IRIS

Por: Mario Arango.

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RICHARD EYRE

Nació en 1943 en Devon (Gran Bretaña). Estudió en la Universidad de Cambridge y el Lincoln College de la Universidad de Oxford.
Fue director asociado del Teatro Royal Lyceum, Edimburgo desde 1967 hasta 1972. Entre 1973 y 1978 fue director artístico de Nottingham Playhouse. Entre 1987 y 1997 fue director del Teatro Nacional.
También ha dirigido óperas y obras para la televisión.
Algunas obras destacadas de su filmografía:
“Belleza prohibida”/Stage Beauty(2004). Siglo XVII. Edward ‘Ned’ Kynaston es la “actriz” más famosa de Inglaterra. Como la ley prohíbe a las mujeres actuar, Ned, gracias a su belleza y a su talento, ha interpretado los principales papeles femeninos. Pero el Rey Carlos II, harto de la situación. decide animar el ambiente permitiendo a las mujeres pisar los escenarios y prohibiendo a los hombres interpretar papeles femeninos. La persona más perjudicada por estas innovaciones es Ned, que de la noche a la mañana pierde su privilegiada posición.

“Diario de un escándalo”/ Notes on a Scandal (2006). Barbara (Judi Dench) es una despótica profesora que gobierna su aula con mano de hierro en una ruinosa escuela pública londinense de secundaria. Vive sola, con su gata Portia, no tiene amigos, pero su vida experimenta un cambio radical cuando conoce a Sheba Hart (Blanchett), la nueva y atractiva profesora de arte de la escuela. Barbara ve en ella al alma gemela y a la leal amiga que siempre ha estado buscando. Pero, cuando descubre que Sheba mantiene una tórrida relación con uno de sus jóvenes alumnos (Andrew Simpson), la incipiente amistad da un ominoso giro, pues Barbara amenaza con contárselo todo al marido de Sheba (Bill Nighy) y al mundo entero.

“The Children Act” (2017). Una juez de primera instancia se encuentra en una crisis personal y profesional cuando se le pide que juzgue un caso de un joven de 18 años que se niega a la transfusión de sangre que le salvaría la vida.

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IRIS (2001) GÉNERO: DRAMABIOGRAFICO. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN 97’

Dirección: Richard Eyre. Guión: Richard Eyre, Charles Wood (Biografía: John Bayley). Intérpretes: Kate Winslet, Judi Dench, Jim Broadbent, Hugh Bonneville, Eleanor Bron, Penelope Wilton, Juliet Aubrey. Fotografía: Roger Pratt. Música: James Horner.

El director Richard Eyre irrumpe en la gran pantalla, luego de una exitosa carrera en la televisión, para presentarnos algunos momentos importantes en la vida de la destacada filósofa Iris Murdoch.

La película cuenta con guión del propio director, con base en la biografía escrita por John Bayley, quien fuera el esposo de la escritora.

Por medio de un montaje paralelo, vamos conociendo los años de juventud de la protagonista, Iris Murdoch, encarnada en esta etapa por Kate Winslet. Conoceremos el inicio de una historia de amor que perdurará en el tiempo, y seremos testigos del apasionado romance que surge entre la joven estudiante de Oxford y John Bradley, interpretado por Hugh Bonneville. Simultáneamente, nos enteramos de la vida de la pareja en su etapa de madurez. Para ese entonces, Judi Dench asume el rol de Iris, que se ha convertido en una notable filósofa y escritora.

La historia avanza, y poco a poco vemos como Iris empieza a presentar los primeros síntomas del Alzheimer, hasta llegar a un estado de total ensimismamiento y pérdida de contacto con la realidad. En este proceso de acentuado deterioro, su esposo, un John Bradley, magníficamente interpretado por Jim Broadbent, le acompañará amorosamente, con total entrega.

El talento del director y guionista se hace patente en la acertada diferenciación de las dos épocas en las cuales sucede la trama. Recrea perfectamente los ambientes familiares, sencillos, como lo eran los dos esposos escritores. Cuando la enfermedad que aqueja a Iris se hace evidente, el caos reinante en la casa que habitan, habla de que Iris ha acaparado toda la atención de su esposo, quien no puede perder tiempo en asuntos de limpieza.

El trabajo fotográfico de Roger Pratt, hace uso muy acertado de la iluminación, para distinguir el tiempo pasado, alegre, cálido y festivo, del presente, oscuro, y triste.

Otro punto a considerar, dentro del apartado técnico, es la banda sonora a cargo del maestro James Horner, en la que destaca la composición musical, a base de violines y piano, que acompaña perfectamente la historia. Debo decir, además, que el director ha usado la música, como otro elemento que diferencia los dos momentos argumentales del film.

“Iris” es básicamente una película de interpretaciones. Y aquí debo expresar que los cuatro actores protagonista cumplen sobradamente con sus respectivos roles. Kate Winslet, en el papel de la joven, alegre y sensual muchacha, en una interpretación convincente llena de naturalidad. Judi Dench, demostrando su trayectoria actoral, nos regala en su interpretación de la Iris ya enferma, un personaje lleno de humanidad y de matices. Pero quien realmente se roba la atención y el cariño de los espectadores es Jim Broadbent, como es abnegado esposo, que acompañó a Iris durante su enfermedad. Finalmente, Hugh Bonneville, en el papel del joven John Bayley, está excelentemente bien recreado.

Meritoria obra del director Richar Eyre, que rinde un homenaje a la memoria de quien en su tiempo se le conoció como « la mujer más brillante del Reino Unido». Una película conmovedora, que encierra una preciosa historia de amor verdadero. Cine británico de calidad.

Nota: Distinguida como Dama Comendadora de la Orden del Imperio Británico, Iris Murdoch, fue una filósofa y novelista irlandesa que vivió entre 1.919 y 1.999. Entre su obra se encuentran numerosos ensayos filosóficos centrados en la experiencia moral de ser humano. No obstante, se destacan, por sobre todo, las novelas, obras de teatro y libros de poesía. Bajo la red, novela de 1954, es considerada una de las mejores novelas escritas en lengua inglesa.
Premios

2001: Oscar: Mejor actor secundario (Jim Broadbent) 3 Nominaciones.
2001: Globo de oro: Mejor actor secundario (Jim Broadbent). 3 nominaciones.
2001: Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Judi Dench). 6 nominaciones.
2001: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor actor (Broadbent).

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HISTORIA DE UNA PASIÓN

Por: Mario Arango.

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TERENCE DAVIES

Nació en 1945 en Kensington (Inglaterra). Estudió en la Escuela de Drama de Coventry. Allí escribió su primer corto autobiográfico titulado “Children” (1976). Posteriormente ingresó a la Escuela Nacional de Cine, y allí escribió y dirigió “Madonna and Child” (1980), donde narra sus años como oficinista en Liverpool.

