acentúa los sentimientos que experimenta la protagonista, y en este sentido es una obra más emotiva que la realizada por el director Max Ophüls.

La carga dramática, además de lo ya dicho, cuenta a su favor con la acertada caracterización de Xu Jinglei como Liza, quien con su mirada, y su fina sensualidad se roba la atención del espectador, que termina identificándose con su tragedia.

Otro elemento que contribuye a generar el clima emotivo y dramático del film es la música, a cargo del compositor Kubota Osamu que incluye hermosos fragmentos de piano, violín y orquesta. Melodías americanas de los años 40 se mezclan con melodías tradicionales chinas.

El fotógrafo Lee Ping-Bing opta por el uso del claroscuro y una paleta de colores agrisados, acorde con la atmósfera de la película. La composición es bastante cuidada y denota la refinada mirada de la directora, al parecer una alumna aventajada de Wong Kar Wai, con quien comparte dirección de fotografía.

“Carta de una mujer desconocida” es una notable película, que nuevamente lo digo, recoge con gran fidelidad el espíritu de la obra de Stefan Zweig. Para quienes han tenido el privilegio de apreciar este sobrio y acabado trabajo de Xu Jinglei, coincidirán conmigo en reconocer su gran talento y sensibilidad. Una directora de corte clásico, a la que deberíamos seguir.

STEFAN ZWEIG: ADIÓS A EUROPA

Por: Mario Arango Escobar.

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MARÍA SCHRADER

Nació en 1965 en Hanover (Alemania). Estudió actuación en Max Reinhardt Seminar en Viena durante los años 90.

Como actriz, participó en algunas producciones como: “Nobody Loves Me” (1994), de Doris Dörrie y “Rosenstrasse” de Margarethe von Trotta. Ganó el Oso de Plata en la Berlinale de 1999 por la película de Max Färberböck Aimée Und Jaguar (1999), que trata el veto sobre el lesbianismo durante la Segunda Guerra Mundial.
Desde 2013 es miembro de la Deutsches Schauspielhaus en Hamburgo. También ha recibido premios por su trabajo en locución.

Su debut como realizadora ocurre en 1998 con la película “Meschugge”. David Fish (Dani Levy) es un brillante hombre de negocios judío de Nueva York que un día recibe una llamada de su madre (Lynn Cohen), que emigró a América cuando era niña: le dice que ha visto en el periódico la foto de Eliah Goldberg (Lukas Ammann), propietario de una fábrica incendiada en Alemania tras un asalto antisemita, y ha creído reconocer a su padre muerto en Goldberg. David quiere ayudar a su madre, así que contrata a Karmiski (David Strathaim), un abogado y activista judio, para establecer contacto con Goldberg. Lena Katz (Maria Schrader), nieta de Goldberg, vive en Nueva York, trabajando como diseñadora de decorados en reportajes de moda. Cuando se entera del incidente, regresa a casa para estar con su familia. Su madre (Nicole Heesters) decide acompañarla.

“Liebesleben” (2007). Ya’ra lo tiene todo. Está felizmente casada y tiene alentadoras perspectivas para su carrera universitaria en Jerusalén. Sin embargo, cuando encuentra a Arie, un amigo de su padre mayor que ella, su mundo perfecto desaparece, y se deja llevar por este apasionado amor que desequilibra su existencia.
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STEFAN ZWEIG: ADIÓS A EUROPA/ Stefan Zweig: Farewell to Europe. (2016). GÉNERO: DRAMA. PAÍS: AUSTRIA. DURACIÓN: 106

Dirección: Maria Schrader. Guión: Maria Schrader, Jan Schomburg. Intèrpretes: Josef Hader, Aenne Schwarz, Tómas Lemarquis, Barbara Sukowa, Nicolau Breyner, Charly Hübner, Lenn Kudrjawizki, Ivan Shvedoff, Harvey Friedman, Nahuel Pérez Biscayart, André Szymanski, Matthias Brandt, Nathalie Lucia Hahnen, Oscar Ortega Sánchez. Fotografía: Wolfgang Thaler. Música: Tobias Wagner.