En 1983 realiza “Death and Transfiguration” donde se imagina las circunstancias en la que sucede su muerte.
En 1984, reúne en una sola producción, estas primeras películas, bajo el nombre de “La Trilogía de Terence Davies”
“Vosces Distantes”/ Distant Voices (1988) un sincero homenaje a su madre y a los tiempos en que la radio era una presencia cercana en el ámbito familiar.
El largo día acaba/ The long day closes, (1992) La película muestra la cotidianidad de una familia de clase obrera, en los años 50, a través de los ojos de Bud, el miembro más joven.
“La biblia de Neón”/ The Neon Bible (1995) un adolescente rememorando de forma poética sus vivencias en la Georgia de los años 40.
“La casa de la alegría”/ The House of Mirth (2000) cuenta la historia de Lily Bart, una joven de la alta sociedad neoyorquina venida a menos, que se niega a celebrar un matrimonio de conveniencia y que tampoco acepta la vida que le ofrecen otros de sus pretendiente
“The Deep Blue Sea (2011), En el marco de la Inglaterra de los años 50, Hester, una mujer joven y hermosa, vive agobiada por la monótona vida que le ofrece su anciano esposo, un prestigioso juez del Tribunal Supremo. Un día Hester conoce un ex piloto, del que queda prendada de inmediato, experiencia que dará un giro total a su existencia…Película presentada en nuestro cineclub en julio de 2013

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HISTORIA DE UNA PASIÓN/ A Quiet Passion (2016) GÉNERO: DRAMA BIOGRÁFICO. PAÍS: REINO UNIDO. DURACIÓN 125

Dirección y guión: Terence Davies. Intérpretes: Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine, Jodhi May, Joanna Bacon, Catherine Bailey, Emma Bell, Benjamin Wainwright, Annette Badland, Rose Williams, Noémie Schellens, Miles Richardson, Eric Loren. Fotografía: Florian Hoffmeister. Música: Varios.
Con guión de su autoría, el británico Terence Davies, se acerca a la vida y obra de la gran poetisa norteamericana Emily Dickinson.
No se trata de una biografía tradicional. Lejos de un minucioso recorrido por cada una de las etapas de su vida, el director y guionista se ha concentrado en mostrarnos a esta insigne autora a través de su obra.
La clausura de un curso escolar abre la película, y desde este momento, nos enteramos del carácter y de la personalidad de Emily, quien en ese entonces es tan solo una jovencita pero ya se advierte su rebeldía frente ciertas normas que imperan en su entorno familiar y social y con las cuales ella no comulga.
Dickinson se caracterizó por su brillante inteligencia, y su gran sensibilidad. Sin embargo, también era una mujer mordaz e irónica. No contó en vida con la aprobación de su obra, pero, valientemente se aferró a su poesía, que era su vida, buscando su realización interior, en la soledad de su cuarto. Todo esto está perfectamente trasladado a la película a través de un montaje perfecto.
La película, en la que abundan los primeros planos, está filmada, en Amherst, Massachussets, en la propia casa donde pasó su vida la poetisa. La acción transcurre principalmente en interiores, con una puesta en escena que nos traslada a la época de la historia, gracias al rigor de un mobiliario y un vestuario perfectamente reconstruido.
Técnicamente, la película es una absoluta obra de arte. El virtuosismo y la elegancia del director para lograr los maravillosos travellings de larga duración. El cuidadoso encuadre de cada plano. Los acertados juegos de luces y sombras de una fotografía a cargo del maestro alemán Florian Hoffmeister, que convierte las imágenes en verdaderas pinturas y nos hace participes de todo el rigor y la austeridad de la época calvinista en la cual transcurre la historia.
Con una narrativa que privilegia el uso de la elipsis, recurso en el Davies es un maestro, para hacer patente el paso del tiempo. En este apartado merece destacar la magistral secuencia en la que Emily y su familia, posan para el fotógrafo.
La exquisita banda sonora cuenta con una música evocadora que mezcla fragmentos de obras de Beethoven, Schumann y Schubert. Adicionalmente, los bellos poemas de Dickinson, recitados de manera espléndida por la actriz protagonista, añaden un toque de belleza al film.
En cuanto al reparto, por cierto, otro acierto del director, destaca la soberbia actuación de Cynthia Nixon, en el papel de Emily. La actriz asume su rol con gran dosis de honestidad, apelando a su gestualidad, para trasmitirnos los estados de ánimo y el carácter de la escritora. En cuanto al grupo de secundarios, Jennifer Ehle logra una actuación impecable como Vinnie, la hermana menor de Emily. Por su parte, el veterano Keith Carradine, en el papel de Edward, el padre de la poetisa, da cuenta de su experiencia en un papel creíble, lleno de matices.
“Historia de una pasión” es la confirmación de Terence Davies como un director de gran talento y sensibilidad para retratar el complejo mundo de las emociones. En este trabajo roza la perfección y nos ofrece una película al mejor estilo del cine clásico. ¡Memorable!

Biografía:
Emily Dickinson nació en Amherst, Massachusetts (1830), en el seno de una familia pudiente de fuertes creencias cristianas. Era la hija de Edward Dickinson, letrado y político, y de Emily Norcross Dickinson, quienes tenían otros dos hijos, su hermana Lavinia, a la que llamaban Vinnie, y su hermano Austin.

No soportaba estar lejos de su hogar y pasó la mayoría de su vida adulta en la casa familiar de Amherst. Para Emily, la familia era el universo y el universo la familia. La familia Dickinson era una familia extremadamente unida, casi claustrofóbica, podría decirse. Sus hermanos Vinnie y Austin también compartían su enfermizo apego por el hogar.

Cuando un nuevo pastor llegó al pueblo y visitó a la familia Dickinson, insistió en que todos se arrodillaran en la entrada para expiar sus pecados. Emily simplemente se negó y el Sr. Dickinson se indignó. Emily Dickinson dedicó casi toda su vida a rebelarse a las convenciones de la sociedad de su tiempo y a demostrar con sus escritos que era mucho mejor que aquellos que criticaban su obra.
Dickinson escribió alrededor de 1.800 poemas, sin embargo, solamente once de ellos fueron publicados mientras vivía. Fue, en su momento, una desconocida, lo cual no le impidió mantener una dedicación devocional a su escritura. Sus poemas son de gran rigor y de enorme dignidad, profundas meditaciones silenciosas en torno a la mortalidad y la transitoriedad de la vida, y también de celebración. Su poesía contiene todo el terror y la belleza del mundo, destilados a la quintaesencia del significado y de la expresión.
Es considerada como la poetisa norteamericana más importante del siglo XIX.
Falleció en Amherst, Massachusetts en 1886 a los 56 años debido a un fallo renal.

“Maestro”

Si usted viera cómo una bala alcanza a un pájaro, y él dijera que no está herido, puede que llorase ante su amabilidad, pero con toda seguridad dudaría de su palabra. Una gota más de la cuchillada que ensucia el pecho de vuestra Margarita… Dios me creó, Maestro. No fui yo misma. Yo no sé cómo ocurrió. Él construyó el corazón en mí. Golpe a golpe, creció más que yo y, como una pequeña madre con un hijo mayor, me cansé de cargar con él. Me enteré de que existía algo llamado “Redención”, algo que hacía descansar a hombres y mujeres. Se acordará que le pregunté por ella: usted me ha dado algo distinto. Olvidé la Redención… (No se lo dije durante mucho tiempo, pero usted me había cambiado) y estaba cansada… Me siento más vieja -esta noche, Maestro- pero el amor es el mismo, y también lo son la luna y la media luna. Si la voluntad del Señor hubiera sido que respirase donde usted respiraba y encontrase el lugar -por mí misma- en plena noche; si nunca puedo olvidar que no estoy con usted ni que la tristeza y el fracaso están más cerca que yo; si deseo con una fuerza que no puedo reprimir que mío sea el lugar de la reina, el amor del Plantagenet es mi única disculpa…
(…) Digamos que esperaré por usted.
Digamos que no necesito ir con ningún extraño al, para mí, país desconocido. He esperado mucho tiempo, Maestro, pero puedo esperar todavía más, esperar hasta que mi pelo color de avellana esté moteado y usted utilice bastón, entonces podré mirar mi reloj y, si el Día está en el lejano ocaso, podemos tentar a la suerte en el Cielo.

¿Qué haría conmigo si vengo “de blanco”? ¿Tiene usted la fuerza para darle vida?
Quiero verle más, Maestro, que todo lo que anhelo en este mundo, y el deseo, ligeramente alterado, será el único en los cielos.
¿Puede venir a Nueva Inglaterra este verano? ¿Vendría a Aamherst? ¿Le gustaría venir, Maestro?

¿Podría perjudicarnos, aunque los dos seamos temerosos de Dios? ¿Le desilusionaría la Margarita? No, no lo haría, Maestro. Sería consuelo eterno; solo el mirar su rostro mientras usted mira el mío, entonces podría jugar en los bosques, hasta el anochecer, hasta cuando usted me lleve donde el sol que se pone no pueda hallarnos, y la verdad venga, hasta que la ciudad esté llena. (¿Me dirá que si lo hará?)

No pensaba decirlo, usted no vino a mí “de blanco”, ni me dijo nunca por qué…
No soy una Rosa, aunque me sentí florecer,

No soy Pájaro, aunque crucé el Éter.”
Carta de amor de Emily Dickinson a «el maestro».

EL VALIENTE CORAZÓN DE IRENA SENDLER

Por: Mario Arango Escobar.

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JOHN KENT HARRISON

Es un ciudadano canadiense y estadounidense. Fue educado en la Universidad de Columbia en Nueva York y en la actualidad vive en Portland, Oregón.
Antes de su debut como director, fue profesor adjunto de Estudios Cinematográficos de la Universidad de Concordia en Montreal y enseñó escritura de guiones en la Universidad de California, en los Ángeles.

En su filmografía sobresalen los siguientes films:
“La mentira del silencio”/ What the Deaf Man Heard (1996). Cuando emprendió aquel imprevisto viaje en autobús con su madre, Sammy no podía imaginar que su vida cambiaría para siempre. Al despertarse en la última parada, descubrió que se encontraba completamente solo en una ciudad desconocida. Al verse huérfano de repente, decidió hacerse el sordo.
“El Papa Juan Pablo II”/ The Pope John Paul II (2005). Biografía sobre el Papa Juan Pablo II: desde su juventud en Polonia, pasando por el atentado que sufrió en la plaza de San Pedro, hasta su muerte.

“Cuando el amor no es suficiente”/ When Love Is Not Enough (2010). Narra la larga pero turbulenta relación entre Lois y Bill Wilson, que dedicaron su vida a fundar asociaciones de ayuda como, por ejemplo, “Alcohólicos Anónimos”.
“Ana de las tejas verdes”/Anne of Green Gables (2016). Las aventuras de Ana Shirley, una imaginativa niña huérfana de 11 años que por error es enviada a Matthew y Marilla Cuthbert, dos hermanos de mediana edad que pretendían adoptar a un niño para que les ayudara en su granja.

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EL CORAZÓN VALIENTE DE IRENA SENDLER/The Courageous Heart of Irena Sendler (2009) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESTADOS UNIDOS. DURACIÓN: 95

Dirección: John Kent Harrison. Guión: John Kent Harrison, Larry Spagnola (Libro: Anna Mieszkowska. Intérpretes: Anna Paquin, Nathaniel Parker, Scott Handy, Marcia Gay Harden, Goran Visnjic . Fotografía: Jerzy Zielinski. Música: Jan A.P. Kaczmarek.

Con guión del propio director y de John Spagnola, basado en Mother of the Holocaust Children, biografía escrita por Anna Mieszkowska. Narra la historia de Irena Sendler, una trabajadora del Departamento de Bienestar Social de Varsovia que durante la II Guerra Mundial utilizó su trabajo para organizar a un grupo de personas y salvar a los niños judíos del gueto de los campos de concentración.

Se calcula que salvó a más de 2.500 niños sacándolos del gueto, escondidos en bultos y entregándolos posteriormente a familias no perseguidas por los nazis para que los criaran como hijos propios. En aquellos casos en los que no encontraban una familia que se hiciese cargo de ellos los ocultaban en orfanatos o conventos. Irena apuntaba el nombre de todos los niños, así como su dirección actual y el nombre de su familia biológica, con la esperanza de que una vez finalizada la guerra pudieran reunirse con sus familias. Todos los nombres y direcciones los escondió en un tarro que enterró en un jardín para que no pudieran ser encontrados.

En 1943, después de un año de trabajo, Irena fue descubierta cuando uno de sus colaboradores, luego de ser torturado, habló de ella a los nazis. Fue detenida, interrogada y torturada durante tres meses en la cárcel de Pawiak para que dijese quién más trabajaba con ella y donde se encontraban los niños, pero cuando se dieron cuenta de que no diría nada la condenaron a muerte. Antes de ser ejecutada los miembro de la Zegota, una organización de la resistencia, sobornaron a un oficial para que incluyese su nombre en una lista de prisioneros que ya habían sido ejecutados.

Irena escapó y luchó durante el resto de la guerra dentro de las filas de la Zegota llegando a ser cabecilla de la Sección infantil.
A partir de 1945, Irena intentó con sus colaboradores devolver los niños salvados a sus familias judías originarias, pero resultó que casi todas habían sido exterminadas en Treblinka y otros campos de concentración.

En 1965, el “Yad Vashem”, institución judía encargada de mantener la Memoria del Holocausto, teniendo conocimiento de lo que Irena había hecho, le otorgó la altísima distinción de «Justo entre las Naciones», su nombre se inscribió en el Muro de Honor del Jardín de los Justos en Jerusalem y la nombraron ciudadana honoraria de Israel.