La directora alemana nos propone un acercamiento a los últimos años del escritor y activista social, Stefan Zweig (interpretado por Josef Hader), quien debe huir de su país para escapar de la persecución del régimen nazi. París, Londres, y finalmente América del Sur, será el recorrido desesperado del autor en compañía de su esposa Lotte (Aenne Schwarz), en un intento de alcanzar la paz que necesita para desarrollar su obra. No estamos ante una biografía rigurosa, ni ante un estudio del genio creativo del autor. La película se centra, ante todo, en los diferentes estados de ánimo que el escritor experimenta en este periplo fuera de su amada patria.

Es notable el acierto de la guionista y realizadora, ya que a través de unos cuantos episodios de la vida del escritor, nos da cabal cuenta de su pensamiento y de su visión del mundo ante la amenaza del nazismo.

La película se estructura en cinco capítulos, que narran las vivencias de Zweig entre los años de 1936 a 1942.

El pulso firme de Schrader, su conocimiento del lenguaje cinematográfico, se evidencian desde las primeras imágenes, con ese soberbio plano secuencia que abre el film. Asistimos a los momentos previos a la recepción, que seguidamente tendrá lugar, para dar la bienvenida al escritor por parte de las autoridades de Río de Janeiro. Toda una lección de buen gusto y destreza narrativa.

A medida que el metraje avanza, acompañaremos al autor en su recorrido por Argentina, donde asiste a un congreso de escritores. Posteriormente, ya en la parte central de la historia, nos trasladamos con él a Nueva York en donde reside su ex-mujer, Friderike Zweig (Barbara Sukowa). Allí Zweig se debate entre su entusiasmo por la esperanza que ve en América, y su dolor ante la inminente, según él, destrucción de Europa. A instancias de Friderike, que le pone de presente el riesgo que corren varios de sus compatriotas escritores, hace uso de sus contactos diplomáticos para lograr que puedan salir de Alemania.

El momento sombrío de su estancia en Estados Unidos, contrasta con el colorido que encuentra en Brasil, a donde decide regresar. En el país suramericano, además de la fascinación de Zweig por el entorno, que la directora comparte, (regodeándose en perfectos y hermosos encuadres), conoceremos el lado más íntimo del protagonista. Para destacar, el momento del cumpleaños, y lo que representa el perro que recibe como regalo. O cuando se le brinda un homenaje en un pequeño pueblo, donde se le recibe con todos los honores.

Dentro del aspecto formal del film es necesario resaltar, además de la narrativa sobria y austera (que contrasta con la exuberante y sensual vegetación del trópico), la bien lograda puesta en escena, y la recreación de época. Igualmente destacables son el diseño de vestuario y el maquillaje.

Punto aparte merece el extraordinario trabajo del fotógrafo Wolfgang Thaler que nos hace participes de los hermosos paisajes, especialmente, de Petrópolis, ese lugar paradisíaco, que Zweig eligió para su retiro y muerte.

En cuanto a la música, decir que está presente en muy pocos momentos de la historia, para que los silencios cobren importancia, y de esta manera podamos escuchar los sonidos de la Naturaleza.

De otro lado, el trío de actores protagonistas realiza un meritorio trabajo. Sin embargo, es el actor Josef Hader (como Stefan Zweig) quien, a través de una interpretación contenida, se destaca sobre los demás.

Escenas para el recuerdo. Aquella en la que el protagonista se queda mirando a través de la ventana del auto, en el que viaja con su esposa. A lo lejos se ve un incendio que se refleja en la ventana y coincide con el rostro agotado del escritor. Una hermosa metáfora de lo que en ese momento experimenta el escritor. Algo lo consume internamente.