La película fue rodada en Riga (Letonia), pues el casco antiguo de la ciudad contaba con las características requeridas para la recreación perfecta de la época.

No obstante ser una producción para televisión, que no contó con un gran presupuesto, no tiene nada que envidiar a las grandes producciones. Baste mencionar asuntos como la ambientación y la puesta en escena, en los cuales sobresale la muy bien lograda reconstrucción histórica de la Polonia ocupada por los alemanes. Igualmente bien logrados el montaje y la edición.

La música que acompaña el relato, a cargo de Jan A.P. Kaczmarek, le imprime un ritmo ágil y contribuye a crear una atmósfera de suspenso.

Excelente la dirección de actores, en la que se percibe el talento del director Harrison. Todo el grupo de intérpretes protagonistas logra un trabajo digno de todo elogio. Sobresaliente Anna Paquin en su caracterización de Irena Sendler.

El film termina con una breve aparición de la verdadera Irena, haciendo un homenaje de admiración a todas las madres que debieron separarse de sus hijos, para que lograran escarpar de la persecución nazi. Una escena llena de emoción.

John Ken Harrison nos ofrece una película hermosa, sobre una mujer memorable, que paradójicamente es poco conocida. Una historia que merece ser difundida. Película necesaria.

Premios
2009: Emmy: Mejor maquillaje. 3 nominaciones, incluyendo mejor actriz sec. (Harden).
2009: Nominada al Globo de Oro: Actriz en una miniserie o película para TV (Anna Paquin).
2009: Satellite Awards: Nominada a mejor telefilm.
Irena Sendler- Biografía.

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IRENA SENDLER

Irena Sendler nació como Irena Krzyzanowska el 15 de Febrero de 1910, cerca de Varsovia, en Otwock. Su padre, Stanisław Krzyżanowski, era un reconocido médico. Este falleció en 1917 de la enfermedad del tifus causada por tratar a pacientes judíos rechazados por sus colegas médicos. Tras el fallecimiento de su padre Irena no disponía del dinero suficiente para sus estudios y los líderes de la comunidad judía ayudaron a la futura enfermera y pagaron sus estudios.
Estudió Derecho, Filología y Pedagogía, dedicándose sobre todo a la ayuda social dentro del Comité Ciudadano de Bienestar del Ayuntamiento de Varsovia trabajando como enfermera y asistente social, trabajo que le permitió entrar y salir libremente del gueto de Varsovia.
Cuando en Octubre de 1940 los jerarcas nazis crearon el gueto de Varsovia, Irena comprobó horrorizada cómo las condiciones en las que se encontraban los habitantes del mismo eran más que deplorables, no podía creer cómo una persona podía sobrevivir así y sin ningún viso de que la situación mejorase a corto plazo. Decidida, se puso manos a la obra. Fuera del gueto, por parte de varias organizaciones judías se intentaba que la vida dentro del mismo fuera un poco mejor para sus habitantes. Se crearon organizaciones infantiles y juveniles, escuelas de enfermería e incluso una facultad de medicina clandestina. Colaboró en la organización Zegota que procuraba suministrar comida, ropa y cuidados a los judíos.

Su nombre en la clandestinidad era Jolanta, ella misma llevaba un brazalete con la estrella de David cuando caminaba dentro del gueto que lucía aparte de para pasar desapercibida, como signo de solidaridad con los ocupantes de tan infame lugar.
Se unió al Consejo para la Ayuda de Judíos. Consiguió identificaciones de la oficina sanitaria, una de cuyas tareas era luchar contra las enfermedades contagiosas. Y aprovechando que los alemanes temían posibles epidemias de tifus y otras enfermedades contagiosas, permitieron que los polacos controlaran las posibles epidemias y enfermedades producidas en el recinto. Sin tardanza se puso en contacto con las familias a las que les ofreció sacar a sus hijos fuera del gueto pero lamentablemente no podía prometerles ninguna garantía de éxito, pero sí que se esforzaría a máximo para que los niños estuviesen a salvo, cosa que consiguió en la mayoría de los casos… muchas familias se negaron a separarse de sus hijos y desgraciadamente los condenaron a un destino tan cruel como el de ellos mismos… la muerte por enfermedad, por inanición, por palizas, ejecuciones arbitrarias por parte de los invasores o deportados a los temidos campos de la muerte. A veces, cuando Irena o alguna de sus colaboradoras volvían a visitar a las familias para intentar convencerlas de que les darían a sus hijos una posibilidad que allí dentro no tendrían, se encontraban con que todos los miembros de la familia habían sido llevados ya al tren que los conduciría a los campos de exterminio.

A los que pudo conseguir comenzó a sacarlos en ambulancias como enfermos de tifus, más adelante lo haría de todas las formas y maneras posibles y que se puedan imaginar… en sacos de patatas, cajas de herramientas, cargamentos de ladrillos, ataúdes, sacos de arroz, cestos de basura, cualquier forma y sitio era utilizado para salvar cuantos más niños mejor. Una vez fuera se les daba un nuevo nombre y un lugar en el que esconderse: conventos, colegios, orfanatos o familias católicas. La propia Irena Sendler mantenía un sistema de registro con el fin de conocer cuál era el verdadero nombre de cada niño con el fin de que, una vez terminada la guerra, pudieran reencontrarse con su familia.
Una vez finalizada la II Guerra Mundial. Irena Sendler intentó volver a su vida pero fue perseguida por el gobierno comunista por su afinidad con los miembros del gobierno polaco que se encontraban en el exilio y por su asociación con la reaccionaria Armia Krajowa. Nuevamente fue detenida, sufrió un aborto de su segundo hijo y se les negó a sus hijos el derecho de estudiar en universidades polacas.

Pese a los duros años que sufrió después de la guerra, las acciones de Irena empezaron a tener reconocimiento a partir de 1965 cuando la organización Yad Vashem de Jerusalén le otorgó el título de Justa entre las naciones y la nombraron ciudadana honoraria de Israel. En noviembre de 2003 el presidente de la República, Aleksander Kwasniewski, le otorgó la más alta distinción civil de Polonia: la Orden del Águila Blanca. Por último, y no menos importante, en 2007 el senado de Polonia presentó la candidatura de Irena Sendler al Premio Nobel de la Paz que finalmente fue concedido al norteamericano Al Gore.
De entre todos aquellos niños sobrevivientes, hoy son conocidos por ejemplo: Elzbieta Ficowska (era apenas un bebé de cinco meses cuando fue sacada del gueto en un cajón de carpintero; muchos años después acompañó y cuidó a Irena en su vejez), Renata Zajdman, Marcel Fremder, Rene Lichtman o Piotr Zettinger (pintor que vive en Suecia).

En 1994, curiosamente a raíz de la exitosa película de Steven Spielberg, “La lista de Schindler” (USA 1993), un maestro de Kansas, EE.UU., dio un artículo de prensa a cuatro de sus estudiantes (Megan Stewart, Liz Cambers, Sabrina Coons y Jessica Shelton) para que buscaran información acerca de una tal Irena Sendler, quien según el citado artículo, titulado “Otros Schindler”, esa mujer había salvado a 2500 niños judíos en 1942, lo cual al profesor le extrañó mucho pues no había información histórica sobre una gesta tan humanitaria.