Y por supuesto, no podía dejar sin hacer mención a esta bella y bien lograda secuencia final. Se trata, como al inicio, de un plano secuencia, en el que a través de un espejo, nos damos cuenta de la muerte de la pareja. Un plano que resume el dolor de los amigos y empleados, la sorpresa de las autoridades, todo un prodigio técnico.

Esta maravillosa película es la consolidación de la realizadora Maria Scharader. No solo por la impecable factura y contenido, sino por las reflexiones que plantea. Para la revista Spiegel Online, “Stefan Zweig: Adiós a Europa”, se constituye en uno de los momentos gloriosos de la cinematografía”, y a ese comentario me sumo.

 
Premios
2015: Premios del cine Alemán: Nominada a mejor director y actriz sec. (Sukowa).

Stefan Zweig in seinem Salzburger Domizil
Biografía de Stefan Zweig
Nació en Viena (Austria) en 1881, y murió en Petrópols (Brasil) en 1942.
Escritor austríaco, Stefan Zweig fue muy conocido en las primeras décadas del siglo XX gracias a sus relatos, novelas, ensayos y semblanzas biográficas.

De origen judío, Zweig nació en una familia acomodada y estudió Filosofía en la Universidad de Viena, interesándose desde entonces en la literatura, tanto desde un punto de vista crítico como creativo. En 1901 publicó su primer poemario y desde entonces mantuvo una intensa actividad en diversos campos y géneros, pasando del ensayo a la novela o el teatro con facilidad.

Zweig destacó también por sus firmes posiciones éticas en contra de la guerra, que le llevaron al exilio en Suiza durante la I Guerra Mundial, donde se estableció como corresponsal. Durante varios años, Zweig se dedicó a escribir y a viajar, pasando por Alemania y la Unión Soviética, trabando amistad con numerosos intelectuales de la época.

Tras el auge del nacional socialismo en Austria y Alemania, Zweig decidió establecerse en Londres, ya que su origen judío y sus posiciones pacifistas le situaron en una incómoda posición, siendo su obra prohibida por el régimen nazi. Zweig vivió también en París y viajó por América Latina dando una serie de conferencias.

En 1942, convencido de que la Alemania nazi iba a ganar la guerra y someter al mundo a sus ideales, Zweig se suicidó junto a su segunda esposa. Poco después, en 1944, aparecería su autobiografía, El mundo de ayer.

La obra de Zweig, pese a su éxito en la época, cayó progresivamente en el olvido durante la mayor parte del siglo XX, hasta su recuperación décadas después, siendo obra de estudio por críticos y académicos. De hecho, sus relatos han formado parte de obras tan actuales como la película El gran hotel Budapest, dirigida en 2014 por Wes Anderson.

De entre sus libros, habría que destacar títulos tan importantes como Novela de ajedrez, Amok, Carta de una desconocida, El amor de Erika Wald, María Antonieta -biografía que fue llevada al cine-, o su autobiografía, El mundo de ayer.

Tomado de : http://www.lecturalia.com/autor/624/stefan-zweig

IRIS

Por: Mario Arango.

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RICHARD EYRE

Nació en 1943 en Devon (Gran Bretaña). Estudió en la Universidad de Cambridge y el Lincoln College de la Universidad de Oxford.
Fue director asociado del Teatro Royal Lyceum, Edimburgo desde 1967 hasta 1972. Entre 1973 y 1978 fue director artístico de Nottingham Playhouse. Entre 1987 y 1997 fue director del Teatro Nacional.
También ha dirigido óperas y obras para la televisión.
Algunas obras destacadas de su filmografía:
“Belleza prohibida”/Stage Beauty(2004). Siglo XVII. Edward ‘Ned’ Kynaston es la “actriz” más famosa de Inglaterra. Como la ley prohíbe a las mujeres actuar, Ned, gracias a su belleza y a su talento, ha interpretado los principales papeles femeninos. Pero el Rey Carlos II, harto de la situación. decide animar el ambiente permitiendo a las mujeres pisar los escenarios y prohibiendo a los hombres interpretar papeles femeninos. La persona más perjudicada por estas innovaciones es Ned, que de la noche a la mañana pierde su privilegiada posición.