Los estudiantes se pusieron a investigar y su sorpresa fue mayúscula cuando comprobaron que la hazaña de Irena Sendler había sido real y ella aún estaba viva. A partir de los cual, se movilizaron, hicieron obras de teatro representando el magnífico heroísmo de Irena, consiguieron donativos para hacer un viaje y visitar a esta mujer, etc. Además propagaron por Internet y por otros medios, a nivel de EE.UU. y luego mundial, la historia de Irena Sendler —enterrada en el anonimato más lamentable tras el telón de acero comunista— y sacaron a la luz su extraordinaria hazaña digna de ser conocida y agradecida.
Irena falleció en Varsovia (Polonia) el 12 de mayo de 2008 a los 98 años de edad.

“La razón por la cual rescaté a los niños tiene su origen en mi hogar, en mi infancia. Fui educada en la creencia de que una persona necesitada debe ser ayudada de corazón, sin mirar su religión o su nacionalidad”.
Irena Sendler

GRADUACIÓN

Por: Mario Arango Escobar.

IMG_1160CRISTIAN MUNGIU

Nació en 1968 en Iaşi (Rumanía). Estudió Literatura Inglesa en la Universidad de Iañi y Dirección de Cine en la Universidad de Cine de Bucarest. Trabajó como profesor y periodista para prensa escrita, radio y televisión hasta 1994. Durante sus años como estudiante se desempeñó como asistente de dirección para producciones extranjeras filmadas en Rumania. Luego de su graduación, en 1998, realizó varios cortometrajes.

En 2002, realizó su primer largometraje, “Occidente”/Occident. Película que trata el tema de la emigración rumana a Europa Occidental. Se divide en tres partes que se mezclan entre sí: una pareja que no encuentra trabajo ni vivienda decide emigrar. Una madre, cuya hija ha sido plantada en el altar, quiere que la chica se case con un hombre de buena posición, aunque para ello tenga que emigrar. Un coronel de la policía recibe la visita de un joven que emigró a Alemania hace más de una década.

En 2007, Mungiu escribió y dirigió su segundo filme, “Cuatro meses, tres semanas y dos días”/ 4 luni, 3 saptamini si 2 zile. Rumania, durante los últimos días del comunismo. Otilia y Gabita son estudiantes y comparten habitación en una residencia en Bucarest. Gabita está embarazada, pero no desea tener un hijo, así que contactan a un tal Mr. Bebe en un hotel barato, para que le practique un aborto ilegal. Palma de Oro en Cannes Presentada en nuestro cineclub en el año 2008.
“Historias de la edad de oro”/Amintiri din epoca de aur (2009). Últimos años del comunismo en Rumania. A través de cinco historias, dirigidas por cinco realizadores (Mungiu, el alma del proyecto, escribió todos los capítulos y dirigió el último, “La leyenda de los vendedores de aire”), donde muestra la vida cotidiana de los rumanos en esa época.

“Más allá de las colinas”/ Dupa dealuri (2012). Después de haber vivido varios años en Alemania, Alina se reúne con una amiga en un aislado convento ortodoxo rumano. Su amistad se remonta a la época en que, siendo niñas, se conocieron en un orfanato. Alina pretende que su amiga vuelva con ella a Alemania, pero ésta se niega porque no sólo ha encontrado refugio en la fe, sino que las monjas constituyen su familia.

Junto a Cristi Puiu, Radu Muntean, Cristian Nemescu, Corneliu Porumboiu y Cătălin Mitulescu es considerado uno de los más importantes exponentes de la Nueva ola rumana de cine.

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GRADUACIÓN/ Bacalaureat (2016) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: RUMANÍA. DURACIÓN 128

Dirección y guión: Cristian Mungiu. Intérpretes: Adrian Titieni, Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru.

Con su ya característico estilo, escueto y sobrio, el director Critian Mungiu nos presenta el panorama, nada alentador, de su país en los tiempos que corren. Para ello se sirve de Romeo (Adrian Titieni), y su universo cercano, perfecto reflejo de la sociedad rumana actual.

Romeo, el médico protagonista de la película, sobrevive a un matrimonio en crisis, y su única motivación vital radica en conseguir que su única hija, Eliza (Maria-Victoria Dragus), una estudiante brillante, pueda acceder a una beca que le permita estudiar fuera de Rumania.

Eliza tiene todas las posibilidades de lograr el sueño de su padre, ya que su desempeño académico siempre ha sido sobresaliente. Sin embargo, poco antes de presentar los exámenes para optar a una beca que le ha ofrecido una universidad británica, la muchacha es víctima de un intento de violación, que le afecta profundamente, dejándola en un estado de crisis mental que le impide concentrarse en la preparación de las pruebas.
Ante este incidente, su padre, que siempre ha actuado dentro de la mayor honestidad, no duda en acudir a intermediarios corruptos para lograr, como sea, que Eliza logre la nota necesaria para lograr su objetivo. Este cambio de conducta por parte de Romeo, que la muchacha no logra comprender, va a provocar un fuerte enfrentamiento entre padre e hija.

Si bien, la familia protagonista muestra signos de franca inestabilidad, como lo anuncia la imagen del vidrio roto, que abre la película, el hecho que evidencia que Romeo ha abandonado los principios que siempre ha defendido, es la chispa que enciende la crisis familiar.
Mungiu da muestras de su talento en el sólido guión, desprovisto de todo accesorio, y donde sobresalen unos diálogos contundentes y precisos. La concepción de los personajes es claramente realista y humana.
Conservando el realismo de sus anteriores trabajos, el director rumano, a través de magistrales planos secuencia, bucea en las profundidades de la sociedad rumana. Pero no se trata de un mero ejercicio estilístico, Mungiu va más allá, para mostrarnos, el estado de corrupción que corroe a todos los ámbitos de la sociedad rumana. No obstante, su mirada permanece neutral ante los personajes, y deja que sea el espectador quien emita el correspondiente juicio.

Notable el trabajo de los actores protagonistas, con interpretaciones que se ajustan a las exigencias del guión. Todos recrean a unos seres cercanos, creíbles, llenos de conflictos y emociones reconocibles.
Magistral plano final, con esa mirada de Eliza que parece preguntarnos sobre lo que cada uno de nosotros, hubiera hecho en su lugar…
“Graduación”, una historia pequeña, pero que gracias al acertado tratamiento del director, nos deja una serie de profundas reflexiones sobre unos hechos que podrían ocurrir en cualquier país. Cine con contenido, imperdible!!

Premios
2016: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera.
2016: Festival de Cannes: Mejor director (ex aequo).
2016: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor director y guión.

 

FAMILIA

Por: Mario Arango.