“Diario de un escándalo”/ Notes on a Scandal (2006). Barbara (Judi Dench) es una despótica profesora que gobierna su aula con mano de hierro en una ruinosa escuela pública londinense de secundaria. Vive sola, con su gata Portia, no tiene amigos, pero su vida experimenta un cambio radical cuando conoce a Sheba Hart (Blanchett), la nueva y atractiva profesora de arte de la escuela. Barbara ve en ella al alma gemela y a la leal amiga que siempre ha estado buscando. Pero, cuando descubre que Sheba mantiene una tórrida relación con uno de sus jóvenes alumnos (Andrew Simpson), la incipiente amistad da un ominoso giro, pues Barbara amenaza con contárselo todo al marido de Sheba (Bill Nighy) y al mundo entero.

“The Children Act” (2017). Una juez de primera instancia se encuentra en una crisis personal y profesional cuando se le pide que juzgue un caso de un joven de 18 años que se niega a la transfusión de sangre que le salvaría la vida.

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IRIS (2001) GÉNERO: DRAMABIOGRAFICO. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN 97’

Dirección: Richard Eyre. Guión: Richard Eyre, Charles Wood (Biografía: John Bayley). Intérpretes: Kate Winslet, Judi Dench, Jim Broadbent, Hugh Bonneville, Eleanor Bron, Penelope Wilton, Juliet Aubrey. Fotografía: Roger Pratt. Música: James Horner.

El director Richard Eyre irrumpe en la gran pantalla, luego de una exitosa carrera en la televisión, para presentarnos algunos momentos importantes en la vida de la destacada filósofa Iris Murdoch.

La película cuenta con guión del propio director, con base en la biografía escrita por John Bayley, quien fuera el esposo de la escritora.

Por medio de un montaje paralelo, vamos conociendo los años de juventud de la protagonista, Iris Murdoch, encarnada en esta etapa por Kate Winslet. Conoceremos el inicio de una historia de amor que perdurará en el tiempo, y seremos testigos del apasionado romance que surge entre la joven estudiante de Oxford y John Bradley, interpretado por Hugh Bonneville. Simultáneamente, nos enteramos de la vida de la pareja en su etapa de madurez. Para ese entonces, Judi Dench asume el rol de Iris, que se ha convertido en una notable filósofa y escritora.

La historia avanza, y poco a poco vemos como Iris empieza a presentar los primeros síntomas del Alzheimer, hasta llegar a un estado de total ensimismamiento y pérdida de contacto con la realidad. En este proceso de acentuado deterioro, su esposo, un John Bradley, magníficamente interpretado por Jim Broadbent, le acompañará amorosamente, con total entrega.

El talento del director y guionista se hace patente en la acertada diferenciación de las dos épocas en las cuales sucede la trama. Recrea perfectamente los ambientes familiares, sencillos, como lo eran los dos esposos escritores. Cuando la enfermedad que aqueja a Iris se hace evidente, el caos reinante en la casa que habitan, habla de que Iris ha acaparado toda la atención de su esposo, quien no puede perder tiempo en asuntos de limpieza.

El trabajo fotográfico de Roger Pratt, hace uso muy acertado de la iluminación, para distinguir el tiempo pasado, alegre, cálido y festivo, del presente, oscuro, y triste.

Otro punto a considerar, dentro del apartado técnico, es la banda sonora a cargo del maestro James Horner, en la que destaca la composición musical, a base de violines y piano, que acompaña perfectamente la historia. Debo decir, además, que el director ha usado la música, como otro elemento que diferencia los dos momentos argumentales del film.

“Iris” es básicamente una película de interpretaciones. Y aquí debo expresar que los cuatro actores protagonista cumplen sobradamente con sus respectivos roles. Kate Winslet, en el papel de la joven, alegre y sensual muchacha, en una interpretación convincente llena de naturalidad. Judi Dench, demostrando su trayectoria actoral, nos regala en su interpretación de la Iris ya enferma, un personaje lleno de humanidad y de matices. Pero quien realmente se roba la atención y el cariño de los espectadores es Jim Broadbent, como es abnegado esposo, que acompañó a Iris durante su enfermedad. Finalmente, Hugh Bonneville, en el papel del joven John Bayley, está excelentemente bien recreado.

Meritoria obra del director Richar Eyre, que rinde un homenaje a la memoria de quien en su tiempo se le conoció como « la mujer más brillante del Reino Unido». Una película conmovedora, que encierra una preciosa historia de amor verdadero. Cine británico de calidad.

Nota: Distinguida como Dama Comendadora de la Orden del Imperio Británico, Iris Murdoch, fue una filósofa y novelista irlandesa que vivió entre 1.919 y 1.999. Entre su obra se encuentran numerosos ensayos filosóficos centrados en la experiencia moral de ser humano. No obstante, se destacan, por sobre todo, las novelas, obras de teatro y libros de poesía. Bajo la red, novela de 1954, es considerada una de las mejores novelas escritas en lengua inglesa.
Premios

2001: Oscar: Mejor actor secundario (Jim Broadbent) 3 Nominaciones.
2001: Globo de oro: Mejor actor secundario (Jim Broadbent). 3 nominaciones.
2001: Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Judi Dench). 6 nominaciones.
2001: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor actor (Broadbent).

HISTORIA DE UNA PASIÓN

Por: Mario Arango.

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TERENCE DAVIES

Nació en 1945 en Kensington (Inglaterra). Estudió en la Escuela de Drama de Coventry. Allí escribió su primer corto autobiográfico titulado “Children” (1976). Posteriormente ingresó a la Escuela Nacional de Cine, y allí escribió y dirigió “Madonna and Child” (1980), donde narra sus años como oficinista en Liverpool.

En 1983 realiza “Death and Transfiguration” donde se imagina las circunstancias en la que sucede su muerte.
En 1984, reúne en una sola producción, estas primeras películas, bajo el nombre de “La Trilogía de Terence Davies”
“Vosces Distantes”/ Distant Voices (1988) un sincero homenaje a su madre y a los tiempos en que la radio era una presencia cercana en el ámbito familiar.
El largo día acaba/ The long day closes, (1992) La película muestra la cotidianidad de una familia de clase obrera, en los años 50, a través de los ojos de Bud, el miembro más joven.
“La biblia de Neón”/ The Neon Bible (1995) un adolescente rememorando de forma poética sus vivencias en la Georgia de los años 40.
“La casa de la alegría”/ The House of Mirth (2000) cuenta la historia de Lily Bart, una joven de la alta sociedad neoyorquina venida a menos, que se niega a celebrar un matrimonio de conveniencia y que tampoco acepta la vida que le ofrecen otros de sus pretendiente
“The Deep Blue Sea (2011), En el marco de la Inglaterra de los años 50, Hester, una mujer joven y hermosa, vive agobiada por la monótona vida que le ofrece su anciano esposo, un prestigioso juez del Tribunal Supremo. Un día Hester conoce un ex piloto, del que queda prendada de inmediato, experiencia que dará un giro total a su existencia…Película presentada en nuestro cineclub en julio de 2013

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HISTORIA DE UNA PASIÓN/ A Quiet Passion (2016) GÉNERO: DRAMA BIOGRÁFICO. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN 125