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FERNANDO LEÓN DE ARANOA

Nació en Madrid en mayo de 1968. Es licenciado en Ciencias de la Imagen Visual y Auditiva, egresado de la Universidad Complutense de Madrid. Empezó en el mundo del cine, trabajando como guionista en series de televisión
Fue con el cortometraje “Sirenas” en 1994 con el que debutó tras la cámara. El abuelo Antonio se libró de morir ahogado en el naufragio de su barco cuando navegaba. Le salvó su sordera, ya que no oyó el canto de las sirenas que le llamaban desde el fondo del mar.

Realiza su primer largometraje, “Familia”, en 1996. Premio Goya a la mejor dirección novel, entre otros.
Dos años más tarde escribe y dirige la cinta “Barrio” con la cual vuelve a ser galardonado, en esta ocasión con los Goya a la mejor dirección y al mejor guión original. En uno de esos barrios marginados, Javi, Manu y Rai son compañeros de clase, pero, sobre todo, amigos. Comparten también la vida en el barrio, el calor del verano y un montón de problemas.

En 2002 dirige “Los lunes al sol”. En una ciudad costera del norte de España, a la que el desarrollo industrial ha hecho crecer desaforadamente, un grupo de hombres recorren cada día sus empinadas calles, buscando salidas de emergencia, ante la pérdida de sus empleos. Presentada en nuestro cineclub en noviembre de 2007.
Con “Princesas” (2005), debutaría además como productor de 3 Goyas. Ésta es la historia de dos prostitutas, Caye y Zulema. Cuando se conocen casi llegan a enfrentarse: son muchas las chicas españolas que ven con recelo la llegada de inmigrantes a la prostitución. Caye y Zulema se hacen amigas cuando comprenden que, en definitiva, las dos se tambalean en la misma cuerda floja

En 2010 dirige “Amador”, Marcela, una joven con apuros económicos, cuida de Amador, un anciano postrado en cama. Los dos no tardarán en confiarse sus respectivos secretos. Un suceso inesperado deja a la chica enfrentada a un difícil dilema moral.

Su último trabajo hasta el momento es “Un día perfecto” (2015). Un grupo de trabajadores humanitarios trata de sacar un cadáver de un pozo en una zona de conflicto armado. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple se convierte aquí en una misión imposible, a causa de las circunstancias.

Como documentalista ha dirigido en México, “Caminantes” (2001), premiado en los festivales de La Habana, Los Ángeles, Nueva York y Alcalá de Henares y en 2007 participa en el documental “Invisibles”.
A parte de su labor en el cine también ha escrito varios relatos y narraciones breves, habiendo recibido por ellos el Premio Antonio Machado en dos ocasiones. Ha trabajado también como dibujante e ilustrador.

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FAMILIA (1996) GÉNERO: COMEDIA-DRAMA. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN 95

Dirección y guión: Fernando León de Aranoa. Intéprretes: Juan Luis Galiardo, Amparo Muñoz, Ágata Lys, Elena Anaya, Chete Lera, Juan Querol, Raquel Rodrigo, Aníbal Carbonero. Fotografía: Alfredo Mayo. Música: Varios.

Santiago (Juan Luis Galiardo), como cada mañana, se dispone a iniciar un nuevo día. Sin embargo, este no es un día cualquiera. Hoy cumple 55 años de edad y quiere celebrarlos con su familia. Mientras baja a la cocina, su esposa e hijos ultiman los detalles del desayuno. La reunión transcurre de manera normal. La entrega de los regalos, buenos deseos y felicitaciones se suceden como lo amerita la ocasión…Cuando llega el turno de abrir el regalo del hijo menor, Santiago se enfada, y además de rechazar el obsequio, rechaza a su hijo, por estar gordo y además tener gafas…

La inesperada reacción de Santiago sorprende, no solo a los asistentes al evento, sino también, y en gran medida, al espectador, que no logra comprender lo que está ocurriendo. Luego de que alguien de la familia explica que este niño fue lo mejor que lograron encontrar, entendemos que los supuestos familiares del homenajeado hacen parte de un grupo de actores contratados, para representar esa familia con la que Santiago ha soñado.

Este giro argumental, cuando apenas se inicia la historia, es manejado con gran pericia por el director y guionista, y una vez que ha pasado este momento de confusión, va a centrar su atención en mostrarnos los conflictos que surgen entre los miembros de la ficticia familia, que aluden a las verdaderas relaciones existentes en cualquier grupo familiar, confirmando de este modo, que la familia ideal no existe.
Aranoa, que también es autor del guión, sorprende por la originalidad de la historia, y por su acertada e inteligente narrativa. Una narrativa que cada momento se reinventa para para mantener la atención del espectador. El director español se decide por una propuesta formal bastante sencilla, que incluye unos diálogos corrientes y un ritmo bastante fluido. Magistral el equilibrio que logra entre drama, comedia negra y sátira.

Aunque la acción transcurre prácticamente en un solo espacio, el film no se torna monótono, gracias al acertado manejo de la cámara.
Una fotografía luminosa, que capta en imágenes realistas los sucesos, es bastante acorde con la historia. Por su parte la música, que mezcla sonidos melódicos y rítmicos, contribuye a crear el ambiente, a veces misterioso, perfecto para el relato.
Destacable la magnífica dirección de actores, que encuentra su compensación en unas actuaciones magistrales. Al ser una película coral, es necesario incluir en esta apreciación a todo el elenco. No obstante, Juan Luis Galiardo como el dueño de casa, y jefe de la familia, logra una caracterización notable.

Escenas para el recuerdo. Además de la que tiene que ver con la entrega del regalo del hijo menor, mencionaría aquella en la cual, Santiago interroga a su “hija”, sobre sus experiencias sexuales.
Hacia el final de la película, cuando, aparentemente la abuela ha muerto. Extraordinaria representación, dentro de la representación, que Santiago, único espectador, no duda en corresponder con un fuerte aplauso.

La contundencia de “Familia”, y la inteligencia del novel director de este entonces, vienen expresadas de manera concisa, en las palabras del propio protagonista cuando afirma que: “es mucho mejor estar mal acompañado que solo. Y quien diga lo contrario es que no sabe lo que es estar solo”.
En definitiva, estamos ante una película que en tono de comedia, nos plantea una reflexión profunda sobre la soledad, que cada vez es más común en nuestra sociedad, y sobre el papel tan importante que tiene la familia, para compensarla. Maravillosa película!

Premios:

1997: Goya: mejor dirección novel.

SECRETOS DEL CORAZÓN

Por: Mario Arango.

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MONTXO ARMENDÁRIS

Nació en 1949 en Olleta, Navarra (España). Fue profesor de electrónica en el Instituto Politécnico de Pamplona. Se inició en el mundo del cine en 1979 realizando cortometrajes.

Destacado por la preocupación social de sus películas desde su debut, en “Tasio” (1984), un relato sobre los últimos carboneros de Navarra, en la que muestra un mundo poético personal. Con este film obtuvo el premio Fotogramas de Plata, a la Mejor Película.