Dirección y guión: Terence Davies. Intérpretes: Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine, Jodhi May, Joanna Bacon, Catherine Bailey, Emma Bell, Benjamin Wainwright, Annette Badland, Rose Williams, Noémie Schellens, Miles Richardson, Eric Loren. Fotografía: Florian Hoffmeister. Música: Varios.
Con guión de su autoría, el británico Terence Davies, se acerca a la vida y obra de la gran poetisa norteamericana Emily Dickinson.
No se trata de una biografía tradicional. Lejos de un minucioso recorrido por cada una de las etapas de su vida, el director y guionista se ha concentrado en mostrarnos a esta insigne autora a través de su obra.
La clausura de un curso escolar abre la película, y desde este momento, nos enteramos del carácter y de la personalidad de Emily, quien en ese entonces es tan solo una jovencita pero ya se advierte su rebeldía frente ciertas normas que imperan en su entorno familiar y social y con las cuales ella no comulga.
Dickinson se caracterizó por su brillante inteligencia, y su gran sensibilidad. Sin embargo, también era una mujer mordaz e irónica. No contó en vida con la aprobación de su obra, pero, valientemente se aferró a su poesía, que era su vida, buscando su realización interior, en la soledad de su cuarto. Todo esto está perfectamente trasladado a la película a través de un montaje perfecto.
La película, en la que abundan los primeros planos, está filmada, en Amherst, Massachussets, en la propia casa donde pasó su vida la poetisa. La acción transcurre principalmente en interiores, con una puesta en escena que nos traslada a la época de la historia, gracias al rigor de un mobiliario y un vestuario perfectamente reconstruido.
Técnicamente, la película es una absoluta obra de arte. El virtuosismo y la elegancia del director para lograr los maravillosos travellings de larga duración. El cuidadoso encuadre de cada plano. Los acertados juegos de luces y sombras de una fotografía a cargo del maestro alemán Florian Hoffmeister, que convierte las imágenes en verdaderas pinturas y nos hace participes de todo el rigor y la austeridad de la época calvinista en la cual transcurre la historia.
Con una narrativa que privilegia el uso de la elipsis, recurso en el Davies es un maestro, para hacer patente el paso del tiempo. En este apartado merece destacar la magistral secuencia en la que Emily y su familia, posan para el fotógrafo.
La exquisita banda sonora cuenta con una música evocadora que mezcla fragmentos de obras de Beethoven, Schumann y Schubert. Adicionalmente, los bellos poemas de Dickinson, recitados de manera espléndida por la actriz protagonista, añaden un toque de belleza al film.
En cuanto al reparto, por cierto, otro acierto del director, destaca la soberbia actuación de Cynthia Nixon, en el papel de Emily. La actriz asume su rol con gran dosis de honestidad, apelando a su gestualidad, para trasmitirnos los estados de ánimo y el carácter de la escritora. En cuanto al grupo de secundarios, Jennifer Ehle logra una actuación impecable como Vinnie, la hermana menor de Emily. Por su parte, el veterano Keith Carradine, en el papel de Edward, el padre de la poetisa, da cuenta de su experiencia en un papel creíble, lleno de matices.
“Historia de una pasión” es la confirmación de Terence Davies como un director de gran talento y sensibilidad para retratar el complejo mundo de las emociones. En este trabajo roza la perfección y nos ofrece una película al mejor estilo del cine clásico. ¡Memorable!

Biografía:
Emily Dickinson nació en Amherst, Massachusetts (1830), en el seno de una familia pudiente de fuertes creencias cristianas. Era la hija de Edward Dickinson, letrado y político, y de Emily Norcross Dickinson, quienes tenían otros dos hijos, su hermana Lavinia, a la que llamaban Vinnie, y su hermano Austin.

No soportaba estar lejos de su hogar y pasó la mayoría de su vida adulta en la casa familiar de Amherst. Para Emily, la familia era el universo y el universo la familia. La familia Dickinson era una familia extremadamente unida, casi claustrofóbica, podría decirse. Sus hermanos Vinnie y Austin también compartían su enfermizo apego por el hogar.