Otros títulos de su filmografía son:

“Las cartas de Alou” (1990). Un grupo de africanos llega clandestinamente a las costas del sur de España. Entre ellos, está Alou, un senegalés de 28 años. Como en Almería le roban todas sus pertenencias, no tiene más remedio que dedicarse a la venta ambulante. Su único placer son las cartas que escribe a su familia para contarles las peripecias de su aventura española.

“Silencio roto” (2001). Invierno de 1944. Lucía, una joven de 21 años, regresa a un pequeño pueblo de montaña. Allí encuentra a Manuel, un joven herrero que colabora con los maquis: guerrilleros que, no se resignan al triunfo del franquismo. Lucía empieza a sentirse atraída por Manuel, sobre todo por el valor que muestra al jugarse la vida para defender sus ideas.

“Obaba” (2005). Basada en la novela homónima de Bernardo Atxaga. La película nos muestra, con mano maestra retazos de vidas, todas ellas con el nexo común de la búsqueda de la felicidad y la huida de la implacable soledad.

“No tengas miedo” (2011). Silvia es una joven marcada por una oscura infancia. Con apenas 25 años decide rehacer su vida y enfrentarse a las personas, sentimientos y emociones que la mantienen ligada al pasado. Y en su lucha contra la adversidad, contra sí misma, irá aprendiendo a controlar sus miedos y a convertirse en una mujer adulta, dueña de sus actos. Una historia sobre las secuelas de los abusos sexuales en la infancia.

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SECRETOS DEL CORAZÓN (1997) GÉNERO: DRAMA. PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 101

Dirección y guión: Montxo Armendáriz. Intérpretes: Carmelo Gómez, Charo López, Silvia Munt, Vicky Peña, Andoni Erburu, Álvaro Nagore, Joan Valles, Íñigo Garcés, Joan Dalmau, Chete Lera. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Música: Bingen Mendizábal.

La película nos narra la historia de Javi, un muchacho en tránsito de la niñez a la adolescencia, que comparte con Juan, su hermano mayor, y sus amigos, las aventuras propias de la edad. Al mismo tiempo, va descubriendo una serie de secretos familiares, que marcarán su existencia futura.

Los hechos narrados en el film tienen lugar en los años 50, en un pueblo español. La dictadura franquista, expresada en una represión general, alcanza todos los ámbitos de la vida. La familia y las tradiciones ocupan un lugar prominente en la sociedad.
Armendaris, que también es el autor del guión, opta por narrar la historia a través de los ojos de Javi (Andoni Erburu). El director muy hábilmente, crea una trama llena de suspenso, que desde sus inicios, y hasta el final, captura la atención del espectador.
Desde las primeras imágenes, nos convertimos en compañeros de Javi, y compartimos con él, ese afán voyerista que le impulsa a desentrañar los misterios que, Juan (Álvaro Nagore) le comparte a cada momento o que él mismo encuentra a su alrededor.
Javi y Juan viven en casa de sus tías, pues desde que su padre murió, ellas se hacen cargo de su educación. Y es en medio de este mundo de mujeres adultas, donde Javi va encontrarse con secretos inesperados.

María (Charo López) y Rosa (Vicky Peña), las tías de Javi, son dos mujeres solteras. Cada una asume su rutinaria vida de manera bien distinta, María, reprime su anhelo de libertad refugiándose en la bebida. Rosa en cambio carga amargamente con su soledad.

En medio de este ambiente cerrado y oscuro para un niño, Javi no solo descubrirá la sexualidad, sino que también se enterará sobre la verdadera causa de la muerte de su padre, y el motivo por el cual su madre no vive con él.

En el film abundan las metáforas que nos hablan de esos cambios que ocurren en la mente y en el espíritu del protagonista. Para destacar, la bella imagen del niño cruzando el puente, que abre la película, donde Javi, lleno de miedo, y acosado por su hermano, opta por hacer un recorrido diferente. Imagen que posteriormente, se repite, y en la que ya el muchacho logra ir al encuentro de su tía, sin ningún temor.

De igual manera, la tela de araña que podríamos leer como el contenedor de todos los secretos que perturban a Javi. Pero muy especialmente con el que tiene que ver con la muerte de su papá. Por tal motivo, cuando conoce la amarga verdad, decide romperla, pues ya carece de significado, y sus miedos ya no tienen sustento.

Magistral la puesta en escena, en la que sobresale la recreación de la época. Gran trabajo fotográfico del siempre impecable Javier Aguirresarobe, con esa iluminación llena de penumbras, tan cercana a la pintura española del barroco, y tan afín a la historia, plagada de luces y sombras, de verdades y secretos.

Por su parte, la banda sonora, es otro de los fuertes de la película, pues la mezcla de ruidos y sonidos del ambiente contribuyen al clímax de misterio. Igualmente, la música, que acompaña momentos claves del relato, potenciando su dramatismo. Excelente trabajo del compositor Bingen Mendizábal.

En cuanto al grupo de actores, destacable, por encima de todos, el papel de Andoni Erburu, en el papel de Javi. Con su mirada inocente y tierna, construye un personaje que permanece en la retina del espectador, y se constituye en protagonista de la película. En relación a los actores mayores, decir que todo el grupo de protagonistas se luce en sus interpretaciones, pero destacaría la magnífica caracterización de Charo López, que nos brinda una María, llena de matices, humana y creíble.

Precioso final, en el que Armendaris nos lleva de nuevo a la casa del amigo de Javi. Suena la música… Y el joven no duda, en invitar a bailar a la niña. Evidencia del paso que se ha operado en el muchacho.
Armendaris nos regala una película intimista, sencilla, que cautiva por la poesía de sus imágenes, y por la manera como nos comparte su historia. Una historia que permanece en el espectador sensible. Cine de verdad!

Premios

1997: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa.
1997: 4 premios Goya: Actor revelación, dirección artística, sonido, actriz de reparto. 1997: Festival de Berlín: Premio Ángel Azul a la mejor película europea.
1997: Premio Ondas: Mejor película.

LA CAMARERA DEL TITANIC

Por: Mario Arango Escobar.

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JUAN JOSÉ BIGAS LUNA

Nació en 1946 en Barcelona (España). Estudió diseño interior y diseño industrial.
Cofundador de la empresa “Barcelona Group”, se introdujo en el campo de la distribución cinematográfica, llevando a cabo un proyecto de lanzamiento internacional de películas españolas. Asimismo, se interesó por la dirección y dio sus primeros pasos como realizador. Las once películas breves que rodó en “Super 8” a mediados de la década de los setenta llevaban el título genérico de Historias impúdicas, y ya planteaban las dos obsesiones que alentarían su obra posterior: el erotismo hedonista y las diversas manifestaciones del poder.