Cuando un nuevo pastor llegó al pueblo y visitó a la familia Dickinson, insistió en que todos se arrodillaran en la entrada para expiar sus pecados. Emily simplemente se negó y el Sr. Dickinson se indignó. Emily Dickinson dedicó casi toda su vida a rebelarse a las convenciones de la sociedad de su tiempo y a demostrar con sus escritos que era mucho mejor que aquellos que criticaban su obra.
Dickinson escribió alrededor de 1.800 poemas, sin embargo, solamente once de ellos fueron publicados mientras vivía. Fue, en su momento, una desconocida, lo cual no le impidió mantener una dedicación devocional a su escritura. Sus poemas son de gran rigor y de enorme dignidad, profundas meditaciones silenciosas en torno a la mortalidad y la transitoriedad de la vida, y también de celebración. Su poesía contiene todo el terror y la belleza del mundo, destilados a la quintaesencia del significado y de la expresión.
Es considerada como la poetisa norteamericana más importante del siglo XIX.
Falleció en Amherst, Massachusetts en 1886 a los 56 años debido a un fallo renal.

“Maestro”

Si usted viera cómo una bala alcanza a un pájaro, y él dijera que no está herido, puede que llorase ante su amabilidad, pero con toda seguridad dudaría de su palabra. Una gota más de la cuchillada que ensucia el pecho de vuestra Margarita… Dios me creó, Maestro. No fui yo misma. Yo no sé cómo ocurrió. Él construyó el corazón en mí. Golpe a golpe, creció más que yo y, como una pequeña madre con un hijo mayor, me cansé de cargar con él. Me enteré de que existía algo llamado “Redención”, algo que hacía descansar a hombres y mujeres. Se acordará que le pregunté por ella: usted me ha dado algo distinto. Olvidé la Redención… (No se lo dije durante mucho tiempo, pero usted me había cambiado) y estaba cansada… Me siento más vieja -esta noche, Maestro- pero el amor es el mismo, y también lo son la luna y la media luna. Si la voluntad del Señor hubiera sido que respirase donde usted respiraba y encontrase el lugar -por mí misma- en plena noche; si nunca puedo olvidar que no estoy con usted ni que la tristeza y el fracaso están más cerca que yo; si deseo con una fuerza que no puedo reprimir que mío sea el lugar de la reina, el amor del Plantagenet es mi única disculpa…
(…) Digamos que esperaré por usted.
Digamos que no necesito ir con ningún extraño al, para mí, país desconocido. He esperado mucho tiempo, Maestro, pero puedo esperar todavía más, esperar hasta que mi pelo color de avellana esté moteado y usted utilice bastón, entonces podré mirar mi reloj y, si el Día está en el lejano ocaso, podemos tentar a la suerte en el Cielo.

¿Qué haría conmigo si vengo “de blanco”? ¿Tiene usted la fuerza para darle vida?
Quiero verle más, Maestro, que todo lo que anhelo en este mundo, y el deseo, ligeramente alterado, será el único en los cielos.
¿Puede venir a Nueva Inglaterra este verano? ¿Vendría a Aamherst? ¿Le gustaría venir, Maestro?

¿Podría perjudicarnos, aunque los dos seamos temerosos de Dios? ¿Le desilusionaría la Margarita? No, no lo haría, Maestro. Sería consuelo eterno; solo el mirar su rostro mientras usted mira el mío, entonces podría jugar en los bosques, hasta el anochecer, hasta cuando usted me lleve donde el sol que se pone no pueda hallarnos, y la verdad venga, hasta que la ciudad esté llena. (¿Me dirá que si lo hará?)

No pensaba decirlo, usted no vino a mí “de blanco”, ni me dijo nunca por qué…
No soy una Rosa, aunque me sentí florecer,

No soy Pájaro, aunque crucé el Éter.”
Carta de amor de Emily Dickinson a «el maestro».