Comenzó su carrera cinematográfica en los años 70 con proyectos de pequeño formato hasta que, a finales de la década, dirigió y escribió su primer largometraje: “Tatuaje” (1976). El dueño de una peluquería contacta con un detective para que investigue la identidad de un hombre, cuyo cadáver ha aparecido en una playa de Barcelona. La única pista es un tatuaje que llevaba el muerto, donde se leía la frase “He nacido para revolucionar el infierno”.
Pero no fue hasta “Bilbao” (1978), cuando consiguió un reconocimiento internacional como director, al ser seleccionado para el Festival de Cannes. Leo, un psicópata, concibe una progresiva fascinación por Bilbao, una bailarina de striptease que para llegar a fin de mes ejerce como prostituta. Leo sigue a Bilbao a todas horas, estudia sus movimientos y termina por raptarla, como si se tratase de un objeto más que añadir a su colección erótica

Otros títulos destacados de su filmografía son:
“Angustia” (1987). John es oftalmólogo y tiene una curiosa afición: colecciona ojos. Su madre ejerce sobre él un fuerte dominio psicológico. Precisamente, por orden de su madre, va a un cine, donde coincide con dos amigas, Linda y Patricia. El efecto hipnótico de la película ejerce sobre ellos una extraña influencia.
“Las edades de Lulú” (1990). Adaptación de la novela homónima de Almudena Grandes. Lulú es una chica de quince años que sucumbe a los atractivos de Pablo, un amigo de la familia. Después de esta experiencia, Lulú alimenta durante mucho tiempo el deseo por ese hombre, que volverá a entrar en su vida años más tarde, prolongando así el juego amoroso de la niñez.

“Jamón, jamón” (1992). José Luis es el hijo de un acaudalado matrimonio que posee una fábrica de ropa interior masculina, en la que trabaja su novia Silvia. Cuando ella se queda embarazada, él promete casarse con ella a pesar de la oposición de sus padres. Con el fin de frustrar esa boda no deseada, la madre decide contratar a un joven aspirante a torero para que seduzca a la joven.
“La teta y la luna” (1994). Tete, un niño de nueve años, está frustrado por la llegada de un pequeño hermano y celoso porque este le ha ‘robado’ el pecho de su madre. Cansado de beber leche de botella, emprende la búsqueda de una nueva teta de la que poder mamar. Así, se enamora de Estrellita, una guapa bailarina francesa que acaba de llegar al pueblo.
“Son de mar” (2006). A finales del verano, Ulises llega a un pueblo de la costa mediterránea para trabajar como profesor. Allí conoce a Martina, una sensual muchacha. Los jóvenes se casan y tienen un hijo, pero, poco después, Ulises desaparece en el mar mientras pescaba. Martina vuelve a casarse.
Bigas Luna falleció en La Riera, Tarragona, el 5 de abril de 2013.

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LA CAMARERA DEL TITANIC/ LA FEMME DE CHAMBRE DU TITANIC (1997). PAÍS: ESPAÑA. DURACIÓN: 100

Dirección: Bigas Luna. Guión: Cuca Canals, Bigas Luna (Novela: Didier Decoin). Intérpretes: Aitana Sánchez-Gijón, Olivier Martínez, Romane Bohringer, Salvador Madrid, Didier Bezace, Aldo Maccione, Jean-Marie Juan, Arno Chevrier. Fotografía: Patrick Blossier. Música: Alberto Iglesias.

La novela de Didier Decoin sirve de base para que el director español realice, la que considero, la obra más madura de su filmografía. En ella se nos cuenta la historia de Horty (Olivier Martínez), un obrero que al ganar una competencia de fuerza, entre sus compañeros de trabajo, se hace acreedor a viajar a Southampton, Inglaterra, para ver zarpar al Titanic.

Una vez en la ciudad inglesa, Horty, se hospeda en un lujoso hotel. En la noche, una hermosa mujer llama a la puerta de su habitación, pidiéndole que le permita compartir el cuarto, ya que todo el hotel se encuentra ocupado y no hay cuartos disponibles. Ante la insistencia de la mujer, Horty accede a su pedido. A pesar de que comparten la misma cama, no sucede nada entre ellos.
Al día siguiente, Mary (Aitana Sánchez-Gijón), que en realidad es una camarera del Titanic, desaparece y nuestro protagonista la reconoce, justo antes de que el barco inicie el viaje, y ella, como recuerdo, le deja una foto suya…

Al volver a casa, Horty, comparte el retrato de la camarera con sus compañeros de trabajo. Todos le preguntan cómo fue el encuentro con esa hermosa mujer, y él cuenta la verdad. Sin embargo, al darse cuenta que su esposa ha estado muy cerca del jefe de la fábrica, y presa de los celos, se inventa una historia llena de erotismo, que dice haber vivido con la mujer de la foto.
Horty, rápidamente capta la atención de los asistentes al bar, donde tiene lugar su exposición, y su relato cada vez se vuelve más sugerente, a tal punto que incluso las esposas de los mineros hacen parte de la concurrencia. Hasta allí también llega un famoso actor, que ahora ejerce como director y queda impresionado con las dotes narrativas de nuestro protagonista.

Las citas en el bar se suceden todos los días, hasta que se conoce la noticia del naufragio del Titanic. Al comprobarse que entre los supervivientes no se encuentra ninguna mujer llamada Mary, Horty se niega a seguir con la farsa, y es despedido de la empresa después de pelearse con su patrón.
Al no encontrar nada más que hacer, regresa al bar para seguir con su historia. Allí llegará también su esposa, que decide abandonarlo ante lo que ha descubierto. Pero Horty la convence, diciéndole que todo es una invención.
Enterado de la situación, el viejo director contacta a Horty, y a su esposa para que juntos recorran los pueblos vecinos, llevando por doquier la fantástica historia de amor…

Con un narrativa fluida, que reúne las características más sobresalientes de su cine: erotismo y sensualidad, Bigas Luna, construye una película intimista y romántica.
Un guión completamente original, en el que se alterna de manera perfecta ficción y realidad, y a través del cual el director español “reinventa” la temática amorosa, es uno de los puntos fuertes del film.
La puesta en escena es de gran sencillez, no obstante, la recreación de época es espléndida, y junto con la fotografía, de tonos agrisados, contribuyen a crear la atmósfera precisa que la historia demanda.

Por su parte, la bellísima música, a cargo del maestro Alberto Iglesias, mezcla melodías nostálgicas y alegres con otras de efecto intimista y trágico, que refuerzan el carácter pasional del relato.
Los dos protagonistas, Aitana Sánchez-Gijón y Olivier Martínez se roban la atención del espectador con sus respectivas caracterizaciones. Ambos asumen sus personajes con gran despliegue de seducción, y dramatismo. Un punto a favor de Bigas Luna, por su certera dirección de actores.

Como ya mencioné, el director español logra, su obra más lograda. Un verdadero canto al amor verdadero. Inolvidable película!

Premios:

1997: Premios Goya: Mejor guión adaptado y diseño de vestuario. 5 nominaciones.